Die Moderne war ein umfassender Wandel der bildenden Kunst, der sich zwischen den 1860er- und den 1970er-Jahren vollzog. Sie begann mit Malern in Paris, die akademische Konventionen zurückwiesen, und endete bei Künstlern auf der ganzen Welt, die die Vorstellung davon, was ein Bild sein konnte, selbst zerlegten. Die Bewegung war nie ein einzelner Stil. Sie beruhte auf der gemeinsamen Überzeugung, dass Kunst auf die Bedingungen ihrer Zeit reagieren müsse: Industrialisierung, Fotografie, zwei Weltkriege, Massenmedien und der Zusammenbruch alter Gewissheiten über Wahrnehmung und Wahrheit. Von Manets flachen, konfrontativen Figuren bis zu Mondrians Rastern aus Primärfarben und Malevichs schwarzem Quadrat auf weißem Grund entfernten moderne Künstler überlieferte Bildthemen, um formale und spirituelle Grundlagen freizulegen. Sie gründeten Schulen und veröffentlichten Manifeste (Bauhaus, De Stijl, Suprematismus, Konstruktivismus), die die Grenze zwischen freier Kunst, Design und Architektur aufhoben. Zusammengehalten werden diese sehr unterschiedlichen Experimente durch den Glauben, dass die Form selbst Bedeutung trägt, dass Farbe und Linie ohne Illustration etwas mitteilen können und dass es Aufgabe der Künstler ist, sichtbar zu machen, was der alltägliche Blick übersieht.
Modernistische Künstler vertraten die Auffassung, Linien, Farben und Formen eines Gemäldes besäßen eine eigene Ausdruckskraft, unabhängig von einer Geschichte oder Szene, die sie darstellen könnten. Diese Überzeugung trieb aufeinanderfolgende Bewegungen zur Abstraktion: Der Kubismus zerlegte Gegenstände in geometrische Flächen, der Suprematismus reduzierte die Leinwand auf elementare Geometrie, und De Stijl beschränkte sich auf gerade Linien und Grundfarben.
Für viele frühe Modernisten war Abstraktion ein spirituelles Streben. Kandinskys Abhandlung von 1911 vertrat die These, dass Farbe unmittelbar auf die Seele wirkt. Hilma af Klint schuf unter Anleitung spiritueller Praxis Jahre bevor Kandinsky oder Malevich ihre abstrakten Werke ausstellten riesige Abstraktionen. Malevich beschrieb den Suprematismus als Suche nach reinem Gefühl jenseits der materiellen Erscheinungen. Diese Künstler sahen in der Abstraktion einen Weg zu einer tieferen Wirklichkeit, nicht von ihr fort.
Das Bauhaus bestand darauf, dass Malerei, Bildhauerei, Architektur und Handwerk eine gemeinsame Sprache sprechen sollten. Konstruktivisten übertrugen abstrakte Prinzipien auf Propagandaplakate, Typografie und öffentliche Denkmäler. Mondrian stellte sich eine Zukunft vor, in der sich die neoplastische Harmonie von der Leinwand auf den Raum und vom Raum auf die Stadt erstrecken würde. Die Moderne behandelte das Kunstwerk nicht als kostbaren, vom Alltag abgeschlossenen Gegenstand, sondern als Prototyp einer veränderten Lebenswelt.
Keine frühere Epoche brachte so viele schriftliche Erklärungen künstlerischer Absichten hervor. Futuristische, vortizistische, suprematistische und konstruktivistische Manifeste sowie Texte von De Stijl und dem Bauhaus formulierten Grundsätze mit aggressiver Klarheit. Diese Texte erfüllten einen doppelten Zweck: Sie erklärten einem ablehnenden Publikum ungewohnte Werke und verbanden lose Netzwerke von Künstlern zu erkennbaren Bewegungen.
Die Moderne machte Innovation zu einer strukturellen Erwartung. Jede Generation maß sich an der vorherigen. Auf den Impressionismus folgte der Post-Impressionismus, darauf Fauvismus und Kubismus, dann reine Abstraktion. Diese innere Dynamik brachte in kurzer Zeit außergewöhnliche Neuerungen hervor, legte aber auch den Grund für ihre eigene Erschöpfung. In den 1960er Jahren hatte der Minimalismus die Malerei auf ihre letzten materiellen Tatsachen reduziert.
