Wo man Burgoyne Diller sehen kann

Werke von Burgoyne Diller finden sich in zahlreichen Sammlungen. Mehrere Museen in New York City besitzen Beispiele seines Werks; dazu zählen das Metropolitan Museum of Art und das Museum of Modern Art (MoMA). Weitere amerikanische Museen sind das Los Angeles County Museum of Art (LACMA), das Minneapolis Institute of Arts, das Virginia Museum of Fine Arts (Richmond) und das Charles Hosmer Morse Museum of American^[1] Art (Winter Park, Florida). Außerhalb der Vereinigten Staaten ist Dillers Kunst im Royal Ontario Museum in Toronto zu sehen. Auch das Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, D.C., besitzt Werke von Diller. Die Yale University Art Gallery (New Haven, Connecticut) ist ein weiterer möglicher Ausstellungsort.

Bei der Betrachtung von Burgoyne Dillers Drucken ist es wichtig, die Begriffe und Gepflogenheiten des Druckmarkts zu verstehen. „Originaldrucke“ entstehen von Hand, wobei der Künstler das Werk direkt auf der Platte, dem Block, dem Stein oder dem Sieb schafft. Dazu zählen Holzschnitte, Kupferstiche, Linolschnitte, Mezzotinten, Radierungen, Lithografien und Siebdrucke. Jeder Druck gilt als Original, weil er vom Künstler selbst von Hand abgezogen wird. Offsetreproduktionen, auch Poster genannt, entstehen durch fotochemische Verfahren. Die Anzahl der Drucke kann vom Verlag begrenzt werden, um den Wert zu steigern, doch es gibt keine physische Obergrenze. Giclée-Drucke sind mittels Tintenstrahltechnik gefertigte Kunstdrucke. Limitierte Auflagen erzielen höhere Preise. Die Platten für Originaldrucke werden von Hand hergestellt und halten nur begrenzt viele Abzüge aus. Die Zahl der abgezogenen Drucke ist dadurch begrenzt. Manche Verlage setzen Grenzen, um den Wert eines Drucks zu steigern; diese Grenzen können bei 700 bis 1.000 Abzügen liegen, manche Drucke sind jedoch auf 250 bis 500 begrenzt. Alle Drucke einer limitierten Auflage sollten nummeriert sein (zum Beispiel 35/100).

Burgoyne Diller arbeitete mit vielfältigen Materialien. In seiner Skulptur bevorzugte er einfache, aus Fiberglas geformte Formen. Die Formen erinnerten an gefaltetes japanisches Papier und verbargen einen komplexen Prozess, den er „die verlorene Polyurethanmethode“ nannte. Dabei wurden Polyurethanbahnen zu Kurven gedreht, die anschließend verdrahtet oder geheftet wurden. Die Form wurde mit geschmolzenem Metall besprüht und in eine Fiberglasform eingeschlossen. Die innere Form wurde entfernt und durch gesprühtes Harz und Fiberglas ersetzt. Er beschränkte diese Skulpturen auf Schwarz oder Weiß, wobei matte oder durchscheinende Oberflächen unterschiedliche Effekte erzeugten. Ab 1980 schuf er „Reliefgemälde“ aus Öl, Epoxidharz, Polystyrol und Fiberglas. Diese Reliefs zeigten komplexe Farbbeziehungen und unterschiedliche Oberflächen, im Gegensatz zu den gegossenen Fiberglasskulpturen.

Burgoyne Diller leitete von 1940^[1] bis 1941 die Mural Division des Federal Art Project in New York. Anschließend leitete er von 1941 bis 1942 die New York City War Service Art Section der W.P.A. Bei der Betrachtung der Einflussfrage ist es hilfreich, festzuhalten, dass die geometrische Abstraktion in den 1930er-Jahren eine bedeutende Rolle bei der Entstehung der amerikanischen Abstraktion spielte. Sie tauchte, in einer stark veränderten Ausdrucksform, in der minimalistischen Malerei von Künstlern wie Agnes Martin, Robert Mangold, Brice Marden und Robert Ryman wieder auf. In den 1980er-Jahren erschien sie im Werk der Maler Heidi Gliick und Scott Davis. Manche Künstler übernahmen Aspekte des Kubismus; andere interpretierten den abstrakten Expressionismus neu. Manche jüngeren Künstler lehnten bewusst das Leichte und leicht Nachahmbare ab und vermieden glatte Oberflächen zugunsten von Rauheit, Spontaneität und Unmittelbarkeit.

