Wo man Charles Lapicque sehen kann

Charles Lapicques Werk ist in mehreren Museen zu sehen. In Frankreich zählen dazu das Musée des Arts Décoratifs (Paris), das Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou (Paris), das Musée d'Orsay (Paris), das Musée du Petit Palais (Paris), das Musée des Beaux-Arts (Nancy), das Musée de l'École de Nancy (Nancy), das Musée d'Art et d'Industrie (Saint-Étienne), das Musée des Beaux-Arts (Rouen), das Musée des Beaux-Arts (Lille), das Musée des Beaux-Arts (Dijon) und das Musée des Augustins (Toulouse). Weitere europäische Standorte sind das Brangwyn Museum (Brügge, Belgien) und das Clockarium Museum (Brüssel, Belgien). In den Vereinigten Staaten ist sein Werk im Metropolitan Museum of Art (New York), im Museum of Modern Art (New York), im Los Angeles County Museum of Art, im Minneapolis Institute of Arts, im Charles Hosmer Morse Museum of American Art (Winter Park, Florida) und im Wolfsonian an der Florida International University (Miami Beach) zu sehen.

Charles Lapicque (1898^[1]–1988^[1]) war ein französischer Künstler, bekannt für seine Beiträge zur Entwicklung der Abstraktion nach dem Zweiten Weltkrieg. Obwohl er vor allem Maler war, schuf er auch Drucke, darunter Lithografien und Radierungen. Lapicque wurde zunächst als Wissenschaftler ausgebildet und erwarb einen Ingenieurabschluss, bevor er sich der Kunst zuwandte. Dieser Hintergrund prägte seinen künstlerischen Ansatz; er verband seine Kompositionen häufig mit mathematischen und naturwissenschaftlichen Konzepten. Seine Drucke zeigen oft kräftige Linien, vereinfachte Formen und einen unverwechselbaren Farbeinsatz. Seine Drucke sind meist keine direkten Reproduktionen seiner Gemälde. Stattdessen erkunden sie ähnliche Themen und Motive in einem Medium, das Experimente mit Linie und Struktur erlaubte. Zu den zentralen Themen zählen das Meer, die Mythologie und die menschliche Figur. Die Drucke bieten einen zugänglicheren Einstieg in Lapicques künstlerische Vision und ergänzen seine größeren Gemälde. Sie zeigen sein Interesse am Wechselspiel zwischen Gegenständlichkeit und Abstraktion.

Auch wenn Charles Lapicque nicht weithin bekannt ist, bietet sein Werk eine Perspektive auf die französische Kunst der Mitte des 20. Jahrhunderts. 1898^[1] geboren, ließ sich Lapicque zunächst zum Wissenschaftler ausbilden, bevor er sich der Malerei zuwandte. Lapicques künstlerische Laufbahn gewann nach dem Zweiten Weltkrieg an Fahrt. Sein Stil bezog Elemente des Kubismus und des Fauvismus ein, häufig mit kräftigen Farben und verzerrten Formen. Er entwickelte einen persönlichen Zugang zur Abstraktion, der ihn von manchen seiner Zeitgenossen unterscheidet. Lapicque schrieb auch über Kunsttheorie; seine Ideen geben Einblick in seinen kreativen Prozess. Seine Schriften und Gemälde lassen sich als Beiträge zum breiteren Diskurs über Abstraktion und Figuration in der französischen Kunst der Nachkriegszeit verstehen. Er starb 1988^[1].

Charles Lapicques künstlerischer Ansatz war geprägt von einer Rücksichtnahme auf die inhärenten Eigenschaften seiner gewählten Materialien. Die formalen Möglichkeiten und Grenzen eines Mediums standen im Zentrum seiner Praxis. Lapicque verstand, wie andere Künstler auch, dass die Wahl eines Materials die Natur des fertigen Werks weitgehend bestimmt. Unterschiedliche Materialien wie Öl, Tempera oder Aquarell erzeugen selbst bei gleichem Pigment unterschiedliche Wirkungen. Ebenso bieten Zeichenmaterialien wie Bleistift, Kohle oder Kreide je eigene Ausdrucksmöglichkeiten. Der Umgang des Künstlers mit dem Material verändert das Endergebnis zusätzlich. Das futuristische Konzept der Faktura, das den Eigenwert eines Materials als bestimmenden Faktor für Form und Bedeutung betont, könnte Lapicque beeinflusst haben. Dieser Ansatz schätzt das im Material selbst angelegte Ausdruckspotenzial. Die Konsistenz der Farbe und die Ausrichtung des Pinselstrichs erzeugen die „Realität“ eines Werks.

