Was ist die Renaissance?

Die Renaissance war eine europäische Kulturbewegung, die ungefähr von 1400 bis 1600 dauerte. Ihr Zentrum lag zunächst in Florenz, später auch in Rom, Venedig und den Niederlanden. Sie griff Kunst, Literatur und Philosophie des antiken Griechenlands und Roms wieder auf und rückte die naturalistische Beobachtung, die Zentralperspektive und den nach dem Leben studierten menschlichen Körper in den Mittelpunkt. Die Malerei entwickelte sich von flachen Tafeln mit goldenem Hintergrund zu illusionistischen Räumen, die auf geometrischen Konstruktionen beruhten.

Wann begann und endete die Renaissance?

Kunsthistoriker setzen den Beginn der Frührenaissance um 1400 in Florenz an. Als üblicher Ausgangspunkt gilt Lorenzo Ghibertis Wettbewerbsrelief für die Türen des Baptisteriums (1401). Das Zentrum der Hochrenaissance lag ungefähr zwischen 1495 und 1520 in Rom; sie endete mit dem Tod Raphaels. Die Spätrenaissance, manchmal Manierismus genannt, dauerte bis etwa 1600. Caravaggio und die Familie Carracci leiteten damals den Barock ein.

Wer sind die bekanntesten Künstler der Renaissance?

Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti und Raphael Sanzio bilden das traditionelle Trio der Hochrenaissance. Zu den früheren Vertretern in Italien zählen Masaccio, Donatello, Fra Angelico, Sandro Botticelli und Piero della Francesca; in Nordeuropa wirkten Jan van Eyck, Hans Memling und Albrecht Dürer. Spätere venezianische Meister wie Giovanni Bellini, Giorgione und Titian erweiterten die Reichweite der Bewegung im 16. Jahrhundert.

Was kennzeichnet die Kunst der Renaissance?

Vier Merkmale zeichnen die Kunst der Renaissance aus: die Zentralperspektive mit einem Fluchtpunkt, die Filippo Brunelleschi um 1415 systematisierte und Leon Battista Alberti 1435 veröffentlichte; anatomischer Naturalismus auf Grundlage von Sektionen und Zeichnen nach dem lebenden Modell; klassische Motive aus der griechischen und römischen Mythologie; und der Einsatz von Ölfarbe, die in Flandern verfeinert und nach Italien gebracht wurde und langsames Lasieren sowie feine tonale Modellierung ermöglichte.

Was unterscheidet Frührenaissance, Hochrenaissance und Spätrenaissance?

Die Frührenaissance (ca. 1400 bis 1495) war experimentell und von Florenz geprägt; Perspektive und Anatomie wurden ausgelotet. Die Hochrenaissance (ca. 1495 bis 1520) erreichte unter päpstlicher Förderung in Rom eine Synthese. Leonardo, Michelangelo und Raphael schufen ausgewogene Kompositionen von klassischer Klarheit. Die Spätrenaissance oder der Manierismus (ca. 1520 bis 1600) löste dieses Gleichgewicht bewusst auf und setzte für emotionale Wirkung langgestreckte Figuren, grelle Farben und gedrängte Räume ein.

Warum war die Renaissance wichtig?

Die Renaissance führte die Vorstellung vom individuellen Künstler als anerkannter Persönlichkeit ein und löste ihn vom anonymen Handwerker. Sie brachte die ersten systematischen Abhandlungen über Perspektive und Proportion hervor, begründete das moderne Verständnis anatomischen Zeichnens und entwickelte die Bildsprache der klassischen Mythologie, auf die sich die westliche Malerei vier Jahrhunderte lang stützte. Die Förderung durch Auftraggeber kam nicht mehr allein von der Kirche, sondern auch von Fürsten, Kaufleuten und städtischen Körperschaften.

Wo kann ich die besten Gemälde der Renaissance sehen?

