Der Barock war von etwa 1600 bis 1750 der vorherrschende europäische Stil. Er entstand im Zuge der Gegenreformation, mit der die katholische Kirche ihre Autorität durch emotional überwältigende Kunst bekräftigen wollte. Kennzeichnend sind dramatisches Chiaroscuro, also extreme Hell-Dunkel-Kontraste, diagonale Kompositionen, die die Bildebene durchbrechen, Figuren mitten in der Bewegung und der Einsatz der Sinne als Weg zur religiösen Überzeugung. Caravaggio, Bernini und Rubens zählen zu seinen zentralen Vertretern.

Wann war die Barockzeit?

Der Barock erstreckte sich ungefähr von 1600 bis 1750. Die meisten Historiker setzen seinen Beginn mit Caravaggios ersten großen Aufträgen in Rom an, darunter der Zyklus zum heiligen Matthäus in der Contarelli-Kapelle (1599 bis 1600). Der Stil prägte die italienische, spanische, flämische und Teile der niederländischen Malerei während des 17. Jahrhunderts. Er bestimmte den Wiederaufbau der Kirchen im Rom der Gegenreformation und ging ab den 1720er-Jahren in Frankreich allmählich in den leichteren Rokoko-Stil über.

Wer sind die bekanntesten Barockmaler?

Caravaggio (1571 bis 1610) gab mit seinem drastischen Chiaroscuro und unidealisierten Modellen aus dem Straßenleben die Richtung vor. Peter Paul Rubens wurde zum internationalen Hofmaler und betrieb eine flämische Werkstatt, die halb Europa belieferte. Diego Velázquez prägte den spanischen Hof. Artemisia Gentileschi führte Caravaggios dramatische Manier mit außergewöhnlicher psychologischer Kraft weiter. Rembrandt van Rijn übertrug die Lichteffekte des Barock im protestantischen Holland in einen intimen, zutiefst menschlichen Bereich.

Was kennzeichnet den Barockstil?

Fünf Merkmale kehren wieder: Chiaroscuro, also ein tiefer dunkler Grund mit einer dramatischen einzelnen Lichtquelle; diagonale Kompositionen anstelle ausgewogener Renaissance-Symmetrie; Figuren mitten in einer Geste, um die Dramatik zu steigern; unmittelbare emotionale Wirkung auf den Körper des Betrachters, nicht nur auf den Geist; und reicher Materialeinsatz mit Gold, Marmor, geschnitzten vergoldeten Rahmen und gemalten kostbaren Stoffen. Deckenfresken nutzten illusionistische Architektur, um Innenräume scheinbar zum Himmel hin zu öffnen.

Worin unterscheidet sich der Barock von der Renaissance?

Die Kunst der Renaissance (etwa 1400 bis 1600) schätzte ausgewogene Symmetrie, ideale Proportionen, ruhige Harmonie und eine auf einen festen Blickpunkt ausgerichtete Zentralperspektive. Die Barockkunst behielt diese Perspektivkenntnisse bei, setzte sie jedoch für theatralische Dramatik ein: Figuren lehnen sich über den Bildrand, Lichtkontraste sind extrem, diagonale Achsen instabil, und statt beschaulicher Momente wird Handlung gezeigt. Die Renaissance sprach den vernunftgeleiteten Geist an, der Barock die Gefühle und den Körper.

Wofür ist Caravaggio bekannt?

Caravaggio entwickelte den Tenebrismus, den extremen Einsatz von Dunkelheit mit einer dramatischen Lichtquelle. Für biblische Figuren verwendete er unidealisiert dargestellte Modelle aus dem Straßenleben – für die damalige Zeit ein Skandal. Das Gemälde The Calling of Saint Matthew (1599 bis 1600, San Luigi dei Francesi, Rom) zeigt, wie der Lichtstrahl, mit dem Christus Matthäus zu sich ruft, eine dämmrige Schenke durchschneidet. Caravaggios Einfluss setzte sofort in ganz Europa ein: Innerhalb einer Generation verbreiteten die Caravaggisten seine Methode von Utrecht über Neapel bis nach Spanien.

Welche Rolle spielte die katholische Kirche?

