Dónde ver a Billy Apple

Las obras de Billy Apple se han expuesto en distintos lugares del mundo, tanto en exposiciones individuales dedicadas a su trabajo como en muestras colectivas con una selección de piezas. Entre las sedes destacadas figura la Serpentine Gallery de Londres, que organizó una exposición individual en 1974^[2]. Más recientemente, en 2015-2016^[2], la Auckland Art Gallery Toi o Tāmaki presentó «Billy Apple: The Artist Has to Live Like Everybody Else», una importante retrospectiva de su carrera. Sus obras también han aparecido en exposiciones colectivas de instituciones como el Museum of Modern Art de Nueva York. Además, forman parte de numerosas colecciones públicas y privadas. Consultar los catálogos en línea de los grandes museos o buscar en bases de datos de arte puede ofrecer información sobre exposiciones actuales o futuras que incluyan su obra. También se puede consultar la página del artista o contactar con las galerías que representan su legado para obtener más detalles sobre dónde verla.

Al considerar las estampas de Billy Apple, conviene tener presente la diferencia entre una estampa original y una reproducción. Una estampa original se concibe como tal y se realiza únicamente como estampa; suele formar parte de una edición numerada y firmada. Cada ejemplar se entinta y estampa por separado: es un «medio multi-original». El artista decide el número de ejemplares de la edición. La numeración identifica las estampas; por ejemplo, 12/25 significa que es el ejemplar número 12 de una edición de 25. Las estampas antiguas no siempre estaban numeradas ni firmadas. Una reproducción es una copia de una obra concebida originalmente en otro medio, como la pintura. Por lo general se crea mediante métodos fotomecánicos. Numerar o firmar una reproducción no la convierte en una estampa original. Los grabadores suelen seguir ciertas convenciones: el número de edición abajo a la izquierda, el título en el centro y la firma a la derecha, todo a lápiz. Estas indicaciones añaden valor si se respetan.

El arte de Billy Apple cuestionaba la originalidad, la autoría y el comercio, temas que siguen vigentes. Surgido en el Pop Art^[2] de los años 1960^[2], Apple, nacido como Barrie Bates, cambió su nombre en 1962 y lo convirtió en una marca registrada. El gesto desdibujó los límites entre arte y vida y cuestionó la identidad artística convencional. Su obra abordó directamente el mercado. Creó esculturas con letreros de neón de cerveza y vendió obras como mercancías, anticipándose a debates posteriores sobre la mercantilización del arte. Su práctica llegó a «vender» partes de su cuerpo y a registrar su identidad personal como marca. Estas acciones criticaban la relación del mundo del arte con el comercio. Su enfoque conceptual, unido a su interés por los negocios, anticipó estrategias artísticas posteriores. Su obra sigue siendo pertinente porque cuestionó las fronteras entre arte, comercio e identidad, asuntos que aún moldean las prácticas artísticas contemporáneas.

Billy Apple, nacido Barrie Bates, trabajó con diversos medios a lo largo de su carrera. Empezó como diseñador gráfico y sus primeros trabajos incluyeron esculturas y serigrafías. En los años 1960^[2] exploró el arte de neón. Un ejemplo es *Apple Sees Red: 5 Beams* (1968), realizada con tubos de neón rojo. A menudo incorporaba el nombre y el logotipo Apple en sus piezas, difuminando la frontera entre el arte y el comercio. Más adelante, Apple se dedicó a obras más conceptuales y performativas, entre ellas el arte corporal, como la serie *Body Apple* (1969), en la que se tatuó la piel. También creó obras con saliva, sangre y otros fluidos corporales. Colaboró a menudo con científicos e investigadores, especialmente en su obra tardía. Este enfoque interdisciplinar dio lugar a piezas que exploraban conceptos científicos. Un ejemplo es su trabajo con el ADN, como *DNA Signature* (2007), que visualiza su código genético. Su práctica cuestionó sistemáticamente la naturaleza del arte, la identidad y el propio mercado del arte.

