Dove vedere Chris Burden

Le opere di Chris Burden sono state incluse in numerose mostre collettive presso istituzioni di tutto il mondo. Negli Stati Uniti sono state esposte al Museum of Modern Art, al Whitney Museum of American^[1] Art e all’Hirshhorn Museum and Sculpture Garden dello Smithsonian Institution a Washington, D.C. Altre sedi comprendono il Los Angeles County Museum of Art, il Seattle Art Museum, l’Indianapolis Museum of Art e l’Albright-Knox Art Gallery di Buffalo, New York. L’arte di Burden è stata esposta anche a livello internazionale. Documenta a Kassel, in Germania, ha presentato le sue opere, così come il Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, lo Stedelijk Museum di Amsterdam, la Tate Gallery di Liverpool e la Biennale di Venezia.

Chris Burden (1946^[1]-2015^[1]) fu un artista statunitense noto per le sue performance, sculture e installazioni. È ricordato soprattutto per le performance spesso pericolose e provocatorie degli anni 1970^[1], ma la sua pratica comprendeva anche la stampa, un aspetto meno noto della sua produzione. Le sue stampe sono spesso collegate a progetti scultorei più ampi. Per esempio, la sua stampa *Dodge ’71* (1998) è una litografia che raffigura un camion Dodge modificato, veicolo presente in diverse sculture dedicate all’ingegneria e ai trasporti. Un’altra stampa, *The Velvet Water Tank* (2002), è legata a un’installazione di grandi dimensioni con lo stesso nome. Non sono semplici riproduzioni, ma estensioni delle sue idee scultoree che offrono prospettive diverse sulle opere tridimensionali. Le sue stampe si distinguono per precisione tecnica e approccio concettuale. Burden usò la stampa per approfondire le idee presenti nelle sue sculture, creando opere visivamente coinvolgenti e intellettualmente stimolanti.

Chris Burden, artista performativo e scultore californiano, esplorò la violenza e i limiti fisici nella sua arte. Voleva sottrarre l’arte all’elitarismo e portarla in ciò che considerava il mondo reale. Alcune sue azioni comportavano pericolo e dolore. Nella performance del 1971^[1] *Shoot*, Burden si fece sparare al braccio da Bruce Dunlap davanti a un piccolo pubblico. In *Doorway to Heaven* (1973) collegò fili elettrici sotto tensione al petto nudo. *Transfixed*, del 1974, lo vedeva inchiodato a un’auto in una posa di crocifissione. La sua arte esplorava il dolore fisico e richiamava l’attenzione sul corpo e sui suoi limiti. Questi atti spesso estremi evocavano temi quali il rituale religioso, i confini dell’arte e un riesame del corpo. Il dolore fisico serviva anche a indicare questioni politiche più ampie. Persino nelle pratiche non esplicitamente politiche, il clima politico complicava i confini tra esperienza pubblica e privata.

La pratica artistica di Chris Burden comprendeva un’ampia gamma di tecniche e materiali, spesso con elementi legati alla sua esperienza nelle abilità industriali. Nei primi lavori usò metalli, tra cui piombo, ottone e alluminio, insieme a pietra e corallo. Usava la saldatura a gas e ad arco, riprendendo i metodi della costruzione di locomotive e privilegiando l’efficienza nel raggiungere una forma funzionale. Il suo approccio ai materiali era funzionale, non estetico. Mirava a impiegarli nel modo più efficiente possibile, come nella costruzione di locomotive. Non era interessato ai segni degli utensili o alla decorazione delle superfici. La sua officina somigliava a una piccola fabbrica, attrezzata con strumenti della stessa qualità di quelli usati nella produzione industriale. L’esperienza come addetto alle linee telefoniche, compresi il cablaggio e la fusione del piombo, influenzò le sue scelte artistiche. Lavorò anche in fabbrica, acquisendo esperienza con torni, saldatrici a punti e fresatrici. Questo percorso influenzò le costruzioni successive, in cui si rivolse all’acciaio per la sua resistenza.