Der Barock war weitgehend ein Erzeugnis der Gegenreformation. Bis 1600 hatte die katholische Kirche Nordeuropa an den Protestantismus verloren und musste ihre Glaubenslehre durch überwältigende sinnliche Erfahrungen erneut bekräftigen. Die in Auftrag gegebenen Kapellen, Altarbilder und Deckenfresken sollten die Betrachter religiös überzeugen. Berninis Ekstase der heiligen Teresa in Santa Maria della Vittoria in Rom (1647 bis 1652) verkörpert dieses Zusammenspiel vollständig: Skulptur, Architektur und verborgenes Tageslicht wirken als ein einziges emotionales Instrument.

The Calling of Saint Matthew von Caravaggio

Judith Slaying Holofernes von Artemisia Gentileschi

Portrait of Innocent X von Diego Velázquez

Self-Portrait as the Allegory of Painting von Artemisia Gentileschi

Portrait of Juan de Pareja von Diego Velázquez

The Battle of the Amazons von Peter Paul Rubens

The Dead Christ Mourned ('The Three Maries') von Annibale Carracci

Portrait of painter Quintijn Symons von Anthony van Dyck

Barock

142 Künstler · 1600–1750

Der Barock entstand um 1600 in Rom und beherrschte anderthalb Jahrhunderte lang die europäische Bildkultur. Sein Ursprung lag im Bedürfnis der katholischen Kirche, nach der Reformation ihre Autorität zu bekräftigen. Das Konzil von Trient (1545–1563^[5]) forderte ausdrücklich Kunst, die Gläubige durch unmittelbare emotionale Wirkung statt durch intellektuelle Abstraktion bewegte. Maler gaben die ausgewogene Ruhe der Hochrenaissance zugunsten theatralischer Beleuchtung, diagonaler Kompositionen und Figuren auf, die in Momenten höchster körperlicher oder spiritueller Intensität gefangen schienen. Caravaggios Tenebrismus, in dem Lichtbündel die Dunkelheit durchschneiden, wurde zum visuellen Erkennungszeichen der Bewegung. Von Rom aus verbreitete sich der Stil nach Norden: Rubens brachte ihn nach Flandern, Velazquez verwandelte ihn am spanischen Hof, und Rembrandt und Vermeer passten ihn an die protestantische Kaufmannskultur der Niederländischen Republik an. Dort verlor er seine katholische Pracht und wandte sich nach innen. Der Barock war nie ein einzelner Stil. Er umfasste Tiepolos monumentale Deckenfresken, Vermeers stille häusliche Innenräume und Rembrandts schonungslose Selbstprüfung in späten Porträts. Verbunden waren diese Richtungen durch die gemeinsame Überzeugung, Malerei solle Gefühle hervorrufen und nicht nur Formen darstellen.