Die Uffizien in Florenz besitzen die umfangreichste Sammlung, darunter Botticellis Primavera und Die Geburt der Venus sowie Leonardos Verkündigung. In den Vatikanischen Museen in Rom befinden sich Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle und Raphaels Stanze. Die National Gallery in London besitzt den Karton Leonardos und Piero della Francescas Taufe Christi. Der Louvre beherbergt die Mona Lisa; das Rijksmuseum in Amsterdam zeigt nördliche Werke von Dürer und Memling.

Was kam vor der Renaissance?

Der Internationale gotische Stil, der sich zwischen 1370 und 1420 an den Höfen Burgunds und Böhmens verfeinerte, brachte elegante, langgestreckte Figuren und dekorative Goldgründe hervor. In Italien hatte Giotto di Bondone in seinen Fresken der Arenakapelle in Padua (1305) bereits naturalistisches Körpergewicht und Gefühle eingeführt. Die byzantinische Ikonenmalerei, die auf Kreta und Zypern bis ins 15. Jahrhundert praktiziert wurde, bildete die formale Tradition, die die Renaissance ablösen wollte.

Statue of Bartolomeo Colleoni von Andrea del Verrocchio

Angel of the Annunciation von Fra Angelico

Loggia del Mercato Nuovo von Andrea del Verrocchio

Adoration of the Magi von Andrea Mantegna

Camera di San Paolo von Antonio da Correggio

Renaissance

27 Künstler · 1400–1600

Die Renaissance^[5] war eine Epoche des künstlerischen und geistigen Wandels, die sich ungefähr zwischen 1400 und 1600 in Italien entfaltete und sich anschließend über Europa ausbreitete. Ihr prägender Impuls war die Wiederentdeckung der klassischen griechischen und römischen Kultur: ihrer Philosophie, Architektur und Hinwendung zur beobachtbaren Welt. Maler und Bildhauer behandelten den menschlichen Körper nicht länger als Symbol, sondern als physische Tatsache, messbar im Raum und den Kräften der Schwerkraft und des Lichts unterworfen. Filippo Brunelleschi führte um 1420 in Florenz die lineare Perspektive vor und gab Künstlern ein mathematisches System an die Hand, um Tiefe auf einer flachen Fläche darzustellen. Leon Battista Alberti fasste diese Ideen 1435 in seiner Abhandlung On Painting zusammen. Die aus der flämischen Praxis übernommene Ölmalerei ermöglichte venezianischen Malern wie Giovanni Bellini und Titian, Farbe in durchscheinenden Schichten aufzutragen. So erzielten sie atmosphärische Wirkungen, die Fresken nicht erreichen konnten. Die Bewegung war auf Geld angewiesen. Die Bankiersfamilie Medici finanzierte Arbeiten in Florenz. Papst Julius II. gab die Decke der Sixtinischen Kapelle und die Stanzen des Raphael in Rom in Auftrag. Die Republik Venedig stattete ihre Kirchen und öffentlichen Gebäude mit ebenso großem Ehrgeiz aus. Im Lauf von zwei Jahrhunderten ersetzte die Renaissance die flache, symbolische Bildsprache des Mittelalters durch eine Kunst, die auf Beobachtung, Anatomie und Geometrie beruhte.

