Où voir les œuvres de l’artiste Barnett Newman

Les œuvres de Barnett Newman sont conservées dans de nombreuses collections publiques. À New York, on peut voir ses pièces au Solomon R. Guggenheim Museum, au Whitney Museum of American Art et au Museum of Modern Art. Parmi les autres musées américains possédant son œuvre figurent l’Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, l’Art Institute of Chicago, le Krannert Art Museum de Champaign, dans l’Illinois, et le San Francisco Museum of Art. Son travail est également conservé à la National Gallery of Canada, à Ottawa. *Covenant* (1949^[1]) se trouve au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington. Le Carnegie Museum of Art de Pittsburgh possède aussi des œuvres. Ces musées ont présenté ses tableaux dans des expositions collectives, comme *New York Painting and Sculpture: 1940-1970^[1]*, organisée au Metropolitan Museum of Art en 1969.

Les tableaux de Barnett Newman attirèrent l’attention à New York dans les années 1950^[1] et lui valurent un groupe dévoué d’admirateurs. Son art s’éloignait des styles gestuels. Newman soulignait le caractère global de la peinture ; ses œuvres résistent à une analyse fondée sur leurs éléments individuels. Elles ne se subdivisent pas : le champ entier forme l’unité de sens. Ses surfaces unies étaient brossées, mais sans effet ostentatoire. Les toiles étroites qu’il peignit en 1951 annonçaient la toile découpée dix ans plus tard. Ses écrits éclairent ses idées artistiques. Il considérait les peintures des peuples autochtones de la côte Nord-Ouest comme des expressions rituelles de croyances mythologiques, et non comme de simples décorations. Il écrivait que les formes abstraites de l’artiste kwakwaka’wakw étaient guidées par une volonté rituelle vers une compréhension métaphysique. Newman explorait aussi la pensée abstraite plutôt que les disciplines abstraites. Sa série The Stations of the Cross rassemble des peintures noires et blanches sur toile brute.

Barnett Newman est surtout connu pour ses grandes peintures expressionnistes abstraites. Il travaillait principalement à l’huile sur toile. Sa technique emblématique consistait à créer de vastes champs de couleur ponctués de bandes verticales qu’il appelait des « zips ». Sa méthode était méthodique. Il commençait souvent par appliquer plusieurs couches de gesso sur la toile afin d’obtenir une surface lisse. Il posait ensuite de fines couches de peinture à l’huile, parfois au rouleau ou au couteau pour répartir la couleur uniformément. Il ajoutait généralement les zips en dernier, souvent d’un seul coup de pinceau décidé. Bien qu’il soit surtout connu pour ses peintures, il réalisa également quelques sculptures et estampes. Sa sculpture Broken Obelisk (1963^[1]-1967^[1]) est faite d’acier Cor-Ten, un matériau dont l’apparence évoque la rouille. Il expérimenta également la lithographie et l’eau-forte, créant des compositions abstraites qui reprennent le langage visuel de ses tableaux. Ces estampes lui permirent d’explorer à plus petite échelle les relations entre couleur et forme.

Vers 1950^[1], l’art de Barnett Newman ne séduisait qu’un petit cercle d’admirateurs new-yorkais. À la fin des années 1950, alors que les goûts s’éloignaient de l’art gestuel, un public plus large commença à apprécier son travail. Même des artistes qui n’avaient pas vu ses œuvres en personne discutaient de ses idées et les commentaient. Son approche, qui affirmait le caractère global de la peinture, influença de jeunes artistes en quête d’autres voies que celles d’expressionnistes abstraits comme de Kooning et Kline. Ses tableaux résistaient à l’analyse en éléments distincts : le champ entier constituait l’unité de sens. Les toiles étroites qu’il peignit en 1951, dont la hauteur se rapprochait de celle d’une personne, annonçaient la toile découpée apparue dix ans plus tard. Des critiques comme Clement Greenberg remarquèrent que les bandes verticales de Newman parodiaient le cadre. Michael Fried développa ensuite cette idée à propos des tableaux de Frank Stella, dans lesquels le châssis définit les limites de la surface.