Leitideen

Tenebrismus und gerichtetes Licht
Caravaggio erfand das Chiaroscuro nicht, doch er war der erste Maler, der extreme Hell-Dunkel-Kontraste zum strukturellen Prinzip einer ganzen Komposition machte. Seine als Tenebrismus bekannte Methode stellte Figuren vor nahezu vollständige Dunkelheit und beleuchtete sie mit einer einzigen, schräg einfallenden Lichtquelle. Das war kein dekorativer Effekt. Er lenkte den Blick auf das erzählerische Zentrum des Gemäldes und verlieh gewöhnlichen menschlichen Körpern eine skulpturale, beinahe halluzinatorische Präsenz. Innerhalb eines Jahrzehnts nach Caravaggios Gemälden für die Contarelli-Kapelle (1599–1600) arbeiteten Künstler in ganz Europa in seinem Schatten. Zu den Caravaggisten gehörten Artemisia Gentileschi in Italien, Gerrit van Honthorst in Utrecht und Georges de La Tour in Frankreich.
Die Theatralik des Körpers
Barockmaler behandelten den menschlichen Körper als Ausdrucksmittel für extreme Zustände: Ekstase, Qual, Ehrfurcht und Trauer. Figuren winden, stemmen und strecken sich aus der Bildebene heraus – auf eine Weise, die Malern der Renaissance anstößig erschienen wäre. Rubens’ muskulöse Körper vermitteln physische Kraft mit einer Energie, die ans Exzessive grenzt. Artemisia Gentileschi malte Judith bei der Enthauptung des Holofernes mit körperlicher Überzeugung und stellte die Tat als harte, blutige Arbeit dar, für die zwei Frauen nötig waren. Damit stellte sie sich direkt gegen die gefälligen Darstellungen ihrer männlichen Zeitgenossen. Der Körper im Barock war niemals passiv.
Malerei als optische Erfahrung
Vermeer und Velazquez gelangten unabhängig voneinander in Delft und Madrid zu einer ähnlichen Erkenntnis: Malerei kann nicht nur aufzeichnen, was das Auge sieht, sondern auch, wie es sieht. Velazquez' späte Werke lösen feste Formen in lockere Pinselstriche auf, die erst aus der Entfernung lesbar werden. Las Meninas (1656) ist ein Essay über die Wahrnehmung selbst. Vermeer suchte eine andere Art optischer Wahrheit und verwendete offenbar Effekte der Camera obscura, um häusliche Innenräume mit einer Leuchtkraft wiederzugeben, die wirklicher als die Wirklichkeit erscheint. Beide Maler nahmen Anliegen vorweg, die in der westlichen Kunst erst im 19. Jahrhundert wieder aufkamen.
Die niederländische Ausnahme
In der protestantischen Niederländischen Republik schlug die Barockmalerei einen radikal anderen Weg ein. Ohne kirchliche oder höfische Auftraggeber nach katholischem Vorbild arbeiteten niederländische Maler für ein kaufmännisches Bürgertum, das Porträts, Landschaften, Stillleben und Genreszenen für private Wohnräume wünschte. Frans Hals fing Persönlichkeiten mit raschen, sichtbaren Pinselstrichen ein. Judith Leyster malte Musiker und Zecher mit derselben bravourösen Malweise. Rembrandt schuf in seinen letzten Jahrzehnten Selbstporträts und biblische Szenen von erstaunlicher psychologischer Tiefe, vielfach für sich selbst. Das niederländische Barock bewies, dass die emotionale Intensität der Bewegung auch im kleinen Maßstab wirken konnte.
Schauspiel, Macht und Überzeugung
Barocke Kunst war niemals politisch neutral. Die katholische Kirche beauftragte riesige Deckenfresken, die Gemeinden mit sinnlich erfahrbaren Beweisen göttlicher Macht überwältigen sollten. Absolute Monarchen übernahmen dieselbe Bildsprache: Ludwig XIV. machte Versailles zum barocken Spektakel im Dienst weltlicher Herrschaft. Rubens schuf gewaltige allegorische Bildzyklen für die Medici und die spanischen Habsburger. Van Dycks Porträts Karls I. verwandelten einen kleinen, körperlich unscheinbaren König so überzeugend in ein Bild aristokratischer Anmut, dass sie die königliche Porträtmalerei über Generationen prägten. Das Barock erkannte, noch bevor die Moderne diesen Gedanken ausformulierte, dass Bilder Machtinstrumente sind.

Wichtige Künstler

Caravaggio

1571–1610 · Italienisch

Peter Paul Rubens

1577–1640 · Niederländisch

Rembrandt van Rijn

1606–1669 · Niederländisch

Diego Velázquez

1599–1660 · Spanisch

Johannes Vermeer

1632–1675 · Niederländisch

Artemisia Gentileschi

1593–1653 · Italienisch

Anthony van Dyck

1599–1641 · Niederländisch

Frans Hals

1591–1666 · Niederländisch

Benachbarte Traditionen und Einflüsse entdecken.

Renaissance

1400–1600

Manierismus

1520–1600

Rokoko

1720–1780

Klassizismus

1760–1850

Entwicklung der Kunst

Schlüsselwerke, die die Kunstrichtung geprägt haben.

The Calling of Saint Matthew

Caravaggio · 1600 · Öl auf Leinwand, 322 x 340 cm

Das Gemälde wurde in der Contarelli-Kapelle von San Luigi dei Francesi in Rom angebracht. Es war Caravaggios erster bedeutender öffentlicher Auftrag und vielleicht das einzelne Werk, das den Barock einleitete. Christus betritt das dämmrige Büro eines Steuereinnehmers und weist auf Matthäus. Ein Lichtstrahl fällt von rechts oben ein und folgt Christi Geste wie ein präziser Theaterscheinwerfer. Caravaggio verlegte ein heiliges Ereignis in einen alltäglichen, wiedererkennbaren Raum. Es gibt keine Engel und keine goldenen Wolken. Christi ausgestreckte Hand, die Michelangelos Gott an der Decke der Sixtinischen Kapelle aufgreift, ist das einzige Zeichen dafür, dass etwas Außergewöhnliches geschieht.