Es difícil nombrar artistas concretos influidos directamente por Billy Apple. El concepto de influencia artística es complejo; algunos críticos lo consideran una táctica de marketing. Identificar una influencia puede servir para declarar quién llegó primero y, por tanto, quién fue «el más grande». Tras la muerte de Marcel Duchamp, algunos historiadores del arte sostuvieron que el arte contemporáneo tenía raíces propias, independientes de Duchamp y del dadaísmo europeo. Consideraban que había presión para reconocer a Duchamp como precursor, incluso cuando a algunos artistas no les interesaba especialmente su obra. Figuras como Robert Rauschenberg se inspiraron en artistas anteriores, como Kurt Schwitters. Rauschenberg dijo que Schwitters «lo hizo todo solo para mí». Del mismo modo, Richard Hamilton y James Rosenquist utilizaron publicaciones de los medios de masas como material de partida para el pop art. Algunos artistas rechazaron la etiqueta de neodadaísmo por considerarla despectiva. El espíritu dadá se trasladó a otros contextos, pero sus rasgos no siempre fueron bien recibidos por los artistas posteriores.

Como muchos artistas, Billy Apple recibió influencias de diversas fuentes. Al principio conoció el cubismo analítico, especialmente la obra de Braque y Picasso. También estudió los primeros trabajos de Kandinsky y Miró y analizó sus estructuras. Se interesó además por Matisse y Mondrian, aunque inicialmente le influyó más el dibujo cubista. Más adelante encontró inspiración en los artistas de la New York School. Pollock, de Kooning y Rothko se volvieron figuras importantes para él hacia 1950^[2]-51. En 1951 vio en el Whitney la exposición de Gorky, que incluía *Agony* y *The Liver Is the Cock's Comb*. También vio obras de Pollock de los años 1940, así como sus pinturas posteriores con esmalte. Las obras de Still, Rothko y Newman en la galería de Betty Parsons influyeron también en su sentido de la escala. Conocía personalmente a algunos de esos artistas, entre ellos Gottlieb, Stamos, Reinhardt y Baziotes. También le intrigaban los Veils y Unfurleds de Louis y los blancos y chevrones de Noland.

Es difícil señalar una única «obra más famosa» de Billy Apple, ya que su práctica abarcó varias décadas y diversos medios. Es conocido por su participación en el movimiento del arte conceptual y por su interés en la marca y en el propio mercado del arte. Al principio cambió su nombre a «Billy Apple» y lo registró como marca. En 1969^[2] abrió «Apple», una galería en Nueva York. Su práctica incorporó a menudo neón, fotografía y grabado. Creó series de obras que exploraban el intercambio comercial, la identidad y el papel del artista. Más adelante desarrolló «The Immortalisation of Billy Apple», un proyecto que implicaba conservar criogénicamente su cuerpo tras su muerte. Esta obra performativa prolongó su exploración de la identidad, la mercantilización y los límites del arte.

Billy Apple, nacido Barrie Bates en Auckland, Nueva Zelanda, en 1935^[2], está asociado al Pop Art^[2] y al arte conceptual. Cambió de nombre en 1962^[2], coincidiendo con su interés artístico por la construcción de su propia persona. Su obra suele incorporar su nombre y logotipo, difuminando los límites entre arte, comercio e identidad. Sus primeros trabajos, realizados en Londres y después en Nueva York, abordaron el interés del Pop Art por los bienes de consumo y la publicidad. Creó esculturas e instalaciones con neón, cromo y otros materiales industriales. En 1969 Apple cofundó Apple Art, una galería sin ánimo de lucro que aplicaba una comisión del quince por ciento. Esta iniciativa reflejaba su creciente interés por el mercado del arte como tema. Más tarde se adentró aún más en el arte conceptual, explorando la marca, la identidad corporativa y la mercantilización del artista. A menudo examina las estructuras jurídicas y económicas del mundo del arte. Su práctica incluye intervenciones en espacios públicos y colaboraciones con artistas y empresas. Murió en 2021^[2].