Charles Lapicques künstlerische Verbindungen sind vielschichtig. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wandte sich Francis Picabia, beeinflusst von Künstlern wie Léger, vom Impressionismus dem Kubismus zu. Picabia bildete zusammen mit Albert Gleizes, Jean Metzinger und anderen eine locker organisierte Gruppe, die als Puteaux-Künstler bekannt wurde. Sie trafen sich in Ateliers und Cafés und diskutierten über Kunst, Wissenschaft und Philosophie. Guillaume Apollinaire, ein Kritiker und Dichter, unterstützte diese Künstler und machte den Kubismus bekannt. Léger, zunächst vom Kubismus beeinflusst, entwickelte seinen eigenen Stil. Er schätzte Linie und Form, im Gegensatz zu Delaunay, der sich auf Farbe konzentrierte. Léger empfand Delaunays Stil als ungeeignet für großformatige Gemälde. Trotz dieser Unterschiede strebten sowohl Léger als auch Delaunay, ebenso wie Picasso und Braque, eine strukturelle Kunst an. Légers dynamischer Stil brach mit der traditionellen Perspektive und ermöglichte es ihm, seine Kunst der modernen Gesellschaft anzupassen. Picabia, obwohl einflussreich beim Entstehen des Surrealismus, lehnte ihn später ab. Seine dadaistische Haltung bedeutete, dass er sich gegen Kategorisierung oder Beeinflussung wehrte.

Charles Lapicques künstlerische Entwicklung vollzog sich in einem von verschiedenen Persönlichkeiten und Bewegungen geprägten Umfeld. Das Werk von Étienne-Jules Marey mit seinen chronofotografischen Bewegungsstudien bot eine Möglichkeit, aufeinanderfolgende Bewegungsphasen auf einer zweidimensionalen Fläche festzuhalten. Mareys analytischer Ansatz, der Bewegung in unstetige Elemente zerlegte, fand Resonanz in Künstlerkreisen. František Kupka erkundete mit seinem Interesse am Orphismus und an Glasmalerei die „schwindelerregende Musikalität der Farbe“. Kupka war bestrebt, die Spiritualität des Lichts durch geometrische Elemente einzufangen, ein Ansatz, der sich gegen dreidimensionale Darstellung sperrte. Er glaubte zudem daran, mathematische Berechnung auf die Kunst anzuwenden, und nutzte dabei den Goldenen Schnitt. Diese Einflüsse verweisen auf ein Umfeld, in dem sich Künstler mit wissenschaftlichen Konzepten auseinandersetzten, die Darstellung von Bewegung erkundeten und das Ausdruckspotenzial von Farbe und Form untersuchten.

Es ist schwierig, ein einzelnes „berühmtestes Werk“ von Charles Lapicque zu benennen, doch mehrere Werke sind gut dokumentiert. Lapicque ist für seine Verbindung zur École de Paris bekannt, und sein Werk durchlief verschiedene Stile. Er beschäftigte sich mit dem Kubismus und entwickelte später eine eigenständige Form der Figuration. Zu seinen bemerkenswerten Gemälden zählt *Combat naval* (Seeschlacht), das sein Interesse an wissenschaftlichen Themen widerspiegelt, insbesondere Optik und Farbtheorie. Sein Schaffen umfasst auch *Nature morte marine* (Marines Stillleben) sowie verschiedene Porträts und Figurenstudien. Um festzustellen, welches Werk tatsächlich sein „berühmtestes“ ist, müsste man die kritische Rezeption, die Ausstellungsgeschichte und die öffentliche Anerkennung analysieren, doch diese Beispiele bieten einen Ausgangspunkt, um seine künstlerischen Leistungen zu erkunden.

Charles Lapicques künstlerische Zugehörigkeiten sind komplex und entziehen sich einer einfachen Einordnung. Seine Erkundung von Bewegung und Form steht in Beziehung zum Werk František Kupkas; beide Künstler interessierten sich dafür, Bewegung auf der Leinwand einzufangen. Kupkas Notizen aus der Zeit um 1912^[1] halten fest, Bewegung sei eine Abfolge unterschiedlicher Positionen im Raum. Er versuchte zudem, „mehrere aufeinanderfolgende Bewegungen einzufangen“. Diese Ideen stehen im Einklang mit den chronofotografischen Studien von Étienne-Jules Marey. Mareys Arbeit nutzte analytische Bilder, um den Anschein von Bewegung zu rekonstruieren. Auch wenn diese Einflüsse an Kubismus und Futurismus rühren, ordnete sich Lapicque keiner der beiden Bewegungen vollständig zu. Manche Wissenschaftler ordnen ihn der Nouvelle École de Paris (Neuen Schule von Paris) zu, einer Bewegung nach dem Zweiten Weltkrieg, die sich von der Abstraktion abwandte, doch diese Einordnung bleibt umstritten.