Où voir les œuvres de l’artiste Carmen Herrera

Les œuvres de Carmen Herrera figurent dans les collections de plusieurs musées. À New York, elles sont conservées au Metropolitan Museum of Art, au Museum of Modern Art et au Solomon R. Guggenheim Museum. Parmi les autres musées américains figurent l’Art Institute of Chicago, le Cincinnati Art Museum, le Cleveland Museum of Art, le Herbert F. Johnson Museum of Art (Ithaca, New York) et le Carnegie Museum of Art (Pittsburgh). Son art est également présent dans des collections européennes : les Kunstmuseen de Berne, Lucerne, Saint-Gall, Winterthour et Zurich ; l’Aargauer Kunsthaus (Aarau, Suisse) ; le Museo de Arte Moderno (Barcelone) ; les Staatliche Museen SPK, Kupferstichkabinett (Berlin) ; le Museum of Fine Art (Budapest) ; le Musée d’Art et d’Histoire (Genève) ; le Moderna Museet (Malmö, Suède) ; et le Nasjonalgalleriet (Oslo).

Carmen Herrera est surtout connue pour ses peintures, mais elle a également réalisé des estampes originales, notamment des sérigraphies et des lithographies. Elles sont produites à la main par l’artiste et chacune est considérée comme une œuvre originale, car l’image est créée directement sur une plaque, une planche de bois, une pierre lithographique ou un écran. Herrera a employé divers procédés : des planches de bois pour l’impression en relief ; des plaques de métal pour la gravure ; des pierres calcaires ou des plaques de métal pour la lithographie ; et des écrans en fibres synthétiques tendus sur des cadres de bois pour la sérigraphie. Comme de nombreux artistes, Herrera a travaillé avec des ateliers spécialisés dans l’estampe d’art. Ces ateliers sont équipés de matériel et de fournitures, notamment des outils de dessin, des liquides gras et des crayons, des matériaux de masquage, des outils de tracé, des graisses, des gommes, des cires et les acides dangereux utilisés pour la gravure. On y trouve aussi des boîtes d’encre, des siccatifs et autres additifs, ainsi que des rames de papiers différents. Parmi ses estampes figurent Somewhere to Light, une sérigraphie en couleurs de 1966^[3] tirée à 225 exemplaires, imprimée par Knickerbocker Machine and Foundry et publiée par Tanglewood Press ; et Circles of Confusion I, une lithographie en couleurs de 1965-66 tirée à 12 exemplaires, imprimée et publiée par Universal Limited Art Editions.

Carmen Herrera (1915^[3]-2022^[3]) était une peintre expressionniste abstraite cubano-américaine, connue pour son abstraction géométrique et sa peinture minimaliste. Bien que sa carrière se soit étendue sur plusieurs décennies, elle n’a été largement reconnue que tardivement. Ses œuvres offrent une perspective singulière sur l’évolution de l’art abstrait dans les Amériques. Son style associe le modernisme européen à des influences latino-américaines. Ses formes géométriques aux contours nets et ses combinaisons de couleurs audacieuses composent un langage visuel distinctif. Herrera a exploré les relations entre ligne, couleur et espace. Sa réussite tardive a remis en question les récits conventionnels du monde de l’art et ouvert des possibilités à d’autres artistes négligés. Ses peintures et estampes figurent aujourd’hui dans de grandes collections muséales, notamment celles du Museum of Modern Art et du Whitney Museum of American Art, tous deux à New York. Son œuvre continue d’inspirer de nouvelles générations d’artistes et d’amateurs d’art. Elle montre les possibilités de l’abstraction et l’importance de la diversité des voix dans l’histoire de l’art.

Carmen Herrera, artiste cubano-américaine, est surtout connue pour ses peintures et sculptures abstraites géométriques. Son style mûr, élaboré à la fin des années 1940^[3], se caractérise par la simplicité et la précision. Elle travaillait principalement la peinture acrylique sur toile. Elle privilégiait les formes aux contours nets et une palette limitée, n’utilisant souvent que deux couleurs dans une même œuvre. Cette démarche minimaliste lui permettait d’explorer les relations entre ligne, couleur et forme. Avant que sa carrière de peintre ne décolle, Herrera s’est également essayée aux constructions en bois. Après avoir suivi un cours de menuiserie dans les années 1940, elle a commencé à créer des objets tridimensionnels reprenant les formes géométriques de ses peintures. Ces premières sculptures annonçaient ses installations d’art public ultérieures, de plus grande ampleur. Bien que son style soit resté cohérent tout au long de sa carrière, elle n’a cessé d’affiner ses techniques. Elle cherchait à obtenir des lignes parfaites et des surfaces lisses dans ses peintures, utilisant souvent du ruban adhésif pour masquer certaines zones et créer des arêtes nettes. Ce souci de précision définit son œuvre.

