Was ist Impressionismus?

Der Impressionismus war eine französische Kunstbewegung der 1860er- bis 1880er-Jahre. Er brach mit der akademischen Tradition, indem er die unmittelbare Beobachtung von Licht und Atmosphäre über erzählerische Inhalte stellte. Seine Maler arbeiteten schnell, oft im Freien. Mit sichtbaren Pinselstrichen und reinen Farben hielten sie das wechselnde Erscheinungsbild alltäglicher Szenen fest, statt es zu fertigen Atelierkompositionen zu glätten.

Wann begann der Impressionismus?

Im Dezember 1873 nahm die Bewegung Gestalt an: Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Berthe Morisot und weitere Künstler gründeten die Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, um den offiziellen Salon zu umgehen. Ihre erste unabhängige Ausstellung wurde am 15. April 1874 im früheren Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines eröffnet und machte die Bewegung öffentlich bekannt.

Wer sind die bekanntesten impressionistischen Maler?

Zum Kernkreis der Impressionisten gehörten Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Camille Pissarro, Berthe Morisot, Alfred Sisley und Mary Cassatt; Édouard Manet war ein Vorläufer und Mentor. Zwischen 1874 und 1886 folgten acht Gruppenausstellungen. Danach entwickelten die Mitglieder eigene Ansätze: Monet widmete sich seinen Serien der Kathedrale von Rouen und der Heuhaufen, Degas konzentrierte sich auf Figuren und Renoir wandte sich einer klassischeren Malweise zu.

Was kennzeichnet den impressionistischen Stil?

Vier technische Merkmale kennzeichnen den Impressionismus: gebrochene Farben in kurzen, getrennten Pinselstrichen statt auf der Palette vermischte Töne, sichtbare Pinselarbeit, die das Gemälde als gestaltetes Objekt erkennen lässt, Malen im Freien mit tragbaren Staffeleien und Tubenfarben sowie das Interesse an flüchtigen Licht-, Wetter- und Tageszeitwirkungen. Monets Serien desselben Motivs unter verschiedenen Bedingungen machten dies zum zentralen Anliegen der Bewegung.

Warum war der Impressionismus damals umstritten?

Das Pariser Kunstestablishment erwartete glatte, unsichtbare Oberflächen, bedeutende historische oder mythologische Themen und idealisierte Figuren. Die Leinwände der Impressionisten brachen mit all diesen Regeln: Die Pinselstriche blieben sichtbar, die Sujets zeigten das gewöhnliche Leben des Bürgertums und die Kompositionen wirkten unfertig. Der Kritiker Louis Leroy prägte 1874 in einer spöttischen Rezension von Monets Impression, Sonnenaufgang den Namen der Bewegung. Trotz der beabsichtigten Beleidigung setzte sich der Begriff durch.

Worin unterscheiden sich Impressionismus und Postimpressionismus?

Der Impressionismus der 1870er- und 1880er-Jahre hielt die sichtbare Oberfläche der Welt im wechselnden Licht fest. Der Postimpressionismus (etwa 1886 bis 1905) ging von dieser Grundlage aus, verfolgte jedoch symbolische, strukturelle und emotionale Richtungen, die die ursprüngliche Gruppe vermieden hatte. Cézanne suchte nach der grundlegenden Geometrie, Van Gogh setzte Farben emotional ein, Gauguin strebte nach spiritueller Vereinfachung und Seurat entwickelte den Pointillismus. Es waren vier unterschiedliche Absetzbewegungen vom Impressionismus.

Wo kann ich die besten impressionistischen Gemälde sehen?

Die umfangreichsten Bestände finden sich in Paris im Musée d'Orsay und im Musée de l'Orangerie, zu dem auch die Räume mit Monets Seerosen gehören, im Art Institute of Chicago mit Caillebotts Paris Street; Rainy Day sowie großen Beständen von Monet und Renoir, im Metropolitan Museum of Art in New York, in der Courtauld Gallery in London und in der National Gallery of Art in Washington. Jedes dieser Häuser zeigt mindestens zwei ganze Räume mit kanonischen Werken.

Was kam vor dem Impressionismus?