The Descent from the Cross

Peter Paul Rubens · 1614 · Öl auf Tafel, Mitteltafel 421 x 311 cm

Dieses dreiteilige Altarbild befindet sich noch immer an seinem ursprünglichen Standort in der Liebfrauenkathedrale in Antwerpen. Die Mitteltafel zeigt die Kreuzabnahme. Ihre Komposition ist um die Diagonale eines weißen Leichentuchs angelegt, auf das das Licht fällt. Das tote Gewicht Christi ist spürbar: Sein Körper hängt schlaff am Tuch und wird von angespannten Armen gestützt. Rubens hatte acht Jahre in Italien verbracht und dort Caravaggio, die Carracci und die antike Bildhauerei studiert. Die Muskulatur erinnert an Michelangelo, die Beleuchtung verdankt Caravaggio viel und die emotionale Intensität entspricht den Forderungen der Gegenreformation.

Judith Slaying Holofernes

Artemisia Gentileschi · 1620 · Öl auf Leinwand, 162,5 x 199 cm

Dieses Bild in den Uffizien ist Gentileschis kraftvollere Fassung des biblischen Themas. Judith und ihre Dienerin Abra drücken Holofernes auf das Bett und sägen ihm den Hals durch, während Blut über die weißen Laken spritzt. Judiths Arme sind vor Anstrengung angespannt, ihre Stirn ist konzentriert gerunzelt. Gentileschi beanspruchte die anspruchsvollsten Bildthemen – ein Gebiet, das Maler bewachten – und setzte sie mit einer technischen Meisterschaft um, die nur wenige Zeitgenossen erreichten.

The Laughing Cavalier

Frans Hals · 1624 · Öl auf Leinwand, 83 x 67,3 cm

Dieses heute in der Wallace Collection in London befindliche Porträt eines nicht identifizierten 26-jährigen Mannes prägt das Bild der niederländischen Barockporträtmalerei. Der Titel ist eine Erfindung des viktorianischen Zeitalters: Der Dargestellte lacht nicht. Außergewöhnlich ist vor allem die Pinselführung. Hals arbeitete mit einer Geschwindigkeit und Freiheit, die kein Zeitgenosse erreichte. Die aufwendige Stickerei am Ärmel ist in raschen Strichen ausgeführt, die erst aus einiger Entfernung zu Details zusammenfinden. Diese Technik nahm Manet um zweieinhalb Jahrhunderte vorweg.

The Night Watch

Rembrandt van Rijn · 1642 · Öl auf Leinwand, 363 × 437 cm

Unter dem formalen Titel Militia Company of District II sprengte diese gewaltige Leinwand im Rijksmuseum die Konventionen des Gruppenporträts. Porträts niederländischer Bürgerwehren waren traditionell statisch. Rembrandt inszenierte die Kompanie, als wäre sie gerade beim Aufmarsch. Hauptmann Cocq schreitet in Schwarz voran, neben ihm sein Leutnant in leuchtendem Gelb. Um sie herum laden Schützen ihre Musketen, richten ihre Piken auf und drängen sich in Formation. Mit Licht schuf Rembrandt innerhalb der Menschenmenge eine visuelle Rangordnung: Einige Figuren treten hervor, andere versinken im Schatten.

Las Meninas

Diego Velazquez · 1656 · Öl auf Leinwand, 318 x 276 cm

Las Meninas im Museo del Prado ist weniger ein Gemälde als ein philosophisches Problem. Die 5-jährige Infanta Margarita Teresa steht in der Mitte, umgeben von ihren Hofdamen. Velazquez selbst steht links vor einer großen Leinwand. Ein Spiegel zeigt die verschwommenen Gestalten des Königs und der Königin und legt nahe, dass sie dort stehen, wo sich der Betrachter befindet. Die Frage, die das Gemälde stellt und nie beantwortet, lautet: Was malt Velazquez? Palomino schrieb, das Bild enthalte die Theologie der Malerei.

Girl with a Pearl Earring

Johannes Vermeer · 1665 · Öl auf Leinwand, 44,5 x 39 cm

Dieses kleine Gemälde im Mauritshuis ist ein Tronie, eine niederländische Gattung, die einen idealisierten Figurentyp darstellt. Das Mädchen dreht sich über die Schulter um; ihre Lippen sind leicht geöffnet. Der Perlenohrring ist mit nur zwei weißen Pinselstrichen gemalt: einem Lichtreflex und seinem weicheren Widerhall. Vermeers Genie zeigt sich hier in der optischen Wirkung. Er malte das Licht so, wie es sich tatsächlich verhält: die sanfte Unschärfe auf ihrer Wange, wie der blaue Turban Farbe aufnimmt und wieder abstrahlt, den feuchten Glanz auf ihrer Unterlippe. Die Wirkung entsteht durch Reduktion: Fast nichts ist zu sehen, und doch ist alles da.