Leitideen

Linearperspektive und die Geometrie des Raums
Vor den 1420er-Jahren hatten europäische Maler keine einheitliche Methode, dreidimensionalen Raum darzustellen. Brunelleschi änderte dies mit einer Vorführung vor dem Baptisterium in Florenz: Eine kleine bemalte Tafel bewies, dass parallele Linien, die in einem einzigen Fluchtpunkt zusammenlaufen, das Erscheinungsbild realer Architektur auf einer flachen Oberfläche wiedergeben konnten. Alberti veröffentlichte die Theorie 1435. Masaccios Fresko Holy Trinity gehörte zu den frühesten monumentalen Anwendungen. Die Perspektive wies dem Betrachter einen festen Standort zu und schuf damit einen stillschweigenden Vertrag zwischen Künstler und Publikum. Der Raum wurde rational, messbar und auf den Menschen bezogen.
Humanismus und der erhöhte Rang des Künstlers
Der Humanismus, die geistige Bewegung, die klassische Texte wiederentdeckte, veränderte die Erwartungen an das Wissen der Künstler. Der mittelalterliche Handwerker arbeitete anonym innerhalb eines Zunftsystems. Der Künstler der Renaissance war eine namentlich bekannte Person mit intellektuellen Qualifikationen. Alberti vertrat die Auffassung, Maler sollten Geometrie, Geschichte und Dichtkunst studieren. Leonardo führte Tausende Seiten mit Notizen zu Anatomie, Optik und Hydraulik. Künstler verhandelten direkt mit mächtigen Auftraggebern und signierten ihre Werke. Neben christlichen Erzählungen gehörte nun auch die klassische Mythologie zum Repertoire. Botticellis Die Geburt der Venus zeigte eine heidnische Göttin im monumentalen Maßstab.
Ölfarbe und venezianisches Kolorit
Tempera, das vorherrschende Medium im Florenz der Frührenaissance, trocknete schnell und ergab flache, deckende Oberflächen. Ölfarbe, die van Eyck in den Niederlanden weiterentwickelte, verhielt sich anders. Sie trocknete langsam, sodass Künstler Farbtöne direkt auf der Tafel verblenden und dünne, durchscheinende Lasuren auftragen konnten. Die Venezianische Schule übernahm die Ölmalerei mit Begeisterung. Giovanni Bellini nutzte sie, um Figuren und Landschaft in atmosphärischem Licht miteinander zu verbinden. Titian entwickelte die Technik weiter und modellierte Formen durch aufeinanderfolgende Farbschichten statt durch Konturzeichnung. Während Florenz die Linie (disegno) betonte, hob Venedig die Farbe (colorito) hervor.
Förderung und die Ökonomie des Genies
Renaissancekunst war teuer. Die Medici nutzten Aufträge, um ihre Autorität im republikanischen Florenz zu stärken. Cosimo de' Medici finanzierte den Wiederaufbau von San Marco. Lorenzo förderte Botticelli und den jungen Michelangelo. In Rom beauftragte Papst Julius II. Michelangelo mit der Decke der Sixtinischen Kapelle und Raphael mit den Stanzen. Venedig ging anders vor: Hier trat der Staat selbst als Auftraggeber auf. In allen Fällen prägte die Beziehung zwischen Auftraggeber und Künstler, was geschaffen wurde, wo es seinen Platz fand und was es bedeutete.
Anatomie, Beobachtung und der Körper
Künstler der Renaissance studierten den menschlichen Körper mit einer Genauigkeit, die zuvor der Theologie vorbehalten war. Leonardo sezierte mindestens dreißig Leichen und hielt Muskeln und Organe in außergewöhnlich präzisen Zeichnungen fest. Michelangelos anatomisches Verständnis prägte jede Figur, die er meißelte oder malte. Mantegna zeigte in seiner Beweinung des toten Christus eine extreme Verkürzung. Dieses Beharren auf unmittelbarer Beobachtung ging über die Anatomie hinaus. Künstler studierten Draperien an Tonmodellen und zeichneten nach dem lebenden Modell. Ziel war eine überzeugende körperliche Präsenz: Figuren, die Raum einnahmen, Gewicht trugen und auf Licht reagierten wie wirkliche Körper.

Wichtige Künstler

Leonardo da Vinci

1452–1519 · Italienisch

Michelangelo

1475–1564 · Italienisch

Raphael

1483–1520 · Heiliges Römisches Reich

Titian

1490–1576 · Italienisch

Sandro Botticelli

1445–1510 · Italienisch

Giovanni Bellini

1430–1516 · Italienisch

Andrea Mantegna

1431–1506 · Italienisch

Fra Angelico

1400–1455

Benachbarte Traditionen und Einflüsse entdecken.