Die Schule von Barbizon malte seit den 1830er-Jahren im Wald von Fontainebleau und ebnete der Landschaftsmalerei im Freien den Weg. Gustave Courbets Realismus hatte den Salon bereits mit unidealisierten modernen Sujets schockiert. Camille Corots silbrig schimmernde Landschaften beeinflussten Pissarro und Morisot unmittelbar. Japanische Holzschnitte, die nach der Öffnung Japans 1854 in Paris eintrafen, vermittelten den Impressionisten angeschnittene Kompositionen, flächige Räume und asymmetrische Gestaltung. Am deutlichsten nahm Degas diese Anregungen auf.

Mary Cassatt at the Louvre: The Paintings Gallery von Edgar Degas

Luncheon of the Boating Party von Pierre-Auguste Renoir

Portrait of the Painter Fritz Melbye (1826-69) von Camille Pissarro

Girls at the Piano von Pierre-Auguste Renoir

Mother and Child (The Oval Mirror) von Mary Cassatt

The Bridge at Villeneuve-la-Garenne von Alfred Sisley

Boulevard Montmartre, Mid-Lent von Camille Pissarro

The Terrace at Saint-Germain, Spring von Alfred Sisley

Impressionismus

63 Künstler · 1860–1890

Der Impressionismus begann im Paris der 1860er Jahre als Auflehnung gegen das offizielle Salonwesen und die akademische Tradition, die es bestimmte. Ein lockerer Kreis von Malern arbeitete unabhängig, stellte jedoch zwischen 1874 und 1886 gemeinsam in acht Gruppenausstellungen aus. Sie gaben die Atelierkonventionen historischer und mythologischer Motive auf und wandten sich der unmittelbaren Beobachtung zu: Landschaften unter freiem Himmel, Straßen bei Dämmerung, Cafés, Bahnhöfe und private häusliche Szenen. Sie malten schnell und verwendeten aufgelöste Pinselstriche sowie helle Farben, um die flüchtigen Wirkungen des natürlichen Lichts einzufangen – statt der festen tonalen Modellierung, die an der École des Beaux-Arts gelehrt wurde. Die Bewegung erhielt ihren Namen von Claude Monets Impression, Sunrise (1872), die der Kritiker Louis Leroy in Le Charivari verspottete. Binnen zwei Jahrzehnten war aus der Beleidigung ein Ehrenzeichen geworden. Der Impressionismus verlagerte den Zweck der Malerei von erzählerischer Illustration hin zum Wahrnehmungserlebnis. Sein Einfluss reichte weit über Frankreich hinaus: Mary Cassatt [16] machte seine Methoden einem amerikanischen Publikum bekannt, während Childe Hassam sie an das Licht Neuenglands anpasste. Die Bewegung formulierte weder ein Manifest noch eine einheitliche Theorie. Zusammengehalten wurde sie von der gemeinsamen Überzeugung, dass Malerei festhalten solle, wie das Auge tatsächlich sieht – und nicht, wie es die Akademie vorschrieb.