Barnett Newman (1905^[1]-1970^[1]) défendait un art fondé sur la sensation pure. À la fin des années 1940^[1], il publia des essais dans *The Tiger’s Eye*, revue qui présentait aussi des œuvres de Pollock, Rothko et Still. Newman aimait jouer les contradicteurs. Il écartait les philosophes en déclarant : « L’esthétique est aux artistes ce que l’ornithologie est aux oiseaux. » À une époque où le geste expressif dominait la peinture, il travaillait par aplats de couleur unis et lisses, interrompus par des bandes verticales qu’il appelait « zips ». Il cherchait à produire quelque chose de « réel » et de « concret ». Il étudia l’art des peuples autochtones d’Amérique et admirait les mâts totémiques du Nord-Ouest et les tumulus du Midwest. Newman affirmait le caractère global de la peinture : ses tableaux ne pouvaient être analysés en petites parties, le champ entier constituant l’unité de sens. Sa surface de peinture lisse et brossée séduisit une nouvelle génération d’artistes. Ses toiles étroites de 1951 préfigurent le développement de la toile découpée dix ans plus tard.

Barnett Newman est surtout connu pour ses grandes peintures expressionnistes abstraites, caractérisées par des champs de couleur et des lignes verticales qu’il appelait des « zips ». Il est difficile de désigner une seule œuvre comme la plus célèbre, mais *Vir Heroicus Sublimis* (1950^[1]-1951^[1]) est souvent citée parmi ses pièces les plus importantes et les plus reconnaissables. Cette peinture monumentale, d’environ 2,4 sur 5,4 mètres, est principalement rouge et comporte quelques bandes verticales. Le titre, qui signifie en latin « Homme, héroïque et sublime », reflète l’intérêt de Newman pour l’évocation de la présence humaine et du sublime par des moyens abstraits. Il cherchait à susciter chez le public une réaction émotionnelle directe, sans passer par l’imagerie figurative traditionnelle. Une autre œuvre importante est *Who’s Afraid of Red, Yellow and Blue III* (1967), qui appartient à une série explorant les couleurs primaires. Cette peinture devint tristement célèbre après avoir été lacérée en 1986 alors qu’elle était exposée à Amsterdam. L’attaque et la restauration qui suivit soulevèrent des questions sur la valeur et la vulnérabilité de l’art abstrait. Les tableaux de Newman continuent d’être étudiés et exposés, confirmant sa place majeure dans l’expressionnisme abstrait.

Barnett Newman (1905^[1]-1970^[1]) est généralement classé parmi les peintres expressionnistes abstraits américains, bien que son œuvre annonce aussi les styles Color Field et minimaliste. Il est particulièrement associé à la peinture de champs colorés : de grandes toiles dominées par une seule couleur, souvent ponctuées de bandes verticales qu’il nommait « zips ». Avant de devenir peintre, Newman était critique d’art et défenseur de l’expressionnisme abstrait. Ses tableaux de 1950^[1] et 1951 séduisirent un petit groupe d’admirateurs new-yorkais. Plus tard dans la décennie, son œuvre trouva un public plus large lorsque les goûts s’éloignèrent de l’art gestuel. Newman cherchait à créer une « tension pure » entre des blocs de couleur asymétriques. Ses « zips » devinrent sa marque de fabrique et invitaient le public à se concentrer sur l’expérience spatiale de la couleur. Par la couleur et l’échelle, il voulait évoquer une spiritualité raffinée et une dimension mystique. Malgré un accueil d’abord sceptique, de jeunes artistes adoptèrent son œuvre comme une voie au-delà de l’intensité émotionnelle des autres expressionnistes abstraits.

Barnett Newman (1905^[1]-1970^[1]) était un peintre américain qui défendait la puissance élémentaire de l’art et plaidait pour un art ancré dans la sensation pure. À la fin des années 1940^[1], il publia des essais dans *The Tiger’s Eye*, revue qui présentait aussi Pollock, Rothko et Still. New-yorkais de naissance, Newman aimait la controverse. Il lança cette formule célèbre : « L’esthétique est aux artistes ce que l’ornithologie est aux oiseaux. » Alors que la peinture gestuelle expressionniste était courante, il travaillait par aplats de couleur unis et lisses, interrompus par des bandes verticales appelées « zips ». Il visait quelque chose de « réel » et de « concret ». Ses études de l’art des peuples autochtones d’Amérique, notamment des mâts totémiques et des tumulus, influencèrent son travail. Bien que ses tableaux aient suscité le scepticisme dans les années 1950, une jeune génération les adopta pour dépasser l’expression émotionnelle d’artistes expressionnistes abstraits comme de Kooning et Kline. Newman affirmait le caractère global de la peinture : ses tableaux ne pouvaient pas être analysés en petites parties.