Manierismus

1520–1600

Barock

1600–1750

Nördliche Renaissance

1420–1580

Klassizismus

1760–1850

Entwicklung der Kunst

Schlüsselwerke, die die Kunstrichtung geprägt haben.

Holy Trinity

Masaccio · c. 1427 · Fresko

Masaccios Heilige Dreifaltigkeit in Santa Maria Novella ist das erste erhaltene Gemälde, das Brunelleschis Perspektive in monumentalem Maßstab anwendet. Die Kassettendecke läuft auf einen einzigen Fluchtpunkt auf Augenhöhe des Betrachters zu. Zeitgenössische Berichte erzählen, Besucher hätten geglaubt, die Wand sei geöffnet worden und gäbe den Blick auf eine wirkliche Kapelle frei. Das Fresko verbindet Theologie und Geometrie: Der Raum ist zugleich heilig und messbar. Jeder Maler, der nach 1427 mit Perspektive arbeitete, bewegte sich in dem Gebiet, das Masaccio erschlossen hatte.

Annunciation

Fra Angelico · c. 1440 · Fresko

Dieses Fresko befindet sich oben an der Treppe in San Marco in Florenz und begrüßte die Mönche auf ihrem Weg zu den Zellen. Fra Angelico verlegte die Szene in eine Loggia, die der tatsächlichen Architektur des Kreuzgangs entspricht. Die Palette ist begrenzt: blasse Rosatöne, sanftes Blau und gedämpftes Grün. Dramatische Schatten fehlen. Das Gemälde dient der Andacht. Eine Inschrift fordert die Betrachtenden auf, im Vorbeigehen ein Ave Maria zu sprechen. Während Masaccio zeigte, was Perspektive für dramatische Illusion leisten kann, demonstrierte Fra Angelico, was Zurückhaltung für spirituelle Konzentration bewirkt.

Madonna and Child with Two Angels

Filippo Lippi · c. 1465 · Tempera auf Tafel

Diese kleine Tafel der Uffizien markiert einen Wendepunkt. Lippi platzierte die Madonna vor ein offenes Fenster mit einer detaillierten Landschaft. Sie wirkt jung, elegant und körperlich präsent. Man vermutet, dass ihre Gesichtszüge von Lucrezia Buti stammen, einer Nonne, mit der Lippi eine skandalöse Beziehung hatte. Das Jesuskind ist ein pausbäckiger Säugling, den ein grinsender Engel hält, der den Betrachter anschaut. Das Gemälde beeinflusste Lippis Schüler Botticelli. Die Verweltlichung des Heiligen war eine stille Revolution: Die Madonna wurde zu einer jungen Frau in einem wiedererkennbaren Innenraum.

Lamentation over the Dead Christ

Andrea Mantegna · c. 1480 · Tempera auf Leinwand

Mantegna platzierte die Betrachtenden an den Füßen des Leichnams Christi, von wo aus sie am stark verkürzt dargestellten Körper hinaufblicken. Die von Nagelwunden gezeichneten Fußsohlen beherrschen den Vordergrund. Es ist eine der konfrontativsten Kompositionen der Renaissancekunst. Mantegna setzte die strengen Perspektivregeln bewusst außer Kraft: Die Füße sind leicht verkleinert, damit das Gesicht sichtbar bleibt. Dieser Kompromiss wägt geometrische Genauigkeit gegen emotionale Lesbarkeit ab. Das Gemälde wurde nach Mantegnas Tod in seinem Atelier gefunden.