Leitideen

Licht als Motiv malen
Vor dem Impressionismus diente Licht dazu, den erzählerischen Inhalt einer Szene sichtbar zu machen. Die Impressionisten kehrten diese Rangordnung um: Nun wurde das Licht selbst zum Gegenstand. Monets Serien mit der Kathedrale von Rouen und Heuschobern zeigen dasselbe Motiv unter Dutzenden atmosphärischer Bedingungen. Sie machen deutlich, wie sehr sich der Charakter einer Szene je nach Tageszeit und Wetter verändert. Pissarro und Sisley verfolgten dieselbe Idee in ländlichen und vorstädtischen Landschaften. Dabei ging es nicht um dekorative Abwechslung. Dahinter stand die grundlegende These, dass die visuelle Wahrnehmung unbeständig ist, die Welt von einem Augenblick zum nächsten anders aussieht und ein Gemälde, das diese Unbeständigkeit ehrlich wiedergibt, wahrhaftiger ist als eines, das sie glättet.
Das moderne Leben als würdiges Motiv
Die akademische Malerei im Frankreich der Mitte des 19. Jahrhunderts ordnete die Bildthemen streng hierarchisch: Geschichte und Mythologie standen ganz oben, das Stillleben ganz unten. Szenen aus dem alltäglichen bürgerlichen Müßiggang hatten darin keinen Platz. Die Impressionisten lösten dieses System auf. Renoir malte Menschenmengen, die in Freiluftcafés in Montmartre tanzten. Degas beobachtete Ballettproben, Wäscherinnen und Rennpferde. Morisot und Cassatt hielten die private häusliche Welt von Frauen und Kindern mit psychologischer Unmittelbarkeit fest. Manet setzte Pariser seiner Gegenwart in Kompositionen nach Vorbildern der Renaissance und zwang das Publikum, der Kluft zwischen klassischem Idealismus und moderner Wirklichkeit ins Auge zu sehen. Gemeinsam schufen die Künstler ein Werk, das die Gegenwart als hinreichenden Stoff für ernsthafte Malerei behandelte.
Gebrochene Farben und der sichtbare Pinselstrich
Die akademische Malerei schätzte eine unsichtbare Technik: glatte Oberflächen, nahtlose tonale Übergänge und keine Spur des Pinsels. Die Impressionisten gaben diese Vollendung auf. Sie trugen Farbe in kurzen, getrennten Strichen relativ reiner Farbe auf und ließen das Auge des Betrachters die Töne aus der Entfernung mischen, statt Pigmente auf der Palette zu vermengen. Die Technik erzeugte einen schimmernden optischen Effekt, der nachahmte, wie sich Licht über Oberflächen aufteilt. Sie machte auch den Vorgang des Malens sichtbar. Der Betrachter sieht sowohl die dargestellte Szene als auch die körperliche Arbeit des Pinsels auf der Leinwand. Dieses doppelte Bewusstsein war radikal. Es erkannte das Gemälde als konstruiertes Objekt statt als durchsichtiges Fenster an und bereitete den Boden für die formalen Experimente des Postimpressionismus und darüber hinaus.
Malen im Freien und die Ablehnung des Ateliers
Die Impressionisten erfanden die Freilichtmalerei nicht. Die Schule von Barbizon arbeitete seit den 1830er Jahren im Wald von Fontainebleau, und Corot malte leuchtende italienische Landschaften Jahrzehnte vor Monets Geburt. Die Impressionisten erhoben die Freilichtmalerei jedoch von der vorbereitenden Skizze zum vollendeten Gemälde. Tragbare Staffeleien, zusammenklappbare Farbtuben (ab den 1840er Jahren im Handel erhältlich) und das wachsende Eisenbahnnetz machten dies praktikabel. Monet, Renoir, Sisley und Bazille malten Ende der 1860er Jahre Seite an Seite an der Seine und entwickelten ihre Methoden im direkten Wettbewerb. Die daraus entstandenen Leinwände besaßen eine Unmittelbarkeit und Frische, die eine Überarbeitung im Atelier zerstört hätte. Schnelligkeit bedeutete keine Nachlässigkeit. Nur so ließen sich Bedingungen festhalten, die sich von Minute zu Minute änderten.
Unabhängige Ausstellungen als künstlerische Strategie
Die Entscheidung, den offiziellen Salon zu umgehen und unabhängige Ausstellungen zu organisieren, war ebenso folgenreich wie jede stilistische Neuerung. Die im Dezember 1873 gegründete Societe Anonyme Cooperative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs gab ihren Mitgliedern die Kontrolle über Hängung, Preise und Präsentation. Die erste Ausstellung eröffnete im April 1874 im ehemaligen Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines. Zu sehen waren unter anderem Werke von Monet, Renoir, Degas, Pissarro, Morisot, Sisley und Cezanne. Bis 1886 folgten acht Ausstellungen. Das Modell bewies, dass Künstler ohne institutionelle Zugangskontrolle Sammler und Kritiker erreichen konnten. Es inspirierte unmittelbar den Salon des Independants (1884) und nahm die von Künstlern betriebenen Ausstellungsräume des 20. Jahrhunderts vorweg.

Wichtige Künstler

Claude Monet

1840–1926 · Französisch

Pierre-Auguste Renoir

1841–1919 · Französisch

Edgar Degas

1834–1917 · Französisch

Camille Pissarro

1830–1903 · Französisch

Berthe Morisot

1841–1895 · Französisch

Alfred Sisley

1839–1899 · Britisch

Édouard Manet

1832–1883 · Französisch

Mary Cassatt

1844–1926 · Amerikanisch

Benachbarte Traditionen und Einflüsse entdecken.

Postimpressionismus

1880–1910

Realismus

1840–1880

Pointillismus

1884–1910

Entwicklung der Kunst

Schlüsselwerke, die die Kunstrichtung geprägt haben.

