Où voir les œuvres de l’artiste Burgoyne Diller

Les œuvres de Burgoyne Diller figurent dans de nombreuses collections. Plusieurs musées de New York en conservent, notamment le Metropolitan Museum of Art et le Museum of Modern Art (MoMA). Parmi les autres musées américains concernés figurent le Los Angeles County Museum of Art (LACMA), le Minneapolis Institute of Arts, le Virginia Museum of Fine Arts à Richmond et le Charles Hosmer Morse Museum of American^[1] Art à Winter Park, en Floride. Hors des États-Unis, on peut voir son art au Royal Ontario Museum de Toronto. Le Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington, DC, possède également des œuvres de Diller. La Yale University Art Gallery, à New Haven, dans le Connecticut, est un autre lieu où l’on peut en trouver.

Pour examiner les estampes de Burgoyne Diller, il est important de comprendre la terminologie et les conventions du marché de l’estampe. Les « estampes originales » sont réalisées à la main : l’artiste crée directement l’œuvre sur la plaque, le bloc, la pierre ou l’écran. Il peut s’agir de gravures sur bois, de gravures au burin, de linogravures, de mezzotintes, d’eaux-fortes, de lithographies ou de sérigraphies. Chaque tirage est considéré comme une œuvre originale, car il est imprimé à la main par l’artiste. Les reproductions offset, également appelées affiches, sont produites par des procédés photochimiques. L’éditeur peut limiter le nombre de tirages pour en augmenter la valeur, mais il n’existe aucune limite matérielle. Les impressions giclées sont des estampes d’art réalisées à l’aide de la technologie jet d’encre. Les estampes en édition limitée atteignent des prix plus élevés. Les matrices des estampes originales sont fabriquées à la main et ne résistent qu’à un nombre restreint d’utilisations, ce qui limite le nombre de tirages. Certains éditeurs fixent un plafond pour accroître la valeur d’une estampe : il peut aller jusqu’à 700 à 1 000 épreuves, tandis que d’autres éditions sont limitées à 250 à 500. Chaque épreuve d’une édition limitée devrait porter un numéro, par exemple 35/100.

Burgoyne Diller travailla avec des matériaux variés. Pour ses sculptures, il privilégiait des formes simples moulées en fibre de verre. Elles évoquaient le papier japonais plié, mais résultaient d’un procédé complexe qu’il appelait la « méthode du polyuréthane perdu ». Il tordait des feuilles de polyuréthane pour leur donner des courbes, puis les assemblait avec du fil de fer ou des agrafes. La forme était recouverte par pulvérisation de métal en fusion, puis enfermée dans un moule en fibre de verre. On retirait la forme intérieure avant de la remplacer par de la résine pulvérisée et de la fibre de verre. Il limitait ces sculptures au noir ou au blanc ; des finitions mates ou translucides produisaient des effets différents. À partir de 1980, il réalisa des « peintures en relief » à l’huile, à l’époxy, en polystyrène et en fibre de verre. Leurs rapports de couleurs complexes et leurs surfaces variées contrastaient avec les sculptures moulées en fibre de verre.

Burgoyne Diller dirigea la division des peintures murales du Federal Art Project à New York de 1940^[1] à 1941. Il dirigea ensuite la section des arts du service de guerre de la ville de New York du W.P.A., de 1941 à 1942. Pour examiner la question de l’influence, il est utile de rappeler que l’abstraction géométrique joua un rôle important dans la naissance de l’abstraction américaine des années 1930. Elle réapparut sous une forme très différente dans la peinture minimaliste d’artistes tels qu’Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden et Robert Ryman. Dans les années 1980, elle se manifesta dans le travail des peintres Heidi Gliick et Scott Davis. Certains artistes reprirent des éléments du cubisme ; d’autres réinterprétèrent l’expressionnisme abstrait. Plusieurs jeunes artistes rejetèrent délibérément les effets faciles à imiter, évitant les surfaces lisses au profit de la rugosité, de la spontanéité et de la franchise.

