Wo man Chris Burden sehen kann

Chris Burdens Werke waren in zahlreichen Gruppenausstellungen in Institutionen auf der ganzen Welt zu sehen. In den Vereinigten Staaten war sein Werk im Museum of Modern Art, im Whitney Museum of American^[1] Art und im Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Smithsonian Institution) in Washington, D.C., zu sehen. Weitere Standorte sind das Los Angeles County Museum of Art, das Seattle Art Museum, das Indianapolis Museum of Art und die Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, New York). Burdens Kunst wurde auch international ausgestellt. Die documenta in Kassel, Deutschland, zeigte seine Werke, ebenso das Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, das Stedelijk Museum (Amsterdam), die Tate Gallery (Liverpool) und die Biennale von Venedig.

Chris Burden (1946^[1]-2015^[1]) war ein amerikanischer Künstler, bekannt für seine Performance-, Skulptur- und Installationsarbeiten. Obwohl er vor allem für seine oft gefährlichen und provokanten Performances der 1970er-Jahre bekannt ist, umfasste sein Schaffen auch Druckgrafik, wenngleich Drucke ein weniger bekannter Teil seines Werks sind. Burdens Drucke stehen häufig in Beziehung zu seinen größeren skulpturalen Projekten. Sein Druck *Dodge '71* (1998^[1]) etwa ist eine Lithografie, die einen umgebauten Dodge-Lastwagen zeigt, ein Fahrzeug, das in mehreren seiner Skulpturen zu Technik- und Transportthemen auftauchte. Ein weiterer Druck, *The Velvet Water Tank* (2002), steht in Beziehung zu einer gleichnamigen großformatigen Installation. Diese Drucke sind keine bloßen Reproduktionen; sie fungieren als Erweiterungen seiner skulpturalen Ideen und bieten unterschiedliche Perspektiven auf seine dreidimensionalen Werke. Seine Drucke zeichnen sich durch technische Präzision und einen konzeptuellen Ansatz aus. Burden nutzte die Druckgrafik, um Ideen aus seiner Skulptur weiter zu erforschen, und schuf so Werke, die sowohl visuell überzeugend als auch intellektuell anregend sind.

Chris Burden, ein kalifornischer Performancekünstler und Bildhauer, erkundete in seiner Kunst Gewalt und körperliche Grenzen. Er wollte die Kunst der Elitehaftigkeit entreißen und in das holen, was er als die reale Welt verstand. Manche seiner Aktionen bargen Gefahr und Schmerz. In seiner Performance *Shoot* von 1971^[1] ließ sich Burden von Bruce Dunlap vor einem kleinen Publikum in den Arm schießen. In einem anderen Werk, *Doorway to Heaven* (1973), erdete er stromführende Drähte auf seiner nackten Brust. *Transfixed* von 1974 zeigte ihn in Kreuzigungshaltung an ein Auto genagelt. Burdens Kunst erkundete körperlichen Schmerz und lenkte die Aufmerksamkeit auf den Körper und seine Grenzen. Diese oft extremen Handlungen riefen Vorstellungen von religiösem Ritual, den Grenzen der Kunst und einer Neubewertung des Körpers hervor. Körperlicher Schmerz diente auch dazu, auf weiterreichende politische Anliegen hinzuweisen. Selbst in Praktiken, die nicht ausdrücklich mit Politik verbunden waren, verschwammen die Grenzen zwischen öffentlicher und privater Erfahrung, geprägt vom politischen Klima der Zeit.

Chris Burdens künstlerische Praxis umfasste ein breites Spektrum an Techniken und Materialien und griff häufig auf seinen Hintergrund in industriellen Fertigkeiten zurück. Seine frühen Arbeiten nutzten Metall, darunter Blei, Messing und Aluminium, kombiniert mit Stein und Koralle. Er setzte Gas- und Lichtbogenschweißen ein, angelehnt an Methoden aus dem Lokomotivbau, und legte Wert auf Effizienz beim Erreichen einer funktionalen Form. Burdens Umgang mit Materialien war nicht ästhetisch, sondern funktional geprägt. Er wollte Materialien so effizient wie möglich einsetzen, ähnlich wie beim Lokomotivbau. Werkzeugspuren oder Oberflächendekoration interessierten ihn nicht. Seine Werkstatt glich einer kleinen Fabrik, ausgestattet mit Werkzeugen von derselben Qualität, wie sie in der Industrieproduktion verwendet werden. Seine Erfahrung als Telefonleitungsmonteur, einschließlich Kabelarbeiten und Bleiguss, prägte seine künstlerischen Entscheidungen. Zudem arbeitete er in einer Fabrik, wo er Erfahrung mit Drehbänken, Punktschweißgeräten und Fräsmaschinen sammelte. Dieser Hintergrund floss in seine späteren Konstruktionen ein, für die er wegen ihrer Festigkeit auf Stahl zurückgriff.