Le Dejeuner sur l'herbe

Edouard Manet · 1863 · Öl auf Leinwand, 208 x 264,5 cm

Manets großformatige Leinwand, von der Salonjury zurückgewiesen und 1863 im Salon des Refuses gezeigt, bildet die provokante Ouvertüre zur Epoche des Impressionismus. Die Komposition greift offen Raimondis Kupferstich nach Raphaels Urteil des Paris und das damals Giorgione zugeschriebene Concert Champetre auf. Manet nahm diesen mythologischen Vorwand jedoch weg. Eine nackte Frau sitzt in zeitgenössischer Kleidung neben zwei vollständig bekleideten Männern im Gras und blickt die Betrachtenden direkt an. Das Gemälde löste in Paris nicht wegen der Nacktheit einen Skandal aus, sondern weil der Akt unverkennbar modern war und ohne allegorische Rechtfertigung in einer gewöhnlichen Picknickszene erschien. Technisch reduzierte Manet die traditionelle tonale Modellierung auf breite Hell-Dunkel-Kontraste. Die Figuren wirken inszeniert statt natürlich in den Raum gesetzt. Der Anblick ist ein bewusster Bruch mit der illusionistischen Konvention. Das Gemälde hängt heute im Musee d'Orsay in Paris.

Impression, Sunrise

Claude Monet · 1872 · Öl auf Leinwand, 48 x 63 cm

Dieses kleine Gemälde entstand im November 1872 in einer einzigen Sitzung in einem Hotelzimmer mit Blick auf den Hafen von Le Havre und gab unbeabsichtigt einer ganzen Bewegung ihren Namen. Als es im April 1874 in der ersten Gruppenausstellung zu sehen war, griff der Kritiker Louis Leroy den Titel für eine satirische Rezension in Le Charivari auf. Das Bild zeigt den Industriehafen bei Tagesanbruch: Kräne, Masten und Schornsteine lösen sich im blaugrauen Dunst auf, während eine leuchtend orange Sonne ihr gebrochenes Spiegelbild über das Wasser wirft. Die Malweise ist schnell und zusammenfassend; einzelne Farbtupfer liegen nebeneinander, statt vermischt zu sein. Monet wollte die physische Wirklichkeit des Hafens nicht beschreiben. Er hielt einen flüchtigen Seheindruck fest: die besondere Lichtqualität zu einer bestimmten Stunde an einem bestimmten Morgen. Das Gemälde hängt im Musee Marmottan Monet in Paris.

The Cradle

Berthe Morisot · 1872 · Öl auf Leinwand, 56 × 46 cm

Das bei der ersten Impressionisten-Ausstellung 1874 gezeigte Werk „The Cradle“ gehörte zu den frühesten Arbeiten einer Malerin, die in den Ausstellungen der Gruppe zu sehen waren. Morisots Schwester Edma wacht über ihre schlafende kleine Tochter Blanche. Die Komposition folgt einer Diagonale vom gesenkten Blick der Mutter über ihren gebeugten Arm bis zu den geschlossenen Augen des Kindes; verstärkt wird sie durch den transparenten Gazevorhang, den Edma über die Wiege zieht. Morisot malte bewusst locker. Der Vorhang ist mit dünnen, durchscheinenden Strichen gestaltet, durch die der Malgrund hindurchscheint. Schon das Motiv war eine Aussage. Morisot stellte Mutterschaft als beobachtete Wirklichkeit dar – psychologisch präzise und frei von erzählerischer Ausschmückung. Das Gemälde hängt heute im Musee d'Orsay.

The Dance Class

Edgar Degas · 1874 · Öl auf Leinwand, 83,5 x 77,2 cm

Degas nimmt innerhalb des Impressionismus eine schwierige Sonderstellung ein. Er lehnte die Freilichtmalerei ab, zog die Zeichnung der Farbe vor und komponierte seine Leinwände mit der kalkulierten Asymmetrie eines Fotografen. In Die Tanzklasse leitet der Ballettmeister Jules Perrot eine Prüfung, während etwa zwei Dutzend Tänzerinnen und ihre Mütter mit unterschiedlicher Aufmerksamkeit und Langeweile warten. Die Komposition ist bewusst außermittig angelegt. Der leere Fußboden beherrscht den unteren Teil der Leinwand. Diese Anordnung erinnert an die angeschnittenen Perspektiven japanischer Farbholzschnitte, die Degas leidenschaftlich sammelte. Die Palette ist zurückhaltend: gedämpfte Grüntöne, warme Brauntöne und Tupfer von Orange und Weiß in den Tutus. Das Gemälde gelangte in den Besitz des Metropolitan Museum of Art in New York.