Il est difficile d’isoler des influences précises en art. Le monde de l’art est devenu pluraliste et aucun artiste ne le domine à lui seul. L’abstraction géométrique aux contours nets de Carmen Herrera présente toutefois certaines similitudes stylistiques avec les œuvres de Josef Albers, Ellsworth Kelly et Barnett Newman. L’usage de formes simplifiées et de plans colorés chez Herrera peut refléter l’influence de modernistes européens comme Piet Mondrian et du mouvement De Stijl. Dans ses peintures et ses sculptures, elle a exploré les relations entre couleur, forme et espace. Certains critiques ont relevé l’influence de Henri Matisse sur des artistes américains des années 1940^[3] aux années 1970. Ils ont suggéré que des artistes comme Motherwell, Diebenkorn, Stella et Wesselman lui avaient emprunté des idées : la composition all-over, l’usage de la couleur pour définir l’espace, l’abstraction de la nature dans les papiers découpés, le pouvoir accordé au décoratif, et l’emploi du noir comme couleur et comme lumière.

Carmen Herrera a cité de nombreux artistes parmi ses influences. À l’université, elle a analysé le cubisme analytique, notamment Braque et Picasso, ainsi que les premières œuvres de Kandinsky et Miró. Elle a aussi étudié Matisse, en particulier son usage de la couleur, et Mondrian. Herrera s’est penchée sur la structure de leurs peintures. Ses études comprenaient également des œuvres de Léger, des artistes de la Renaissance et du Quattrocento, des maîtres anciens, des artistes américains et de l’art africain. En 1950^[3]-51, elle considérait Pollock, de Kooning et Rothko, tous membres de l’École de New York, comme ses mentors. Elle a assimilé l’influence de Pollock, Gorky et de Kooning. Elle a vu l’exposition de Gorky au Whitney en 1951 et son travail l’a impressionnée. Elle a également vu des œuvres de Pollock des années 1940 ainsi que ses peintures ultérieures à l’émail. Herrera entretenait aussi une rivalité amicale avec Hans Hofmann et était proche de David Smith. Elle a rendu visite à Gottlieb, Stamos, Reinhardt et Baziotes dans leurs maisons et ateliers. À la fin des années 1950 et au début des années 1960, les Veils et Unfurleds de Louis l’ont marquée, tout comme les cibles et chevrons de Noland.

Il est difficile de désigner une seule œuvre « la plus célèbre » de Carmen Herrera, car sa notoriété s’est affirmée tard dans sa carrière. Toutefois, l’examen des catalogues et des listes d’expositions fait ressortir plusieurs thèmes et titres récurrents. Beaucoup de ses œuvres reposent sur des formes géométriques et des contours nets. La couleur y joue un rôle dominant ; plusieurs titres mentionnent des couleurs, comme *Red Yellow Blue* (1963^[3]), *Orange Panel* (1980) et *Yellow Black* (1968). Herrera a également exploré les interactions entre couleurs et formes dans des séries comme *Line, Form and Color* (1951). Elle a souvent réalisé plusieurs versions de compositions similaires, notamment ses différentes peintures intitulées « Curve », dans les années 1970 et 1980. Ces titres reviennent régulièrement, mais déterminer une œuvre unique et incontestablement la plus célèbre demanderait davantage de contexte en histoire de l’art.

Carmen Herrera est associée à l’abstraction géométrique et au minimalisme. Son style mûr, élaboré à la fin des années 1940^[3] et au début des années 1950, se distingue par des formes géométriques dessinées avec précision et une palette restreinte. Son œuvre présente certaines affinités avec l’expressionnisme abstrait, notamment par son caractère non figuratif, mais l’accent mis sur les lignes épurées et les contours nets la distingue du style plus gestuel et chargé d’émotion de peintres expressionnistes abstraits comme Jackson Pollock et Willem de Kooning. Son art se rapproche davantage de l’esthétique minimaliste apparue dans les années 1960. Le minimalisme, qui réduit les formes à des figures géométriques élémentaires et met l’accent sur les propriétés physiques de l’œuvre, est illustré par les peintures et estampes de Herrera. Bien qu’elle ait commencé à travailler ainsi bien avant que le mouvement minimaliste ne soit largement reconnu, sa contribution est aujourd’hui considérée comme importante pour le développement de ce courant.