Dove vedere Carmen Herrera

Le opere di Carmen Herrera si possono vedere nelle collezioni di diversi musei. A New York i suoi lavori sono conservati al Metropolitan Museum of Art, al Museum of Modern Art e al Solomon R. Guggenheim Museum. Tra gli altri musei statunitensi figurano l’Art Institute of Chicago, il Cincinnati Art Museum, il Cleveland Museum of Art, l’Herbert F. Johnson Museum of Art (Ithaca, New York) e il Carnegie Museum of Art (Pittsburgh). Le sue opere si trovano anche in collezioni europee. Tra queste figurano le Kunstmuseums di Berna, Lucerna, San Gallo, Winterthur e Zurigo; l’Aargauer Kunsthaus (Aarau, Svizzera); il Museo de Arte Moderno (Barcellona); gli Staatliche Museen SPK, Kupferstichkabinett (Berlino); il Museum of Fine Art (Budapest); il Musee d'Art et d'Histoire (Ginevra); il Moderna Museet (Malmö, Svezia) e il Nasjonalgalleriet (Oslo).

Carmen Herrera è nota soprattutto per i dipinti, ma ha realizzato anche stampe originali, tra cui serigrafie e litografie. Sono eseguite a mano dall’artista e ciascuna è considerata un originale, perché l’opera viene creata direttamente sulla lastra, sul blocco di legno, sulla pietra litografica o sullo schermo. Herrera ha realizzato stampe con procedimenti diversi: matrici di legno per la stampa a rilievo; lastre metalliche per l’acquaforte; pietra calcarea o lastre metalliche per la litografia; e schermi di fibre sintetiche montati su telai di legno per la serigrafia. Come molti artisti, Herrera ha lavorato con laboratori specializzati nella stampa d’arte. Questi spazi contengono attrezzature e materiali: strumenti da disegno, liquidi grassi e pastelli, mascherature, strumenti per tracciare, grassi, gomme, cere e acidi pericolosi usati nell’acquaforte. Vi si trovano anche barattoli d’inchiostro, essiccanti e altri additivi, oltre a risme di carte diverse. Tra le sue stampe figurano "Somewhere to Light", serigrafia a colori del 1966^[3] in tiratura di 225 esemplari, stampata da Knickerbocker Machine and Foundry e pubblicata da Tanglewood Press, e "Circles of Confusion I", litografia a colori del 1965-66 in tiratura di 12 esemplari, stampata e pubblicata da Universal Limited Art Editions.

Carmen Herrera (1915^[3]-2022^[3]) fu una pittrice cubano-americana di espressionismo astratto. È nota per l’astrazione geometrica e la pittura minimalista. Sebbene la sua carriera si sia estesa per molti decenni, ottenne un riconoscimento più ampio solo in età avanzata. Le sue opere sono importanti perché offrono una prospettiva originale sullo sviluppo dell’arte astratta nelle Americhe. Il suo stile combina il modernismo europeo con influenze latinoamericane. Le forme geometriche dai contorni netti e le combinazioni cromatiche audaci creano un linguaggio visivo distintivo. Herrera esplorò il rapporto tra linea, colore e spazio. Il successo ottenuto in tarda età mise in discussione le narrazioni convenzionali del mondo dell’arte e aprì opportunità ad altri artisti trascurati. Le sue pitture e stampe sono oggi conservate in importanti collezioni museali, tra cui quelle del Museum of Modern Art e del Whitney Museum of American Art, entrambi a New York. La sua opera continua a ispirare nuove generazioni di artisti e appassionati d’arte. Mostra le possibilità dell’astrazione e l’importanza di voci diverse nella storia dell’arte.

Carmen Herrera, artista cubano-americana, è nota soprattutto per i dipinti e le sculture geometriche astratte. Il suo stile maturo, sviluppato alla fine degli anni 1940^[3], è caratterizzato da semplicità e precisione. Lavorava soprattutto con colori acrilici su tela. Prediligeva forme dai contorni netti e una tavolozza limitata, spesso con soli due colori per opera. Questo approccio minimalista le consentiva di esplorare il rapporto tra linea, colore e forma. Prima di affermarsi nella pittura, sperimentò anche costruzioni in legno. Dopo aver frequentato un corso di falegnameria negli anni 1940, iniziò a creare oggetti tridimensionali che riprendevano le forme geometriche dei dipinti. Queste prime sculture anticiparono le successive installazioni di arte pubblica di dimensioni maggiori. Sebbene lo stile sia rimasto costante nel corso della carriera, Herrera affinò continuamente le proprie tecniche. Cercava di ottenere linee perfette e superfici lisce nei dipinti, spesso usando nastro adesivo per mascherare alcune zone e creare bordi netti. Questa dedizione alla precisione è una caratteristica distintiva della sua opera.

