Dónde ver a Emily Kame Kngwarreye

Emily Kame Kngwarreye (c.1910^[1]-1996^[1]) es una figura destacada del arte australiano. Una razón es que sus pinturas cuestionan las convenciones del arte occidental. Su estilo abstracto invita a compararlo con la abstracción occidental, pero su obra está arraigada en su herencia cultural. Sus pinturas encarnan «mi país, mi sueño, mi historia» y representan literalmente su territorio y su ser. Cuando le preguntaron si ella las pintaba, respondió que no, porque eran «mi país, mi sueño, mi historia». También es importante porque su arte surgió durante un cambio en el mundo artístico, que llevó el arte aborigen de los contextos etnográficos a las galerías de bellas artes. Este proceso exigió superar la corrección política y reconocer las relaciones transculturales que han transformado el arte aborigen desde la colonización. El arte de Kngwarreye exige una agencia relacional que reconozca y valore a todos los participantes y contextos culturales. Su obra pone de relieve la interrelación de las diferencias, un rasgo clave del discurso artístico contemporáneo, y ofrece un espacio donde diferencias antes inconmensurables se ponen en relación.

El arte de Emily Kame Kngwarreye se apartó de los estilos establecidos de punteado abstracto. Otras artistas indígenas también siguieron esa dirección en el mundo artístico australiano entre principios y mediados de la década de 1990^[1]. Pantjiti Mary McLean es una de ellas. Su obra, como la de Kngwarreye, reflejaba una madurez de estilo que no se ceñía a las convenciones de su época. McLean comparte con Kngwarreye y Tjapartji Bates una energía autónoma y exuberante. Esta parece encarnar la naturaleza misma; no es una concepción romántica de la naturaleza, sino una en la que la naturaleza está constituida por información. La obra de Bates pasa de representaciones icónicas del territorio a una marca más idiosincrásica que repite signos para cambiar su énfasis. Cuando visitó a McLean en Kalgoorlie en 1993, ella también se adentró en la figuración y pintó junto a ella como parte del programa de Searles. Estas artistas comparten un sentido del ritmo, en el que las tipologías animales contienen las diferencias e identidades de sus propias marcas.

El desarrollo artístico de Emily Kame Kngwarreye tuvo lugar en un contexto cultural singular. Aunque se han establecido comparaciones entre sus obras y las de artistas del expresionismo abstracto como Tony Tuckson, Kngwarreye no reconocía esos vínculos. Cuando los comisarios intentaron relacionar el trazo de Tuckson con su obra, ella respondió que él «no tenía historia. Ni sueños». Solo veía una colección de marcas sin sentido, pues las pinturas de Tuckson no narraban una historia ancestral. Las pinturas de Kngwarreye no eran imágenes de su tierra: eran la manifestación literal de su ser. Para ella, pintar sobre lienzo era como celebrar una ceremonia, con cantos, y una forma de conectar con su antepasada Alhalkere. Cuando terminaba la representación pictórica, el trabajo estaba hecho. Otras influencias fueron los viajes artísticos con Searles en 1996^[1], 1998 y 2002, justo cuando los materiales de pintura empezaban a estar más disponibles para los artistas. La pintura figurativa de Thelma McLean también pudo influirla. Su obra alude a las pinturas rupestres de Uluru y las Musgrave Ranges y sitúa su trabajo dentro de una continuidad de cultura visual.

Es difícil señalar una sola obra como la «más famosa» de Emily Kame Kngwarreye. Está considerada una de las artistas indígenas más aclamadas de las comunidades remotas de Australia. Empezó a pintar sobre lienzo relativamente tarde, en torno a los 80 años. Sus obras solían estar vinculadas a su territorio, su sueño y su historia; no eran imágenes representativas de su territorio, sino manifestaciones de su ser. Cuando le preguntaron si pintaba sus obras, respondió que no: eran su territorio, su sueño y su historia. Kngwarreye recibió en 1989^[1] la Australian^[1] Artists Creative Fellowship, más tarde conocida como «the Keatings». En 1993, después de recoger el premio en Canberra, la llevaron a la Art Gallery of New South Wales. Allí, los conservadores esperaban que conectara con una pintura del expresionista abstracto Tony Tuckson. Sin embargo, Kngwarreye estaba preocupada por sus perros enfermos en Utopia y quería volver a casa. Cuando alguien le explicó el proceso pictórico de Tuckson, Kngwarreye respondió que él «no tenía historia ni sueño».

Emily Kame Kngwarreye (c.1910^[1]-1996^[1]) fue una artista aborigen australiana de la comunidad de Utopia, en el Northern Territory. Aunque algunos han relacionado su obra con el expresionismo abstracto, esta es una interpretación del mundo artístico occidental. Kngwarreye no se identificaba con las técnicas ni las intenciones del expresionismo abstracto. Sus pinturas estaban profundamente vinculadas a su patrimonio cultural, su territorio, el dreaming y su historia personal. Para ella, pintar era como realizar una ceremonia; la conectaba con su antepasado Alhalkere. Las marcas en el lienzo eran menos importantes que el acto de invocar una narración ancestral. Cuando le preguntaban por el significado de sus obras, decía: «Mi país, mi dreaming, mi historia». Esto era más que el tema del cuadro: era una manifestación literal de su ser. El arte de Kngwarreye surgió en un periodo en el que el arte aborigen empezaba a ser reconocido fuera de los círculos antropológicos. Su obra, junto con la de otras artistas indígenas, se apartó del estilo establecido de pintura de puntos. Sus pinturas poseen una energía autónoma que encarna la propia naturaleza.

Emily Kame Kngwarreye (c. 1910^[1]-1996^[1]) fue una artista aborigen australiana de la comunidad de Utopia, en el Territorio del Norte. Está considerada una de las artistas contemporáneas más importantes de Australia. Las pinturas de Kngwarreye están vinculadas a su herencia cultural y a su territorio. Cuando le preguntaban por el significado de sus obras, decía: «Mi territorio, mi sueño, mi historia». La frase indica que sus pinturas eran más que simples representaciones: eran manifestaciones literales de su territorio y de su ser. Para Kngwarreye, pintar era una actuación, como una ceremonia que la conectaba con su antepasada Alhalkere. El acto de pintar, a menudo acompañado de cantos, concluía cuando ella terminaba. Su ascenso en el mundo del arte se produjo en un periodo en el que se intentaba distinguir el arte aborigen de las interpretaciones antropológicas. Kngwarreye recibió la Australian^[1] Artists Creative Fellowship en 1993^[1].

Emily Kame Kngwarreye es considerada la artista indígena de zonas remotas más aclamada de Australia. En los ocho años anteriores a su muerte produjo unos 3,000 lienzos. Su obra se ha expuesto en la Bienal de Venecia y en la Tate Modern.

Las primeras obras acrílicas de Emily Kame Kngwarreye presentaban densos patrones de puntos que recordaban la pintura corporal ceremonial Anmatyerr. Más adelante, sus obras dieron paso a amplias franjas gestuales. Algunas galerías occidentales han comparado su trabajo con el expresionismo abstracto.