Einem Interview zufolge empfand Burgoyne Diller die New Yorker Kunstszene als aufgeschlossen. Er nannte Hans Hofmann und David Smith als enge Freunde und Kollegen, aus deren Nähe er Nahrung und Ermutigung schöpfte. Diller hatte das Gefühl, dass Hofmann eine Zeit lang in freundschaftlichem Wettbewerb mit ihm stand. Er war überzeugt, dass es sehr wichtig sei, andere Künstler zu haben, die man respektiert, da Kunst ein einsames Geschäft sein könne. Diller erklärte, dass ihn unter anderem das analytisch-kubistische Werk von Braque und Picasso, der frühe Kandinsky und Miró geprägt hätten. Er beschäftigte sich auch mit Matisse und Mondrian. Er analysierte den Aufbau ihrer Gemälde bis ins Letzte. Namentlich erwähnte er Matisses *Blue Window* (1913^[1]), Mirós *Person Throwing a Stone at a Bird* (1926), Cézannes *Card Players* (1890-92) und Mondrians Gitterbilder. Er studierte Léger, Künstler der Renaissance und des Quattrocento, die Alten Meister, amerikanische Meister und afrikanische Kunst.

Es ist schwierig, Burgoyne Dillers berühmtestes Einzelwerk zu benennen, denn seine Bedeutung beruht auf seinem kontinuierlichen Schaffen innerhalb eines bestimmten Stils. Am bekanntesten ist er für abstrakte geometrische Kompositionen, besonders für Arbeiten nach den Prinzipien des Neoplastizismus, den Piet Mondrian populär machte. In den 1930er- und 1940er-Jahren schuf Diller eine Reihe von Werken mit dem Titel „First Theme“. Diese Gemälde und verwandte Serien untersuchen das Verhältnis farbiger Rechtecke und Linien auf weißem Grund. Sie gelten oft als Höhepunkte seines künstlerischen Schaffens. Diller schuf auch Skulpturen und bekleidete während der Großen Depression Verwaltungsämter im staatlichen Kunstwesen; am bekanntesten und meistgeschätzt bleiben jedoch seine Gemälde. Seine jahrzehntelange Hingabe an die geometrische Abstraktion und die Erforschung ihrer Möglichkeiten sicherten ihm einen festen Platz in der Geschichte der amerikanischen Kunst.

Burgoyne Diller arbeitete in einem gegenstandslosen Stil, wenngleich seine Laufbahn auch den Kubismus und die Abstraktion berührte. Diese Bewegungen wandten sich von der traditionellen Darstellung ab. Stattdessen erkundeten sie Form, Farbe und räumliche Beziehungen. Gegenstandslose Kunst lehnt die Darstellung erkennbarer Objekte oder Szenen ab. Der Künstler greift nicht auf Erinnerung oder Wissen über die Natur zurück. Stattdessen liegt der Fokus auf der intuitiven Anordnung von Formen und Farben, um eine harmonische Komposition zu schaffen. Ziel ist es, ein Gefühl von Rhythmus und Gleichgewicht zu vermitteln, das eine kosmische Ordnung widerspiegelt. Manche Vertreter glaubten, gegenstandslose Kunst besitze eine erzieherische Kraft, fördere die Intuition und biete spirituellen Wert. Der Betrachter begegnet dem Kunstwerk auf rein visueller Ebene und schätzt das Zusammenspiel von Formen und Farben ohne Bezug zur äußeren Welt.

Burgoyne Diller (1906^[1]-1965^[1]) war ein amerikanischer abstrakt-expressionistischer Künstler. Er ist vor allem für seine konstruktivistischen Gemälde und Skulpturen bekannt, die häufig geometrische Formen und eine begrenzte Farbpalette zeigten. Dillers Werk wurde von Piet Mondrian und der De-Stijl-Bewegung beeinflusst. Im Laufe seiner Laufbahn erkundete Diller die Möglichkeiten der gegenstandslosen Kunst und schuf Kompositionen, die Balance, Harmonie und räumliche Beziehungen betonten. In den 1930er- und 1940er-Jahren arbeitete er für die Works Progress Administration (WPA) und beaufsichtigte dort Wandbildprojekte. Sein eigenes Werk durchlief mehrere Phasen. Er bewegte sich von frühem gegenständlichem Werk zur geometrischen Abstraktion und schuf schließlich seine charakteristische Serie von „Constructions“ genannten Werken und Gemälden. Diese Werke bestanden meist aus Anordnungen von Rechtecken und Quadraten in Primärfarben und spiegelten sein Interesse an den Prinzipien der geometrischen Abstraktion wider.