Self-Portrait with Two Circles

Rembrandt van Rijn · 1665 · Öl auf Leinwand, 114,3 x 94 cm

Gegen Ende seines Lebens gemalt, befindet sich dieses Werk heute in Kenwood House in London. Es ist das monumentalste von Rembrandts ungefähr achtzig Selbstporträts. Er steht dem Betrachter gegenüber und hält Palette, Pinsel und Malstock. Zwei große Bögen oder Kreise sind an die Wand hinter ihm gezeichnet; ihre Bedeutung ist nie überzeugend erklärt worden. Das Gesicht versucht nicht, zu schmeicheln. Rembrandt war bankrott und hatte seine Frau sowie mehrere seiner Kinder überlebt. All das ist im Bild gegenwärtig, doch es ist kein Porträt der Niederlage. Der Blick strahlt eine Festigkeit aus, die von mühsam errungener Autorität zeugt.

Allegory of the Planets and Continents

Giovanni Battista Tiepolo · 1752 · Öl auf Leinwand (Entwurf für die Decke der Würzburger Residenz)

Diese Ölskizze im Metropolitan Museum zeigt Tiepolos Entwurf für das gewaltige Deckenfresko in der Würzburger Residenz. Das ausgeführte Fresko ist weiterhin das größte Deckenbild der Welt. Tiepolo stellte die vier Kontinente als allegorische Figuren dar; Apollo und die Planetengötter thronen darüber. Seine leichte, silbrige Palette kennzeichnet die letzte Phase des Barock, die bereits ins Rokoko übergeht. Frühere Barockdecken sollten überwältigen, Tiepolos Werk dagegen entzücken. Das Gemälde hält den Augenblick fest, in dem der Barock anmutig in etwas Leichteres überging.

Ursprünge

Rom nach dem Konzil von Trient

Der Barock begann als Instrument der katholischen Erneuerung. Das Konzil von Trient erklärte, Bilder sollten Menschen ohne Lesekenntnisse belehren, die Lehre bekräftigen und die Gläubigen zur Frömmigkeit bewegen. Kunst sollte klar, emotional unmittelbar und zugänglich sein. Der Manierismus galt als ungeeignet für diese Aufgabe. In diesem Umfeld traten zwei Maler hervor, die die entgegengesetzten Pole des Barock bestimmten: Annibale Carracci, der die Decke der Farnese-Galerie mit klassizistischer Energie ausmalte, und Caravaggio, der heilige Themen mit einem ungefilterten Naturalismus darstellte, der gleichermaßen empörte und faszinierte.

Die Ausbreitung über Europa

Bis 1620 war der Barock keine ausschließlich römische Erscheinung mehr. Rubens kehrte 1608 nach Antwerpen zurück und richtete dort eine Werkstatt ein, die zur produktivsten Europas wurde. Seine diplomatische Laufbahn verschaffte ihm Zugang zu Höfen auf dem ganzen Kontinent. In Spanien nahm Velazquez auf zwei Reisen nach Rom italienische Anregungen auf und verband sie mit einer unverkennbar spanischen Nüchternheit. In Frankreich entwickelte Poussin einen intellektuellen, klassizisierenden Barock. Die Niederländische Republik brachte die eigenständigste Ausprägung der Bewegung hervor: einen Barock ohne katholisches Mäzenatentum, getragen von einer Kaufmannsschicht, die Gemälde für ihre Wohnräume suchte.

Frauen in der barocken Werkstatt

Im Barock erreichten mehr Malerinnen berufliche Anerkennung als in jeder früheren Epoche. Artemisia Gentileschi wurde 1616 als erste Frau in die Florentiner Accademia del Disegno aufgenommen. Sie führte eine unabhängige Werkstatt und erhielt bedeutende Aufträge von den Medici und dem König von England. In der Niederländischen Republik wurde Judith Leyster 1633 in die Haarlemer Lukasgilde aufgenommen. Ihr Selbstporträt um 1630 zeigt, wie sie sich mit gelassener Selbstsicherheit von der Staffelei abwendet und so ihren Anspruch auf eine professionelle Identität bekräftigt.