Bal du moulin de la Galette

Pierre-Auguste Renoir · 1876 · Öl auf Leinwand, 131 × 175 cm

Renoirs größte und ehrgeizigste Figurenkomposition zeigt einen Tanz an einem Sonntagnachmittag in einem Freiluftcafé in Montmartre. Paare tanzen im gefleckten Licht, das durch Akazien fällt, während andere im Vordergrund an Tischen sitzen. Renoir hielt fest, wie das Sonnenlicht durch die Blätter bricht und in unregelmäßigen Flecken auf Gesichter und Kleidung fällt, vermischt mit den kühleren Blautönen des Schattens. Der Pinselstrich ist fließend und abwechslungsreich: Im Vordergrund beschreibt er die Gesichtszüge genau, bei den weiter hinten tanzenden Paaren wird er lockerer. Diese abgestufte Schärfe entspricht der tatsächlichen Wahrnehmung einer Menschenmenge. Heute zählt das Gemälde zu den Hauptwerken des Musee d'Orsay.

La Gare Saint-Lazare

Claude Monet · 1877 · Öl auf Leinwand, 75 × 104 cm

Anfang 1877 erhielt Monet die Erlaubnis, seine Staffelei im Gare Saint-Lazare aufzustellen, dem meistfrequentierten Bahnhof von Paris. Er malte zwölf Ansichten des Bahnhofs. Diese Fassung blickt unter dem Eisen-Glas-Dach in die Bahnhofshalle. Auf den Gleisen stehen Lokomotiven und stoßen Dampfwolken aus, die das Licht von oben einfangen. Der Dampf ist das eigentliche Thema. Monet malte ihn in Blau, Mauve und blassem Gelb und schenkte ihm dieselbe Aufmerksamkeit wie anderswo Wolken und Wasser. Das Gemälde erhebt den ausdrücklichen Anspruch, moderne Verkehrsinfrastruktur sei für die Landschaftsmalerei ebenso geeignet wie eine normannische Klippe. Die Leinwand befindet sich heute im Musee d'Orsay.

Boat in the Flood at Port-Marly

Alfred Sisley · 1876 · Öl auf Leinwand, 50,5 × 61 cm

Als die Seine 1876 über die Ufer trat und Port-Marly überschwemmte, schuf Sisley sechs Gemälde des Ereignisses. Dieses Bild zeigt ein kleines Boot, das durch Hochwasser fährt, das bis zu den Fenstern des ersten Stocks gestiegen ist. Sisley war der konsequenteste Landschaftsmaler im Kreis der Impressionisten. Seine Stärke lag in atmosphärischer Genauigkeit. Der graublaue Himmel und seine Spiegelung im stehenden Wasser bilden ein verdichtetes, fast monochromes Farbfeld. Vor diesem kühlen Hintergrund heben sich die warmen Rosa- und Ockertöne des Gebäudes deutlich ab. Sisley widerstand der Versuchung, die Katastrophe zu dramatisieren. Das Gemälde hält einen bestimmten atmosphärischen Augenblick mit derselben distanzierten Aufmerksamkeit fest, die die Gruppe auch sonnenbeschienenen Gärten entgegenbrachte. Heute im Musee d'Orsay.

Rouen Cathedral, West Facade, Sunlight

Claude Monet · 1894 · Öl auf Leinwand, 100 x 66 cm

Zwischen 1892 und 1894 malte Monet mehr als dreißig Ansichten der Westfassade der Kathedrale von Rouen. Er arbeitete gleichzeitig an mehreren Leinwänden und wechselte zwischen ihnen, wenn sich das Licht veränderte. Die Farboberfläche ist dick aufgetragen und greift das Mauerwerk der Fassade selbst auf. In dieser sonnenbeschienenen Fassung löst sich der Stein in Gold-, Orange- und warmen Weißtönen auf; bläulich-violette Schatten sammeln sich in den gotischen Portalen. Die Serie war Monets strengster Beweis dafür, dass Gegenstände keine feste Farbe haben. Als 1895 zwanzig Gemälde der Serie in Durand-Ruels Galerie ausgestellt wurden, schrieb Pissarro seinem Sohn Lucien, die Kathedralen seien außergewöhnlich. Fünf Gemälde der Serie befinden sich im Musee d'Orsay.