Le opere performative e concettuali di Chris Burden degli anni 1970^[1] influenzarono numerosi artisti che esploravano il corpo come mezzo espressivo e il rapporto tra arte, corpo e tecnologia. Le sue performance, come *Shoot* (1971), messa in scena alla F Space Gallery di Santa Ana, in California, ebbero un carattere sensazionale. Secondo alcuni critici, *Shoot* esemplificava la performance art in generale, associandola alla brutalità e all’automutilazione. Le ricerche di Burden sul corpo e sulla tecnologia si ritrovano anche nell’opera di artisti come Bruce Nauman, che usò il proprio corpo in sequenze performative con effetti video e audio. *Self-Portrait as a Fountain* (1966-67/1970) di Nauman riprende i giochi visivi di *Urinal* di Marcel Duchamp. Tra gli altri artisti influenzati dalle esplorazioni di Burden sull’effimero e sul remoto figurano Roni Horn, con *Vatnasafn / Library of Water* (2007), e Michael Heizer, con *Levitated Mass* (2012).

Le opere di Chris Burden, in particolare le sue performance degli anni 1970^[1], si possono considerare nel contesto di altri artisti che esploravano il corpo come mezzo espressivo: Vito Acconci, Marina Abramovic, Bruce Nauman e Gina Pane. La sua pratica è legata anche all’arte concettuale che, secondo Scott Burton, liberò gli artisti dai vincoli tradizionali della pittura e della scultura. Burton riteneva che l’arte concettuale avesse reso possibile il proprio lavoro e si sentiva debitore verso artisti minimalisti come Judd, Lewitt e Andre. Tra gli altri artisti che in quel periodo si dedicarono all’arte basata sul tempo e sul corpo figurano Hans Haacke, Walter De Maria, Nancy Holt, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, Günter Brus, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, Adrian Piper e Martha Rosier. Anche l’opera di Marcel Duchamp, in particolare «Tonsure», influenzò gli artisti che esploravano la body art.

Chris Burden è associato all’arte concettuale, che prese piede tra la fine degli anni 1960^[1] e l’inizio degli anni 1970. Gli artisti concettuali ritenevano che l’idea alla base dell’opera fosse più importante del prodotto finito. Alcuni eliminavano del tutto l’oggetto artistico. Come affermò Sol LeWitt: «L’idea stessa, anche se non viene resa visibile, è un’opera d’arte quanto qualsiasi prodotto finito». Arte concettuale è un termine ombrello che comprende correnti diverse, non riconducibili né alla pittura né alla scultura. Sottolinea il pensiero dell’artista, non la manipolazione dei materiali. Qualsiasi azione o pensiero può essere arte concettuale, purché l’idea, e non l’oggetto artistico, sia centrale. Le opere di Burden comportavano attività rischiose. In un’occasione, per esempio, un amico gli sparò al braccio con un fucile calibro .22. Opere simili mettevano in discussione le definizioni accettate di arte.

Chris Burden fu un artista americano associato all’arte concettuale, che si affermò alla fine degli anni 1960^[1] e all’inizio degli anni 1970. Gli artisti concettuali ritenevano che l’idea alla base di un’opera fosse più importante dell’oggetto; Burden esplorò questo principio attraverso performance e scultura. Le sue opere implicavano spesso rischio e resistenza fisica. Per «esplorare» la violenza, una volta si fece sparare al braccio da un amico con un fucile calibro .22 davanti al pubblico di una galleria di Los Angeles. In un’altra opera, «Doorway to Heaven» (1973), collegò cavi elettrici sotto tensione al petto nudo, creando uno spettacolo di scintille. L’arte concettuale comprende media diversi, tra cui performance, video, arte ambientale e testo. Altri artisti concettuali sono Joseph Beuys, Sol LeWitt e Bruce Nauman.