The Birth of Venus

Sandro Botticelli · c. 1485 · Tempera auf Leinwand

Venus steigt auf einer Muschel aus dem Meer und wird von Zephyr ans Ufer geweht. Botticelli umfasste ihre Gestalt mit einer durchgehenden dunklen Kontur, die ihr die Anmutung eines Reliefs verleiht. Die plastische Modellierung, die seine Zeitgenossen beschäftigte, interessierte ihn nicht. Er suchte dekorative Anmut, linearen Rhythmus und eine traumartige Atmosphäre, die eher der gotischen Buchmalerei als Masaccio verpflichtet war. Das Gemälde steht für die vollständige Aufnahme der klassischen Mythologie in die florentinische Bildkultur, ermöglicht durch die neuplatonische Philosophie.

The Last Supper

Leonardo da Vinci · 1498 · Tempera und Öl auf Putz

Leonardo malte auf die Wand des Refektoriums von Santa Maria delle Grazie in Mailand. Er entschied sich gegen ein echtes Fresko, weil diese Technik schnelles Arbeiten verlangte. Er trug Tempera und Öl auf trockenen, versiegelten Putz auf. Das gab ihm Zeit zum Arbeiten, doch die Farbe verband sich nie richtig mit dem Untergrund. Der Verfall begann fast sofort. Die Komposition zeigt den Moment nach Christi Ankündigung des Verrats. Die Apostel reagieren in Gruppen von drei. Die Perspektivlinien laufen auf Christi Kopf zu, den ein Fenster rahmt. Stellenweise ist das Gemälde fast bis zur Unkenntlichkeit beschädigt, doch seine kompositorische Logik bleibt erkennbar.

The School of Athens

Raphael · 1511 · Fresko

Raphael malte dieses Fresko in der Stanza della Segnatura im Vatikan. Dargestellt sind antike Philosophen, die sich in einer klassischen Halle versammelt haben, inspiriert von Bramantes Plänen für St Peter's. Plato und Aristotle stehen im Zentrum: Plato weist nach oben, Aristotle gestikuliert nach außen. Mehrere Figuren erhielten die Gesichtszüge von Zeitgenossen Raphaels. Der grübelnde Heraclitus trägt Michelangelos Züge. Die Perspektive ist makellos konstruiert, die Figurengruppen sind rhythmisch angeordnet, ohne starr zu wirken. Das Fresko bringt am deutlichsten den Glauben der Hochrenaissance zum Ausdruck, klassisches Wissen und christlicher Glaube seien miteinander vereinbar.

Sistine Chapel Ceiling

Michelangelo · 1512 · Fresko

Michelangelo bemalte die Decke zwischen 1508 und 1512 und arbeitete dabei weitgehend allein auf einem Gerüst, das er selbst entworfen hatte. Die Decke umfasst mehr als 500 Quadratmeter und zeigt über 300 Figuren. Die mittleren Felder stellen neun Szenen aus der Genesis dar. In der Erschaffung Adams streckt Gott die Hand aus, um Adams schlaffe Hand zu berühren. Michelangelo war in erster Linie Bildhauer, und jede Figur verrät diese Ausbildung. Die Körper winden sich, die Muskeln spannen sich an, die Gliedmaßen nehmen Raum ein wie schwerer gemeißelter Marmor. Die Libysche Sibylle dreht sich in einer Bewegung, die selbst eine Turnerin herausfordern würde.

San Zaccaria Altarpiece

Giovanni Bellini · 1505 · Öl auf Holz

Bellini malte dieses Bild für die Kirche San Zaccaria in Venedig, wo es sich noch heute befindet. Die Madonna mit dem Kind wird von den Heiligen Peter, Catherine, Lucy und Jerome flankiert. Was dieses Gemälde auszeichnet, ist das Licht. Mit Ölfarbe schuf Bellini eine weiche, diffuse Helligkeit, die Seide, Rüstung und Haut mit gleicher Feinheit erfasst. Die Stimmung ist nachdenklich, fast musikalisch. Bellini beeinflusste alle venezianischen Maler, die ihm folgten. Das Altarbild zeigt, dass die Ölmalerei Wirkungen von Geschlossenheit und Atmosphäre erzielen konnte, die Tempera und Fresko nicht erreichten.