Selon un entretien, Burgoyne Diller trouva accueillant le milieu artistique new-yorkais. Il cita Hans Hofmann et David Smith parmi ses amis proches et ses collègues, qui lui apportaient inspiration et encouragement. Pendant un temps, Diller estima que Hofmann entretenait avec lui une rivalité amicale. Il pensait qu’il était très important d’avoir autour de soi d’autres artistes que l’on respecte, car le métier d’artiste peut être solitaire. Diller déclara que son art avait été façonné par le cubisme analytique de Braque et Picasso, les premières œuvres de Kandinsky et Miro. Il s’intéressa aussi à Matisse et Mondrian et analysa en profondeur la structure de leurs tableaux. Il cita notamment *Blue Window* de Matisse (1913^[1]), *Person Throwing a Stone at a Bird* de Miro (1926), *Card Players* de Cezanne (1890-92) et les tableaux quadrillés de Mondrian. Il étudia également Leger, les artistes de la Renaissance et du Quattrocento, les maîtres anciens, les maîtres américains et l’art africain.

Il est difficile de désigner une œuvre unique comme la plus célèbre de Burgoyne Diller, car sa renommée repose sur une production constante au sein d’un style précis. Il est surtout connu pour ses compositions géométriques abstraites, notamment celles qui suivent les principes du néoplasticisme, mouvement popularisé par Piet Mondrian. Dans les années 1930^[1] et 1940, Diller réalisa une série d’œuvres intitulée « First Theme ». Ces tableaux, ainsi que les séries apparentées, exploraient les rapports entre rectangles colorés et lignes disposés sur un fond blanc. Ils sont souvent considérés comme des sommets de sa production artistique. Diller créa également des sculptures et occupa des postes d’administration artistique au sein du gouvernement pendant la Grande Dépression, mais ce sont ses peintures qui restent ses réalisations les plus reconnues et célébrées. Son engagement envers l’abstraction géométrique et son exploration de ses possibilités pendant plusieurs décennies lui ont assuré une place dans l’histoire de l’art américain.

Burgoyne Diller travaillait dans un style non figuratif, bien que sa carrière ait également touché au cubisme et à l’abstraction. Ces mouvements s’éloignaient de la représentation traditionnelle pour explorer la forme, la couleur et les relations spatiales. L’art non figuratif refuse de représenter des objets ou des scènes reconnaissables. L’artiste ne s’appuie ni sur la mémoire ni sur la connaissance de la nature ; il agence intuitivement formes et couleurs afin de créer une composition harmonieuse. Il s’agit d’exprimer un rythme et un équilibre évoquant un ordre cosmique. Certains praticiens estimaient que l’art non figuratif avait une vertu éducative, qu’il développait l’intuition et possédait une valeur spirituelle. Le spectateur aborde l’œuvre sur un plan purement visuel et en apprécie les formes et les couleurs sans les rapporter au monde extérieur.

Burgoyne Diller (1906^[1]-1965^[1]) était un artiste américain de l’expressionnisme abstrait. Il est surtout connu pour ses peintures et sculptures constructivistes, souvent caractérisées par des formes géométriques et une palette de couleurs restreinte. Piet Mondrian et le mouvement De Stijl influencèrent son travail. Au cours de sa carrière, Diller explora les possibilités de l’art non figuratif en créant des compositions qui mettaient l’accent sur l’équilibre, l’harmonie et les rapports spatiaux. Dans les années 1930^[1] et 1940, il travailla pour la Works Progress Administration (WPA), où il supervisa des projets de peintures murales. Son art évolua en plusieurs phases : il passa de premiers travaux figuratifs à l’abstraction géométrique, puis créa ses séries emblématiques de « constructions » et de peintures. Celles-ci combinaient généralement rectangles et carrés de couleurs primaires, reflet de son intérêt pour les principes de l’abstraction géométrique.