Der Kubismus setzte innerhalb von weniger als einem Jahrzehnt fünf Jahrhunderte der Zentralperspektive außer Kraft. Zwischen 1907 und 1920 entwickelten Pablo Picasso[16] und Georges Braque eine Malweise, die Gegenstände in überlappende geometrische Flächen zerlegte und mehrere Blickwinkel in einer einzigen Komposition zeigte. Die Bewegung durchlief zwei deutlich unterscheidbare Phasen. Der analytische Kubismus (1909–1912[5]) reduzierte die sichtbare Welt auf monochrome Facetten nahezu abstrakter Geometrie. Der synthetische Kubismus (1912–1920) kehrte die Richtung um und baute Bilder mithilfe von Collage, Papier collé, kräftigeren Farben und Alltagsfragmenten wieder auf. Der Kubismus veränderte nicht nur das Aussehen von Bildern, sondern auch, was ein Bild sein konnte. Indem die Kubisten reale Materialien in die Leinwand einfügten, lösten sie die alte Grenze zwischen Kunst und Leben auf. Jede spätere Bewegung des 20. Jahrhunderts arbeitete in einem Gebiet, das der Kubismus erschlossen hatte.
Der Kubismus verwarf die Konvention, ein Bild müsse eine Szene so wiedergeben, wie sie von einem einzigen festen Standpunkt aus erscheint. Ein Gesicht konnte beide Augen frontal zeigen, während die Nase seitlich hervortrat. Damit sollte die ganze Erfahrung des Sehens dargestellt werden, die nie von einer einzigen unbewegten Position aus entsteht. So entstand ein Bild, das neben Raum auch Zeit enthielt.
Die Malerei der Renaissance erzeugte die Illusion räumlicher Tiefe. Der Kubismus zerstörte sie bewusst. Braque und Picasso pressten Vorder- und Hintergrund in ein flaches Raumfeld. Das Licht fällt aus widersprüchlichen Richtungen oder verschwindet ganz. Die Kubisten wollten, dass man das Gemälde zunächst als flachen Gegenstand und erst danach als Darstellung erkennt.
1912 klebten sowohl Picasso als auch Braque reale Materialien auf ihre Leinwände: Zeitungspapier, Tapete, Wachstuch, Seil. Malerei musste die Welt nicht länger allein mit Pigmenten darstellen. Ein Stück bedruckte Tapete in Holzmaserung konnte eine Tischplatte ersetzen. Die Collage durchbrach die Grenze zwischen bildender Kunst und Gebrauchsmaterial.
Kubistische Gemälde zeigen oft dieselben bescheidenen Motive: Gitarren, Weingläser, Zeitungen, Café-Tische. Picasso und Braque wählten vertraute Gegenstände gerade deshalb, weil sie die Aufmerksamkeit darauf lenken wollten, wie das Bild konstruiert war, nicht darauf, was es darstellte. Das Stillleben wurde zum Versuchsfeld für die Frage, wie weit sich ein Gegenstand zerlegen ließ, bevor er unlesbar wurde.
Bis 1912 hatte der Kubismus verschiedene eigenständige Nebenströmungen hervorgebracht. Der von Robert und Sonia Delaunay geprägte Orphismus wandte sich der reinen Farb-Abstraktion zu. Die Gruppe Section d’Or systematisierte kubistische Prinzipien. Leger entwickelte eine zylindrische Variante des Maschinenzeitalters. Jeder Zweig griff die strukturelle Logik des Kubismus auf und richtete sie auf andere Ziele aus.
Benachbarte Traditionen und Einflüsse entdecken.
Schlüsselwerke, die die Kunstrichtung geprägt haben.
Fünf nackte Frauen, deren Körper in kantige, abgeflachte Ebenen zerlegt sind. Die beiden Figuren rechts tragen maskenhafte Gesichter, die von afrikanischer und iberischer Skulptur angeregt sind. Das Gemälde verzichtet auf einheitliche Beleuchtung, zusammenhängende räumliche Tiefe und einen einheitlichen Blickpunkt. Als Braque das Werk sah, soll er gesagt haben, es fühle sich an, als tränke jemand Benzin und spucke Feuer.
Der Dargestellte löst sich in einem dichten Gitter halbtransparenter Facetten in Ocker- und Grautönen auf. Vollards breite Stirn und schwere Augenbrauen sind gerade noch erkennbar. Das Gemälde gibt nahezu jedes konventionelle Mittel der Porträtmalerei auf. Dennoch wird es nie völlig abstrakt. Kleine erkennbare Hinweise verankern den Blick gerade so weit, dass die Spannung zwischen Wiedererkennen und Auflösung erhalten bleibt.
Hier erreichte der analytische Kubismus seine hermetische Phase. Ein Musiker ist kaum noch vom umgebenden Raum zu unterscheiden. Zum Wendepunkt wird das Werk durch die Einführung von Schablonenbuchstaben und Ziffern. Diese typografischen Elemente liegen flach auf der Oberfläche und weigern sich, in illusionistische Tiefe zurückzuweichen.
Allgemein als erste echte Collage anerkannt. Ein Stück industriell gefertigtes Wachstuch mit aufgedrucktem Rohrgeflechtmuster wurde auf die Leinwand geklebt. Ein Seilstück dient als Rahmen. Drei verschiedene Darstellungssysteme bestehen nebeneinander: gemalte Illusion, gedruckte Nachahmung und physischer Gegenstand.