Der späte Barock und sein Nachleben

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts begann die Intensität des Barock nachzulassen. In Venedig schuf Tiepolo Deckenfresken von außergewöhnlicher Leichtigkeit. In Frankreich überführte Watteau die Theatralik des Barock in intime Szenen aristokratischer Muße. Als der Neoklassizismus in den 1760er-Jahren mit seinem Ruf nach moralischem Ernst aufkam, grenzte er sich ausdrücklich vom Barock ab. Dessen Erbe tauchte jedoch im 19. und 20. Jahrhundert wieder auf: in Delacroix’ Farbigkeit, im Chiaroscuro des Film noir und in den theatralischen Installationen der Gegenwartskunst.

In ihren eigenen Worten

“In dieser Frauenseele findet man den Geist Caesars.”

Artemisia Gentileschi, Letter to her patron Don Antonio Ruffo, 1649

“Ich betrachte die ganze Welt als mein Vaterland und glaube, überall herzlich willkommen zu sein.”

Peter Paul Rubens, Letter to Valavez, 1625

“Ich wäre lieber der erste Maler einfacher Dinge als der zweite in der hohen Kunst.”

Diego Velazquez, Recorded in Antonio Palomino, Lives of the Eminent Spanish Painters and Sculptors (1724)

“Ich habe ein solches Talent, dass kein Vorhaben, wie groß es auch sein mag, meinen Mut je übertroffen hat.”

Peter Paul Rubens, Correspondence, cited in Ruth Saunders Magurn (ed.), The Letters of Peter Paul Rubens (Harvard, 1955)

Alle Künstler: Barock

142 Künstler.

Empfohlene Literatur

Principles of Art History
Heinrich Wolfflin · 1915
Der grundlegende formalistische Text, der jene stilistischen Kategorien definierte, mit denen noch heute Renaissance und Barock unterschieden werden.
Caravaggio: A Life Sacred and Profane
Andrew Graham-Dixon · 2010
Eine gründlich recherchierte Biografie, die Caravaggios turbulentes Leben aus Archivdokumenten und genauer Betrachtung seiner Gemälde rekonstruiert.
Artemisia Gentileschi and the Authority of Art
R. Ward Bissell · 1999
Das maßgebliche Werkverzeichnis mit ausführlichen Einträgen zu jedem bekannten Gemälde und einem Dokumentenanhang.
Rembrandt's Eyes
Simon Schama · 1999
Eine Doppelbiografie von Rembrandt und Rubens vor dem politischen und wirtschaftlichen Hintergrund der Niederlande im 17. Jahrhundert.