Venus of Urbino

Titian · 1538 · Öl auf Leinwand

Eine nackte Frau liegt in einem häuslichen Innenraum auf einem Bett und blickt den Betrachtenden direkt an. Titian gestaltete die Figur mit Farbe, nicht mit Linien. Ihre Haut entsteht aus warmen Lasuren über einer kühleren Untermalung und erhält dadurch eine leuchtende Oberfläche. Während Botticellis Venus umrissen und idealisiert ist, wirkt die Venus bei Titian körperlich präsent. Sie befindet sich in einem wirklichen Raum. Manets Olympia (1863) antwortet unmittelbar auf dieses Bild. Titian vollendete es auf dem Höhepunkt seiner farbmalerischen Methode, bei der die Zeichnung der Farbe diente und nicht umgekehrt.

Ursprünge

Florenz und die Wiederentdeckung der Antike

Die Renaissance begann aus bestimmten materiellen Gründen in Florenz. Die Stadt war durch Bankwesen und Wollhandel reich. Ihre republikanische Ordnung förderte den Wettbewerb im öffentlichen Leben. Florentinische Gelehrte und Künstler erschlossen antike Texte, Skulpturen und Bauformen systematisch neu und studierten sie. Brunelleschi vermass römische Bauten. Donatello untersuchte klassische Statuen, um den Kontrapost zu verstehen. Gelehrte förderten die studia humanitatis. Es war kein plötzliches Erwachen, sondern ein gemeinschaftliches, organisiertes Vorhaben von Menschen, die überzeugt waren, klassisches Wissen ließe sich bewusst wiedergewinnen. Florenz bot das Geld, die Institutionen und den Wettbewerbsgeist.

Das Werkstattsystem und technische Neuerungen

Die Kunst der Renaissance ging aus Werkstätten hervor, nicht aus Akademien. Verrocchio leitete eine bottega, in der Leonardo, Botticelli und Perugino ausgebildet wurden. Die Meister sicherten die Aufträge und malten die wichtigsten Partien. Den Rest erledigten Assistenten. Auch technische Neuerungen entstanden innerhalb dieser Struktur. Perspektive, Albertis theoretische Schriften und Ölfarbe verbreiteten sich als praktisches Wissen durch die Werkstätten. Die Renaissance verwarf die handwerkliche Tradition nicht. Sie erweiterte sie um mathematische Theorie und unmittelbare Beobachtung und brachte Künstler hervor, die sowohl versierte Handwerker als auch gebildete Denker waren.

Papsttum, Venedig und die Ausbreitung über Florenz hinaus

Um 1500 hatte sich das Zentrum verlagert. Papst Julius II. holte Michelangelo, Raphael und Bramante nach Rom. Venedig entwickelte eine eigene Tradition. Die Familie Bellini begründete eine Werkstatttradition, die Ölmalerei und atmosphärische Farbigkeit betonte. Giovanni Bellinis späte Werke beeinflussten Giorgione und Titian. In Mantua schuf Mantegna seine Fresken. Urbino förderte Piero della Francesca und Raphaels frühe Ausbildung. Die Renaissance war eine florentinische Erfindung, wurde jedoch zu einem italienischen und schließlich zu einem europäischen Phänomen.

Vom Sakralen zum Weltlichen und alles dazwischen

Die Renaissance gab religiöse Kunst nicht auf. Die meisten erhaltenen Werke zeigen christliche Themen. Neu waren vielmehr die zusätzlichen Bildthemen und die veränderte Behandlung heiliger Motive. Die klassische Mythologie kehrte in bedeutenden Aufträgen zurück. Die Porträtmalerei weitete sich von Stifterfiguren zu eigenständigen Bildnissen aus. Auch die religiöse Kunst veränderte sich: Die Madonna wurde zu einer jungen Frau in einem vertraut wirkenden Raum, die einen körperlich überzeugenden Säugling hält, in einer Landschaft, die Perspektive und atmosphärischer Tiefe folgt. Das Heilige verschwand nicht. Es trat neben das Weltliche, und beide wurden mit derselben Verpflichtung zur beobachteten Wirklichkeit dargestellt.