Das erste papier collé. Braque schnitt Streifen aus industriell bedruckter Tapete in Faux-bois-Optik und klebte sie auf Papier. Über und um die Streifen zeichnete er mit Kohle. Indem er zeigte, dass sich ein Bild aus bereits vorhandenen Flächenelementen zusammensetzen ließ, begründete Braque den Synthetischen Kubismus.
Gris ging systematischer vor. Er zerlegte Picassos Kopf und Oberkörper in große, klar abgegrenzte geometrische Flächen in kühlem Blau und Grau. Picasso und Braque arbeiteten intuitiv, Gris dagegen architektonisch. Das Werk wurde 1912 im Salon des Independants ausgestellt.
Hier traf die kubistische Struktur auf die reine Farbtheorie. Delaunay verzichtete auf erkennbare Gegenstände und baute die Leinwand aus ineinandergreifenden Bögen gesättigter Farbe auf. Apollinaire gab diesem Zweig des Kubismus den Namen Orphismus. Das Gemälde trieb den Kubismus in Richtung vollständiger Abstraktion.
Leger baute seine Kompositionen aus zylindrischen Volumen auf, die sich wölben und das Licht auffangen, als wären sie aus Metall gefräst. Grundfarben stehen neben unbemalter Leinwand und kräftigen schwarzen Konturen. Die Wirkung ist muskulös und mechanisch, näher an der Fabrikhalle als am Café-Stillleben. Eines der ersten nichtgegenständlichen Werke, die aus dem Kubismus hervorgingen.
Höhepunkt des synthetischen Kubismus. Drei Figuren sind aus flachen, leuchtend bunten, ineinandergreifenden Formen zusammengesetzt, die an ausgeschnittenes Papier erinnern. Die Palette ist kräftig: tiefes Blau, warmes Orange, Schwarz und Weiß. Das Gemälde zeigte, dass der Kubismus zugleich monumental, dekorativ und lesbar sein konnte.
Cezannes späte Landschaften behandelten Naturformen als zugrunde liegende geometrische Strukturen. Die große Retrospektive im Salon d’Automne von 1907 machte diese späten Bilder einem breiten Publikum zugänglich. Picasso und Braque studierten die Ausstellung eingehend. Cezannes Aufforderung, die Natur mithilfe von Zylinder, Kugel und Kegel zu behandeln, wurde zur Grundgrammatik einer neuen Bildsprache.
Während Cezanne eine Lektion in Struktur gab, erlaubte außereuropäische Kunst Picasso, den anatomischen Naturalismus aufzugeben. Besuche im ethnografischen Museum Trocadero machten ihn mit afrikanischen Schnitzarbeiten bekannt. Sie bestätigten ihm, dass kraftvolle figurative Kunst einer formalen Logik statt optischer Nachahmung folgen konnte. Daraus erwuchs die Bereitschaft des Kubismus, die Figur zu verzerren, abzuflachen und neu zusammenzusetzen.
Zwischen 1908 und 1914 arbeiteten Picasso und Braque so eng zusammen, dass ihre Gemälde kaum noch voneinander zu unterscheiden waren. Sie besuchten täglich die Ateliers des jeweils anderen, verwendeten dieselbe beschränkte Palette und verzichteten darauf, die Vorderseite ihrer Leinwände zu signieren. So stellten sie die individuelle Urheberschaft zugunsten gemeinsamer Untersuchungen zurück.
1911 hatte sich das private Labor zu einem öffentlichen Phänomen entwickelt. Gleizes und Metzinger veröffentlichten 1912 Du Cubisme. Die Ausstellung der Section d'Or zeigte über 200 kubistische Werke. Der Kubismus verbreitete sich in ganz Europa: Der Futurismus in Italien, der Suprematismus in Russland und der Vortizismus in England griffen kubistische Prinzipien auf.
“Mathematik, Trigonometrie, Chemie, Psychoanalyse, Musik und allerlei anderes hat man mit dem Kubismus in Verbindung gebracht, um ihn leichter verständlich zu machen. Das alles ist reine Literatur, wenn nicht gar Unsinn.”
“Die starren Perspektivregeln, die sie der Kunst aufzuzwingen vermochte, waren ein schrecklicher Fehler, dessen Folgen erst nach vier Jahrhunderten korrigiert werden konnten.”
“Ich male die Dinge, wie ich sie denke, nicht wie ich sie sehe.”
“Der Maler denkt in Formen und Farben. Ihm geht es nicht darum, eine anekdotische Tatsache wiederherzustellen, sondern eine bildnerische Tatsache zu schaffen.”
22 Künstler.
Die grundlegende wissenschaftliche Studie mit genauen formalen Analysen einzelner Werke.
Verortet die Bewegung in ihrem umfassenderen gesellschaftlichen und geistigen Kontext.
Verfasst von dem Kunsthändler, der Picasso und Braque vertrat. Ein Bericht aus erster Hand.
Die erste veröffentlichte Verteidigung des Kubismus – verfasst von dem Dichter, der dem Orphismus seinen Namen gab.
Die redaktionellen Inhalte zu Kubismus stützen sich auf die folgende Fachliteratur.
Redaktionell betreut von Solis Prints. Quellen geprüft am 19. Oktober 2026. Klicken Sie auf eine Quelle für Details, oder zeigen Sie oben auf der Seite auf [N], um eine Vorschau zu sehen.
Redaktionelle StandardsMethodikKorrekturenKI-OffenlegungÜber die Redaktion
Kubismus im Original erleben.
Besuch planen: Kubismus im Museum sehen →Holen Sie sich Kubismus nach Hause.
Alle Drucke: Kubismus ansehen →We use cookies to measure our marketing and see which prints people love.We use cookies to measure our marketing.
By continuing to browse, you agree · Privacy Policy