The Child's Bath

Mary Cassatt · 1893 · Öl auf Leinwand, 100,3 × 66,1 cm

Cassatt war die einzige amerikanische Künstlerin, die regelmäßig mit den Impressionisten ausstellte. Degas lud sie dazu ein, nachdem er ihre Arbeiten 1874 im Salon gesehen hatte. Anfang der 1890er-Jahre hatte sie japanische Ukiyo-e-Drucke und Morisots Intimität aufgenommen. The Child's Bath verbindet beides: Eine Frau wäscht einem jungen Mädchen in einer Schüssel die Füße. Der erhöhte Blickwinkel verkürzt den Raum auf eine Weise, die der japanischen Druckgrafik entlehnt ist. Die Farbe ist in großen, flachen Bereichen angeordnet. Sichtbare Pinselstriche und die Empfindlichkeit für Licht bleiben jedoch impressionistisch. Das Gemälde befindet sich seit 1910 im Art Institute of Chicago.

Ursprünge

Das Salon-System und seine Kritiker

Mitte des 19. Jahrhunderts kontrollierte der Pariser Salon den Zugang zum französischen Kunstmarkt. Jurys der Academie des Beaux-Arts entschieden, welche Gemälde angenommen und wo sie aufgehängt wurden. Ein günstiger Platz auf der Ausstellung konnte eine Karriere begründen; eine Ablehnung sie beenden. Das System belohnte großformatige Historienbilder und klassische Bildthemen. 1863 wies die Jury des Salons so viele Einsendungen zurück, dass Napoleon III. eine parallele Ausstellung anordnete: den Salon des Refuses. Manets Le Dejeuner sur l'herbe wurde dort zum meistdiskutierten Gemälde und lockte vor allem Menschen an, die darüber lachen wollten. Der Vorfall legte offen, dass die Autorität des Salons willkürlich und nicht absolut war.

Das Atelier von Gleyre und frühe Bündnisse

Anfang der 1860er Jahre lernten sich vier junge Maler im Unterrichtsatelier von Charles Gleyre kennen: Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Alfred Sisley und Frederic Bazille. Sie teilten ihr Interesse an Landschaften und zeitgenössischen Motiven. Bis 1864 malten sie gemeinsam im Freien am Ufer der Seine und entwickelten ihre Techniken im direkten Austausch. Bazille, der aus einer wohlhabenden Familie aus Montpellier stammte, leistete finanzielle Unterstützung und stellte Atelierplatz zur Verfügung. Sein Tod im Deutsch-Französischen Krieg 1870 nahm der Gruppe eines ihrer begabtesten Mitglieder, noch bevor die erste Ausstellung stattfand. Unterdessen entwickelten Pissarro und Cezanne in Pontoise ihre eigene Arbeitsbeziehung. Berthe Morisot, die bei Corot ausgebildet worden war, kam Ende der 1860er Jahre in Manets Kreis.

Der Deutsch-Französische Krieg und seine Folgen

Der Deutsch-Französische Krieg von 1870–1871 zerstreute die aufkommende Gruppe. Monet und Pissarro flohen nach London. In der National Gallery studierten sie Turner und Constable und lernten den Kunsthändler Paul Durand-Ruel kennen. Bazille fiel im November 1870 in der Schlacht bei Beaune-la-Rolande. Renoir wurde zum Militärdienst eingezogen. Als die Gruppe wieder zusammenkam, hatte sich das politische und kulturelle Klima verändert. Die Dritte Republik brachte neue Freiheiten, aber auch wirtschaftliche Unsicherheit. Durand-Ruel begann, impressionistische Werke in großer Zahl zu kaufen, und verschaffte den Künstlern damit Einkünfte, die ihnen das Salon-System verwehrt hatte.

Die acht Ausstellungen von 1874 bis 1886

Die erste Gruppenausstellung wurde am 15. April 1874 im ehemaligen Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines 35 eröffnet. Dreißig Künstler zeigten 165 Werke. Leroy gab der Gruppe in seiner satirischen Besprechung in Le Charivari ihren Namen. Bis 1886 folgten weitere Ausstellungen, doch die Zusammensetzung änderte sich ständig. Degas bestand darauf, Mary Cassatt einzubeziehen, und wehrte sich gegen die Bezeichnung Impressionist. Pissarro war der einzige Künstler, der an allen acht Ausstellungen teilnahm. Bei der letzten Schau 1886 zeigte Seurat Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte und kündigte damit den Neoimpressionismus an. Die Gruppenausstellungen waren vorbei, doch die von ihnen geschaffene Infrastruktur trug die nächste Generation.