In ihren eigenen Worten

“Die Malerei besitzt eine göttliche Kraft, die nicht nur Abwesende gegenwärtig macht, sondern auch die Toten beinahe lebendig erscheinen lässt.”

Leon Battista Alberti, De pictura (On Painting), 1435

“Wo der Geist nicht mit der Hand zusammenwirkt, gibt es keine Kunst.”

Leonardo da Vinci, Notebooks

“Meiner Meinung nach schulden die Maler Giotto genau so viel wie der Natur.”

Giorgio Vasari, Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, 1550

“Der Maler wird Werke von geringem Wert hervorbringen, wenn er sich die Arbeiten anderer zum Maßstab nimmt. Beschäftigt er sich jedoch damit, von den Gegenständen der Natur zu lernen, wird er gute Ergebnisse erzielen.”

Leonardo da Vinci, Notebooks

Alle Künstler: Renaissance

27 Künstler.

Empfohlene Literatur

Painting and Experience in Fifteenth-Century Italy
Michael Baxandall · 1972
Untersucht, wie die sozialen und kommerziellen Bedingungen im Italien des Quattrocento die Herstellung und Deutung von Gemälden prägten.
History of Italian Renaissance Art
Frederick Hartt and David Wilkins · 1969
Der maßgebliche Überblick, chronologisch nach Regionen und Künstlern gegliedert.
Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects
Giorgio Vasari · 1550
Die erste kunsthistorische Biografie. Parteiliche, aber unverzichtbare Primärquelle.
The Art of the Italian Renaissance
Peter Murray · 1963
Eine knappe, klar geschriebene Einführung, die Architektur, Bildhauerei und Malerei behandelt.