Chris Burdens Performance- und Konzeptwerke aus den 1970er-Jahren beeinflussten zahlreiche Künstler, die den Körper als Medium sowie das Verhältnis von Kunst, Körper und Technik erkundeten. Seine Performances, etwa *Shoot* (1971^[1]), inszeniert in der F Space Gallery in Santa Ana, Kalifornien, hatten einen aufsehenerregenden Charakter. Manche Kritiker sahen in *Shoot* ein Sinnbild der Performancekunst insgesamt und verbanden sie mit Brutalität und Selbstverstümmelung. Burdens Auseinandersetzung mit Körper und Technik findet auch im Werk von Künstlern wie Bruce Nauman einen Widerhall, der seinen eigenen Körper in Performance-Sequenzen mit Video- und Audioeffekten einsetzte. Naumans *Self-Portrait as a Fountain* (1966-67/1970) greift das visuelle Wortspiel von Marcel Duchamps *Urinal* auf. Weitere von Burdens Erkundung des Flüchtigen und Entfernten beeinflusste Künstler sind Roni Horn mit *Vatnasafn / Library of Water* (2007) und Michael Heizer mit *Levitated Mass* (2012).

Chris Burdens Werk, insbesondere seine Performancekunst der 1970er-Jahre, lässt sich im Kontext anderer Künstler betrachten, die den Körper als Medium erkundeten. Dazu zählen Vito Acconci, Marina Abramovic, Bruce Nauman und Gina Pane. Burdens Praxis steht auch in Beziehung zur Konzeptkunst, die laut Scott Burton Künstler von traditionellen Zwängen wie Malerei oder Skulptur befreite. Burton sah in der Konzeptkunst eine Möglichkeit für sein eigenes Werk und fühlte sich minimalistischen Künstlern wie Judd, Lewitt und Andre verpflichtet. Weitere Künstler, die sich in dieser Zeit mit zeitbasierter und körperbezogener Kunst befassten, sind Hans Haacke, Walter De Maria, Nancy Holt, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, Günter Brus, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, Adrian Piper und Martha Rosier. Auch Marcel Duchamps Werk, insbesondere seine „Tonsure“, wirkte sich auf Künstler aus, die sich mit Körperkunst befassten.

Chris Burden wird der Konzeptkunst zugerechnet, die Ende der 1960er- und Anfang der 1970er-Jahre an Bedeutung gewann. Konzeptkünstler waren der Auffassung, dass die zentrale Idee eines Werks wichtiger sei als ein fertiges Produkt. Manche verzichteten sogar ganz auf das Kunstobjekt. Wie Sol LeWitt erklärte: „Die Idee selbst ist, auch wenn sie nicht sichtbar gemacht wird, ebenso sehr ein Kunstwerk wie jedes fertige Produkt.“ Konzeptkunst ist ein Sammelbegriff. Er umfasst unterschiedliche Bewegungen, die weder Malerei noch Skulptur sind. Er betont das Denken des Künstlers, nicht die Bearbeitung von Materialien. Jede Handlung oder jeder Gedanke kann als Konzeptkunst gelten, solange die Idee und nicht das Kunstobjekt im Vordergrund steht. Burdens Werk umfasste risikoreiche Handlungen. Ein Beispiel ist, als er sich von einem Freund mit einem Kaliber-.22-Gewehr in den Arm schießen ließ. Solche Arbeiten stellten anerkannte Definitionen von Kunst infrage.

Chris Burden war ein amerikanischer Künstler, der der Konzeptkunst zugerechnet wird, die in den späten 1960er- und frühen 1970er-Jahren an Bedeutung gewann. Konzeptkünstler waren der Ansicht, dass die Idee hinter einem Werk wichtiger sei als das Objekt selbst; Burden erkundete dies durch Performance und Skulptur. Seine Arbeiten waren häufig von Risiko und körperlicher Ausdauer geprägt. Um Gewalt zu „erkunden“, ließ er sich einmal vor Publikum in einer Galerie in Los Angeles von einem Freund mit einem Gewehr des Kalibers .22 in den Arm schießen. In einer anderen Arbeit, „Doorway to Heaven“ (1973^[1]), erdete er stromführende Drähte an seiner nackten Brust und erzeugte so ein Funkenspiel. Die Konzeptkunst umfasst vielfältige Medien, darunter Performance, Video, Land Art und Text. Zu den weiteren Konzeptkünstlern zählen Joseph Beuys, Sol LeWitt und Bruce Nauman.