In ihren eigenen Worten

“Ich möchte malen, wie ein Vogel singt.”

Claude Monet, Attributed in multiple sources; cited by the Denver Art Museum

“Was den alten Pissarro betrifft, so war er mir ein Vater. Er war ein Mann, den man zu Rate ziehen konnte, beinahe wie Gott.”

Paul Cezanne, Letter to Ambroise Vollard; cited by the Musee d'Orsay

“„Impression: Ich war mir ganz sicher. Ich sagte mir gerade, dass es, wenn ich beeindruckt war, auch einen Eindruck darin geben müsse.“”

Louis Leroy, Le Charivari, 25 April 1874

Alle Künstler: Impressionismus

63 Künstler.

Empfohlene Literatur

Impressionism: Art, Leisure, and Parisian Society
Robert L. Herbert · 1988
Die grundlegende Sozialgeschichte. Herbert liest die Gemälde vor dem Hintergrund der Freizeitkultur, aus der sie hervorgingen.
The History of Impressionism
John Rewald · 1946
Die erste umfassende wissenschaftliche Darstellung, die auch nach acht Jahrzehnten noch gedruckt wird. Eine chronologische Erzählung, Jahr für Jahr und gestützt auf Primärquellen.
Impressionism: A Feminist Reading
Norma Broude · 1991
Stellt die Beiträge von Morisot und Cassatt aus dem Schatten ins Licht und hinterfragt geschlechtsspezifische Annahmen älterer Forschung.
The Art of Impressionism: Painting Technique and the Making of Modernity
Anthea Callen · 2000
Eine technische Studie darüber, wie impressionistische Gemälde materiell hergestellt wurden. Sie untersucht die Vorbereitung der Leinwand, die Auswahl der Pigmente und die Rahmung.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Impressionismus?
Der Impressionismus war eine französische Kunstbewegung der 1860er- bis 1880er-Jahre. Er brach mit der akademischen Tradition, indem er die unmittelbare Beobachtung von Licht und Atmosphäre über erzählerische Inhalte stellte. Seine Maler arbeiteten schnell, oft im Freien. Mit sichtbaren Pinselstrichen und reinen Farben hielten sie das wechselnde Erscheinungsbild alltäglicher Szenen fest, statt es zu fertigen Atelierkompositionen zu glätten.
Wann begann der Impressionismus?
Im Dezember 1873 nahm die Bewegung Gestalt an: Claude Monet^[15], Pierre-Auguste Renoir^[11], Edgar Degas^[17], Camille Pissarro^[12], Berthe Morisot^[13] und weitere Künstler gründeten die Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, um den offiziellen Salon zu umgehen. Ihre erste unabhängige Ausstellung wurde am 15. April 1874 im früheren Atelier des Fotografen Nadar am Boulevard des Capucines eröffnet und machte die Bewegung öffentlich bekannt.
Wer sind die bekanntesten impressionistischen Maler?
Zum Kernkreis der Impressionisten gehörten Claude Monet^[15], Pierre-Auguste Renoir^[11], Edgar Degas^[17], Camille Pissarro^[12], Berthe Morisot^[13], Alfred Sisley^[14] und Mary Cassatt^[16]; Édouard Manet war ein Vorläufer und Mentor. Zwischen 1874 und 1886 folgten acht Gruppenausstellungen. Danach entwickelten die Mitglieder eigene Ansätze: Monet widmete sich seinen Serien der Kathedrale von Rouen und der Heuhaufen, Degas konzentrierte sich auf Figuren und Renoir wandte sich einer klassischeren Malweise zu.
Was kennzeichnet den impressionistischen Stil?
Vier technische Merkmale kennzeichnen den Impressionismus: gebrochene Farben in kurzen, getrennten Pinselstrichen statt auf der Palette vermischte Töne, sichtbare Pinselarbeit, die das Gemälde als gestaltetes Objekt erkennen lässt, Malen im Freien mit tragbaren Staffeleien und Tubenfarben sowie das Interesse an flüchtigen Licht-, Wetter- und Tageszeitwirkungen. Monets Serien desselben Motivs unter verschiedenen Bedingungen machten dies zum zentralen Anliegen der Bewegung.
Warum war der Impressionismus damals umstritten?
Das Pariser Kunstestablishment erwartete glatte, unsichtbare Oberflächen, bedeutende historische oder mythologische Themen und idealisierte Figuren. Die Leinwände der Impressionisten brachen mit all diesen Regeln: Die Pinselstriche blieben sichtbar, die Sujets zeigten das gewöhnliche Leben des Bürgertums und die Kompositionen wirkten unfertig. Der Kritiker Louis Leroy prägte 1874 in einer spöttischen Rezension von Monets Impression, Sonnenaufgang den Namen der Bewegung. Trotz der beabsichtigten Beleidigung setzte sich der Begriff durch.
Worin unterscheiden sich Impressionismus und Postimpressionismus?
Der Impressionismus der 1870er- und 1880er-Jahre hielt die sichtbare Oberfläche der Welt im wechselnden Licht fest. Der Postimpressionismus (etwa 1886 bis 1905) ging von dieser Grundlage aus, verfolgte jedoch symbolische, strukturelle und emotionale Richtungen, die die ursprüngliche Gruppe vermieden hatte. Cézanne suchte nach der grundlegenden Geometrie, Van Gogh setzte Farben emotional ein, Gauguin strebte nach spiritueller Vereinfachung und Seurat entwickelte den Pointillismus. Es waren vier unterschiedliche Absetzbewegungen vom Impressionismus.
Wo kann ich die besten impressionistischen Gemälde sehen?
Die umfangreichsten Bestände finden sich in Paris im Musée d'Orsay und im Musée de l'Orangerie, zu dem auch die Räume mit Monets Seerosen gehören, im Art Institute of Chicago mit Caillebotts Paris Street; Rainy Day sowie großen Beständen von Monet und Renoir, im Metropolitan Museum of Art in New York, in der Courtauld Gallery in London und in der National Gallery of Art in Washington. Jedes dieser Häuser zeigt mindestens zwei ganze Räume mit kanonischen Werken.
Was kam vor dem Impressionismus?
Die Schule von Barbizon malte seit den 1830er-Jahren im Wald von Fontainebleau und ebnete der Landschaftsmalerei im Freien den Weg. Gustave Courbets Realismus hatte den Salon bereits mit unidealisierten modernen Sujets schockiert. Camille Corots silbrig schimmernde Landschaften beeinflussten Pissarro und Morisot unmittelbar. Japanische Holzschnitte, die nach der Öffnung Japans 1854 in Paris eintrafen, vermittelten den Impressionisten angeschnittene Kompositionen, flächige Räume und asymmetrische Gestaltung. Am deutlichsten nahm Degas diese Anregungen auf.