Häufig gestellte Fragen

Was ist die Renaissance?
Die Renaissance^[5] war eine europäische Kulturbewegung, die ungefähr von 1400 bis 1600 dauerte. Ihr Zentrum lag zunächst in Florenz, später auch in Rom, Venedig und den Niederlanden. Sie griff Kunst, Literatur und Philosophie des antiken Griechenlands und Roms wieder auf und rückte die naturalistische Beobachtung, die Zentralperspektive und den nach dem Leben studierten menschlichen Körper in den Mittelpunkt. Die Malerei entwickelte sich von flachen Tafeln mit goldenem Hintergrund zu illusionistischen Räumen, die auf geometrischen Konstruktionen beruhten.
Wann begann und endete die Renaissance?
Kunsthistoriker setzen den Beginn der Frührenaissance um 1400 in Florenz an. Als üblicher Ausgangspunkt gilt Lorenzo Ghibertis Wettbewerbsrelief für die Türen des Baptisteriums (1401). Das Zentrum der Hochrenaissance lag ungefähr zwischen 1495 und 1520 in Rom; sie endete mit dem Tod Raphaels. Die Spätrenaissance, manchmal Manierismus genannt, dauerte bis etwa 1600. Caravaggio und die Familie Carracci leiteten damals den Barock ein.
Wer sind die bekanntesten Künstler der Renaissance?
Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti und Raphael Sanzio bilden das traditionelle Trio der Hochrenaissance. Zu den früheren Vertretern in Italien zählen Masaccio, Donatello, Fra Angelico, Sandro Botticelli und Piero della Francesca; in Nordeuropa wirkten Jan van Eyck, Hans Memling und Albrecht Dürer. Spätere venezianische Meister wie Giovanni Bellini, Giorgione und Titian erweiterten die Reichweite der Bewegung im 16. Jahrhundert.
Was kennzeichnet die Kunst der Renaissance?
Vier Merkmale zeichnen die Kunst der Renaissance^[5] aus: die Zentralperspektive mit einem Fluchtpunkt, die Filippo Brunelleschi um 1415 systematisierte und Leon Battista Alberti 1435 veröffentlichte; anatomischer Naturalismus auf Grundlage von Sektionen und Zeichnen nach dem lebenden Modell; klassische Motive aus der griechischen und römischen Mythologie; und der Einsatz von Ölfarbe, die in Flandern verfeinert und nach Italien gebracht wurde und langsames Lasieren sowie feine tonale Modellierung ermöglichte.
Was unterscheidet Frührenaissance, Hochrenaissance und Spätrenaissance?
Die Frührenaissance (ca. 1400 bis 1495) war experimentell und von Florenz geprägt; Perspektive und Anatomie wurden ausgelotet. Die Hochrenaissance (ca. 1495 bis 1520) erreichte unter päpstlicher Förderung in Rom eine Synthese. Leonardo, Michelangelo und Raphael schufen ausgewogene Kompositionen von klassischer Klarheit. Die Spätrenaissance oder der Manierismus (ca. 1520 bis 1600) löste dieses Gleichgewicht bewusst auf und setzte für emotionale Wirkung langgestreckte Figuren, grelle Farben und gedrängte Räume ein.
Warum war die Renaissance wichtig?
Die Renaissance^[5] führte die Vorstellung vom individuellen Künstler als anerkannter Persönlichkeit ein und löste ihn vom anonymen Handwerker. Sie brachte die ersten systematischen Abhandlungen über Perspektive und Proportion hervor, begründete das moderne Verständnis anatomischen Zeichnens und entwickelte die Bildsprache der klassischen Mythologie, auf die sich die westliche Malerei vier Jahrhunderte lang stützte. Die Förderung durch Auftraggeber kam nicht mehr allein von der Kirche, sondern auch von Fürsten, Kaufleuten und städtischen Körperschaften.
Wo kann ich die besten Gemälde der Renaissance sehen?
Die Uffizien in Florenz besitzen die umfangreichste Sammlung, darunter Botticellis Primavera und Die Geburt der Venus sowie Leonardos Verkündigung. In den Vatikanischen Museen in Rom befinden sich Michelangelos Decke der Sixtinischen Kapelle und Raphaels Stanze. Die National Gallery in London besitzt den Karton Leonardos und Piero della Francescas Taufe Christi. Der Louvre beherbergt die Mona Lisa; das Rijksmuseum in Amsterdam zeigt nördliche Werke von Dürer und Memling.
Was kam vor der Renaissance?
Der Internationale gotische Stil, der sich zwischen 1370 und 1420 an den Höfen Burgunds und Böhmens verfeinerte, brachte elegante, langgestreckte Figuren und dekorative Goldgründe hervor. In Italien hatte Giotto di Bondone in seinen Fresken der Arenakapelle in Padua (1305) bereits naturalistisches Körpergewicht und Gefühle eingeführt. Die byzantinische Ikonenmalerei, die auf Kreta und Zypern bis ins 15. Jahrhundert praktiziert wurde, bildete die formale Tradition, die die Renaissance^[5] ablösen wollte.

Quellen

Die redaktionellen Inhalte zu Renaissance stützen sich auf die folgende Fachliteratur.

[1] Buch Michael Baxandall, Painting and Experience in Fifteenth-Century Italy, 1972 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse.
[2] Buch Frederick Hartt and David Wilkins, History of Italian Renaissance Art, 1969 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse.
[3] Buch Giorgio Vasari, Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, 1550 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse.
[4] Buch Peter Murray, The Art of the Italian Renaissance, 1963 Verwendet für: Biografie, Stilanalyse.
[5] Wikipedia Wikipedia: Renaissance Verwendet für: Biografie.
[6] Buch Susie Hodge, Art Verwendet für: Biografie.
[7] Buch Susie Hodge, Art: Everything You Need to Know About the Greatest Artists and Their Work Verwendet für: Biografie.

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Förderung und die Ökonomie des Genies

Anatomie, Beobachtung und der Körper