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Schlüsselwerke, die die Kunstrichtung geprägt haben.
Manets monumentale Leinwand, 1863 im Salon des Refuses ausgestellt, gilt oft als Auftakt der Moderne. Eine nackte Frau sitzt in einem zeitgenössischen Park zwischen bekleideten Männern. Manet verzichtete auf tonale Modellierung, verwendete eine harte, gleichmäßige Beleuchtung und verkürzte die räumliche Tiefe. Das Gemälde behauptete, dass Kunst die Gegenwart mit ihren eigenen formalen Mitteln behandeln könne.
Über drei Meter hoch, gehört dieses Gemälde zu einem 10-teiligen Zyklus. Wirbelnde botanische und zellartige Formen füllen die Oberfläche in blassem Rosa, Orange und Grün. Der Maßstab war für abstrakte Kunst von 1907 außergewöhnlich. Klint verfügte, dass die Gemälde erst zwanzig Jahre nach ihrem Tod gezeigt werden dürften. Ihre Wiederentdeckung erzwang eine Neubewertung der Ursprungsgeschichte der Abstraktion.
Rousseaus letztes vollendetes Gemälde zeigt einen liegenden Akt in einem dichten Dschungel, den er aus Besuchen im Jardin des Plantes zusammensetzte. Akademische Kritiker taten ihn als naiv ab, doch Picasso erkannte, was die Moderne brauchte: den Beweis, dass eine originelle Sichtweise technische Ausbildung umgehen konnte. Rousseaus flacher, geschichteter Raum nimmt die Betonung der Bildebene in der Malerei des 20. Jahrhunderts vorweg.
Im Auftrag von Sergei Shchukin entstanden, reduziert diese monumentale Leinwand die menschliche Figur auf ihren einfachsten Ausdruck. Fünf orange-rote Körper kreisen vor grünen und blauen Streifen. Matisse ließ die Schatten weg und beschränkte seine Palette auf drei vorherrschende Farbtöne. Die Wirkung entsteht aus der Spannung zwischen der Energie des Tanzes und den sparsamen Mitteln.
Kandinsky fertigte mehr als dreißig Studien an und setzte die endgültige Leinwand anschließend in ungefähr vier Tagen um. Die Oberfläche wirbelt aus überlappenden Farbfeldern und kantigen Linien, die Landschaften und Figuren andeuten, ohne sie eindeutig werden zu lassen. Composition VII verwirklicht am umfassendsten seine Vorstellung, Malerei könne wie Musik eine nicht gegenständliche emotionale Wirkung erzielen.
Das Werk wurde erstmals in der Zimmerecke der Ausstellung 0.10 in Petrograd gezeigt – an jenem Platz, der russisch-orthodoxen Ikonen vorbehalten war. Ein schwarzes Viereck liegt auf weißem Grund. Die Geste erklärte die Malerei als Darstellung für beendet und den Suprematismus für eröffnet: den Vorrang des reinen Gefühls in der schöpferischen Kunst.
Legers größtes Gemälde überträgt das Stadterlebnis in ein gebrochenes Raster aus flachen, leuchtenden Flächen. Figuren steigen eine Treppe hinab, während Stahlträger, Typografie und architektonische Fragmente von allen Seiten auf sie eindringen. Das Werk steht an der Schnittstelle zwischen Kubismus und jener Maschinenästhetik, die später den Konstruktivismus und das Bauhaus beflügeln sollte.
Dieses Propagandaplakat reduziert den Russischen Bürgerkrieg auf eine geometrische Konfrontation: Ein rotes Dreieck stößt in einen weißen Kreis vor. Das Plakat veranschaulicht die zentrale These des Konstruktivismus, dass abstrakte Formen eine unmittelbare politische Bedeutung tragen und ein Massenpublikum erreichen können. Seine bescheidene Größe steht in deutlichem Gegensatz zu seinem enormen Einfluss auf das Grafikdesign.