Quellen

Die redaktionellen Inhalte zu Impressionismus stützen sich auf die folgende Fachliteratur.

[1] Buch Robert L. Herbert, Impressionism: Art, Leisure, and Parisian Society, 1988 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse.
[2] Buch John Rewald, The History of Impressionism, 1946 Verwendet für: Biografie, Einflüsse, Stilanalyse.
[3] Buch Norma Broude, Impressionism: A Feminist Reading, 1991 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse.
[4] Buch Anthea Callen, The Art of Impressionism: Painting Technique and the Making of Modernity, 2000 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse, Technik.
[5] Wikipedia Wikipedia: Impressionism Verwendet für: Biografie.
[6] Buch Nia Gould, A History of Art in 21 Cats Verwendet für: Biografie.
[7] Buch Carol Strickland and John Boswell, The Annotated Mona Lisa Verwendet für: Biografie.
[8] Buch Carol Strickland and John Boswell, The Annotated Mona Lisa Verwendet für: Biografie.
[9] Buch Carol Strickland and John Boswell, The Annotated Mona Lisa Verwendet für: Biografie.
[10] Wikipedia Wikipedia: James McNeill Whistler Verwendet für: Biografie.
[11] Wikipedia Wikipedia: Pierre-Auguste Renoir Verwendet für: Biografie.
[12] Wikipedia Wikipedia: Camille Pissarro Verwendet für: Biografie.
[13] Wikipedia Wikipedia: Berthe Morisot Verwendet für: Biografie.
[14] Wikipedia Wikipedia: Alfred Sisley Verwendet für: Biografie.
[15] Wikipedia Wikipedia: Claude Monet Verwendet für: Biografie.
[16] Wikipedia Wikipedia: Mary Cassatt Verwendet für: Biografie.
[17] Wikipedia Wikipedia: Edgar Degas Verwendet für: Biografie.

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Malen im Freien und die Ablehnung des Ateliers

Unabhängige Ausstellungen als künstlerische Strategie