Häufig gestellte Fragen

Was ist Barockkunst?
Der Barock war von etwa 1600 bis 1750 der vorherrschende europäische Stil. Er entstand im Zuge der Gegenreformation, mit der die katholische Kirche ihre Autorität durch emotional überwältigende Kunst bekräftigen wollte. Kennzeichnend sind dramatisches Chiaroscuro, also extreme Hell-Dunkel-Kontraste, diagonale Kompositionen, die die Bildebene durchbrechen, Figuren mitten in der Bewegung und der Einsatz der Sinne als Weg zur religiösen Überzeugung. Caravaggio, Bernini und Rubens zählen zu seinen zentralen Vertretern.
Wann war die Barockzeit?
Der Barock erstreckte sich ungefähr von 1600 bis 1750. Die meisten Historiker setzen seinen Beginn mit Caravaggios ersten großen Aufträgen in Rom an, darunter der Zyklus zum heiligen Matthäus in der Contarelli-Kapelle (1599 bis 1600). Der Stil prägte die italienische, spanische, flämische und Teile der niederländischen Malerei während des 17. Jahrhunderts. Er bestimmte den Wiederaufbau der Kirchen im Rom der Gegenreformation und ging ab den 1720er-Jahren in Frankreich allmählich in den leichteren Rokoko-Stil über.
Wer sind die bekanntesten Barockmaler?
Caravaggio (1571 bis 1610) gab mit seinem drastischen Chiaroscuro und unidealisierten Modellen aus dem Straßenleben die Richtung vor. Peter Paul Rubens wurde zum internationalen Hofmaler und betrieb eine flämische Werkstatt, die halb Europa belieferte. Diego Velázquez prägte den spanischen Hof. Artemisia Gentileschi führte Caravaggios dramatische Manier mit außergewöhnlicher psychologischer Kraft weiter. Rembrandt van Rijn übertrug die Lichteffekte des Barock im protestantischen Holland in einen intimen, zutiefst menschlichen Bereich.
Was kennzeichnet den Barockstil?
Fünf Merkmale kehren wieder: Chiaroscuro, also ein tiefer dunkler Grund mit einer dramatischen einzelnen Lichtquelle; diagonale Kompositionen anstelle ausgewogener Renaissance^[5]-Symmetrie; Figuren mitten in einer Geste, um die Dramatik zu steigern; unmittelbare emotionale Wirkung auf den Körper des Betrachters, nicht nur auf den Geist; und reicher Materialeinsatz mit Gold, Marmor, geschnitzten vergoldeten Rahmen und gemalten kostbaren Stoffen. Deckenfresken nutzten illusionistische Architektur, um Innenräume scheinbar zum Himmel hin zu öffnen.
Worin unterscheidet sich der Barock von der Renaissance?
Die Kunst der Renaissance^[5] (etwa 1400 bis 1600) schätzte ausgewogene Symmetrie, ideale Proportionen, ruhige Harmonie und eine auf einen festen Blickpunkt ausgerichtete Zentralperspektive. Die Barockkunst behielt diese Perspektivkenntnisse bei, setzte sie jedoch für theatralische Dramatik ein: Figuren lehnen sich über den Bildrand, Lichtkontraste sind extrem, diagonale Achsen instabil, und statt beschaulicher Momente wird Handlung gezeigt. Die Renaissance sprach den vernunftgeleiteten Geist an, der Barock die Gefühle und den Körper.
Wofür ist Caravaggio bekannt?
Caravaggio entwickelte den Tenebrismus, den extremen Einsatz von Dunkelheit mit einer dramatischen Lichtquelle. Für biblische Figuren verwendete er unidealisiert dargestellte Modelle aus dem Straßenleben – für die damalige Zeit ein Skandal. Das Gemälde The Calling of Saint Matthew (1599 bis 1600, San Luigi dei Francesi, Rom) zeigt, wie der Lichtstrahl, mit dem Christus Matthäus zu sich ruft, eine dämmrige Schenke durchschneidet. Caravaggios Einfluss setzte sofort in ganz Europa ein: Innerhalb einer Generation verbreiteten die Caravaggisten seine Methode von Utrecht über Neapel bis nach Spanien.
Welche Rolle spielte die katholische Kirche?
Der Barock war weitgehend ein Erzeugnis der Gegenreformation. Bis 1600 hatte die katholische Kirche Nordeuropa an den Protestantismus verloren und musste ihre Glaubenslehre durch überwältigende sinnliche Erfahrungen erneut bekräftigen. Die in Auftrag gegebenen Kapellen, Altarbilder und Deckenfresken sollten die Betrachter religiös überzeugen. Berninis Ekstase der heiligen Teresa in Santa Maria della Vittoria in Rom (1647 bis 1652) verkörpert dieses Zusammenspiel vollständig: Skulptur, Architektur und verborgenes Tageslicht wirken als ein einziges emotionales Instrument.

Quellen

Die redaktionellen Inhalte zu Barock stützen sich auf die folgende Fachliteratur.

[1] Buch Heinrich Wolfflin, Principles of Art History, 1915 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse, Technik.
[2] Buch Andrew Graham-Dixon, Caravaggio: A Life Sacred and Profane, 2010 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse.
[3] Buch R. Ward Bissell, Artemisia Gentileschi and the Authority of Art, 1999 Verwendet für: Biografie, politische Ansichten, Stilanalyse.
[4] Buch Simon Schama, Rembrandt's Eyes, 1999 Verwendet für: politische Ansichten, Stilanalyse.
[5] Wikipedia Wikipedia: Baroque Verwendet für: Biografie.
[6] Buch Susie Hodge, Art Verwendet für: Biografie.
[7] Buch Victoria Charles, Baroque Art Verwendet für: Biografie.

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Die niederländische Ausnahme

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Rembrandt van Rijn

Diego Velázquez

Johannes Vermeer

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Anthony van Dyck

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Entwicklung der Kunst

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Rom nach dem Konzil von Trient

Die Ausbreitung über Europa

Frauen in der barocken Werkstatt

Der späte Barock und sein Nachleben

In ihren eigenen Worten

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Caravaggio

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