Auf der nur 45 Zentimeter großen quadratischen Leinwand teilen schwarze Linien leicht unterschiedlicher Stärke die weiße Fläche in Rechtecke, von denen drei mit ungemischtem Rot, Blau und Gelb gefüllt sind. Mondrian gelangte zu diesem Formenvokabular nach Jahrzehnten fortschreitender Reduktion. Das Gemälde wurde zu einer Ikone von De Stijl und modernistischem Design; seine Prinzipien fanden Eingang in Architektur, Typografie und Industriedesign.
Albers schuf mehr als tausend Variationen ineinander verschachtelter Quadrate mit sorgfältig gewählten Farben. Das Format bleibt fest; die Farbverhältnisse verändern alles. Warme und kühle Töne wirken an gemeinsamen Kanten aufeinander ein und erzeugen optische Schwingungen. Die Reihe verbindet die Farbtheorie des Bauhauses mit den optischen Experimenten der 1960er Jahre und schlägt eine Brücke zwischen europäischer Moderne und amerikanischer Nachkriegsabstraktion.
Der Beginn der Moderne wird üblicherweise im Paris der 1860er-Jahre angesetzt. Der Salon des Refuses von 1863 machte das Publikum mit Werken bekannt, die sich akademischen Maßstäben widersetzten. Manets konfrontative Leinwände wurden zu Brennpunkten der Debatte. Innerhalb von zwei Jahrzehnten stellten die Impressionisten unabhängig aus. In dieser Zeit entstand die Infrastruktur der modernen Kunstwelt: unabhängige Ausstellungen, Bündnisse zwischen Kritikern und Kunsthändlern sowie Künstlerkollektive.
Fotografie, Farbtheorie, Röntgenbilder und Einsteins Arbeiten zur Relativitätstheorie trugen alle zum Verdacht bei, dass die sichtbare Wirklichkeit unvollständig sei. Wenn eine Kamera Oberflächen genauer festhalten konnte als ein Pinsel, waren Maler frei, sich dem zuzuwenden, was die Fotografie nicht konnte: subjektivem Erleben, struktureller Analyse und spiritueller Intuition. Die Kubisten zerlegten die Zentralperspektive. Die Futuristen versuchten, Geschwindigkeit und Gleichzeitigkeit zu malen.
Zwischen 1909 und 1930 erschien eine außergewöhnliche Fülle künstlerischer Manifeste. Marinettis Futuristisches Manifest, Malewitschs suprematistische Schriften, die Gründungserklärung von De Stijl und das Bauhaus-Programm entwarfen jeweils nicht nur eine Ästhetik, sondern eine umfassende Neuordnung des Verhältnisses zwischen Kunst und Gesellschaft. Das Bauhaus versammelte Maler, Architekten, Weber und Typografen unter einem Dach.
Der üblichen Darstellung zufolge malte Kandinsky um 1911 das erste abstrakte Gemälde, doch die Chronologie ist weniger eindeutig. Hilma af Klint schuf bereits ab 1906 großformatige nicht gegenständliche Werke. Kupka stellte 1912 in Paris abstrakte Leinwände aus. Delaunay, Picabia und Dove fanden jeweils auf unterschiedlichen Wegen zur Abstraktion. Diese parallele Entwicklung legt nahe, dass die Abkehr von der gegenständlichen Darstellung eine strukturelle Reaktion auf gemeinsame Bedingungen war.
“Farbe ist eine Kraft, die unmittelbar auf die Seele wirkt.”
“Mit Suprematismus meine ich den Vorrang des reinen Gefühls in der schöpferischen Kunst.”
“Kunst bildet das Sichtbare nicht ab, sondern macht sichtbar.”
“Das Aussehen natürlicher Formen verändert sich, doch die Wirklichkeit bleibt.”
60 Künstler.
Jahr für Jahr angelegter Überblick über moderne und zeitgenössische Kunst. Dicht, aber unverzichtbar.
Grundlegende Abhandlung zur Abstraktion, die darlegt, wie Farbe und Form unmittelbar mit dem Innenleben des Betrachters kommunizieren.
Ein zugänglicher, pointierter Überblick, der die Malerei der Moderne mit den gesellschaftlichen Umbrüchen verbindet, die sie prägten.
Wegweisender Guggenheim-Ausstellungskatalog, der die gängigen Chronologien der Moderne infrage stellte.
Die redaktionellen Inhalte zu Moderne stützen sich auf die folgende Fachliteratur.
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