È difficile individuare influenze specifiche nell'arte, poiché il mondo artistico è diventato pluralista e nessun artista lo domina. Tuttavia, l'astrazione geometrica dai contorni netti di Carmen Herrera presenta alcune affinità stilistiche con le opere di Josef Albers, Ellsworth Kelly e Barnett Newman. L'uso di forme semplificate e campiture di colore da parte di Herrera può riflettere l'influenza dei modernisti europei, come Piet Mondrian e il movimento De Stijl. Herrera esplorò nelle pitture e nelle sculture le relazioni tra colore, forma e spazio. Alcuni critici hanno rilevato l'influenza di Henri Matisse sugli artisti statunitensi dagli anni 1940^[3] agli anni 1970. Hanno suggerito che artisti come Motherwell, Diebenkorn, Stella e Wesselman abbiano ripreso idee da Matisse: la composizione a tutto campo, l'uso del colore per definire lo spazio, l'astrazione dalla natura nei ritagli di carta, la forza decorativa e l'uso del nero come colore e luce.

Carmen Herrera citò vari artisti come fonti d’influenza. Al college analizzò il cubismo analitico, compresi Braque e Picasso, e le prime opere di Kandinsky e Miró. Studiò anche Matisse, in particolare l’uso del colore, e Mondrian. Esaminò le strutture presenti nei loro dipinti. I suoi studi comprendevano opere di Léger, artisti del Rinascimento e del Quattrocento, antichi maestri, artisti americani e arte africana. Nel 1950^[3]-51 considerava Pollock, de Kooning e Rothko, tutti membri della New York School, come mentori. Assimilò l’influenza di Pollock, Gorky e de Kooning. Nel 1951 vide la mostra di Gorky alla Whitney e rimase colpita dalle sue opere. Vide anche i lavori di Pollock degli anni 1940 e i suoi successivi dipinti a smalto. Herrera sentiva inoltre una competizione amichevole con Hans Hofmann ed era legata a David Smith. Visitò le case e gli studi di Gottlieb, Stamos, Reinhardt e Baziotes. Nella seconda metà degli anni 1950 e all’inizio degli anni 1960, rimase colpita dai Veils e dagli Unfurleds di Louis e dai bersagli e dai chevron di Noland.

È difficile indicare una sola opera come la «più famosa» di Carmen Herrera, poiché la notorietà le arrivò più tardi nella carriera. Tuttavia, una rassegna di cataloghi e liste di mostre rivela temi e titoli ricorrenti. Molte opere presentano forme geometriche e bordi netti. Il colore è un elemento dominante e molti titoli includono colori, come *Red Yellow Blue* (1963^[3]), *Orange Panel* (1980) e *Yellow Black* (1968). Herrera esplorò anche l’interazione tra colori e forme in serie come *Line, Form and Color* (1951). Spesso realizzava più versioni di composizioni simili, come i vari dipinti «Curve» degli anni 1970 e 1980. Sebbene questi titoli ricorrano, per determinare un’unica opera che sia senza dubbio la più famosa occorrerebbe maggiore contesto storico-artistico.

Carmen Herrera è associata all’astrazione geometrica e al minimalismo. Il suo stile maturo, sviluppato tra la fine degli anni 1940^[3] e l’inizio degli anni 1950, si distingue per forme geometriche definite con precisione e una tavolozza limitata. Sebbene l’opera di Herrera condivida alcune affinità con l’espressionismo astratto, soprattutto per la natura non figurativa, l’enfasi sulle linee pulite e sui contorni netti la distingue dallo stile più gestuale e carico di emozione di pittori espressionisti astratti come Jackson Pollock e Willem de Kooning. La sua arte è invece più vicina all’estetica minimalista emersa negli anni 1960. Il minimalismo riduce le forme a figure geometriche essenziali e mette in risalto le proprietà fisiche dell’opera: caratteristiche esemplificate dai dipinti e dalle stampe di Herrera. Sebbene avesse iniziato a lavorare in questo modo molto prima che il movimento minimalista ottenesse ampia visibilità, oggi il suo contributo è considerato importante per lo sviluppo di quello stile.