Il rococò emerse a Parigi intorno al 1720 come reazione alla pesante formalità della corte di Louis XIV. Là dove il barocco imponeva obbedienza attraverso la scala e la severità, il rococò proponeva piacere, arguzia e una deliberata leggerezza di tocco. Il movimento prese il nome da rocaille, l’ornamentazione di conchiglie e ciottoli presente nelle grotte dei giardini francesi. I soggetti tendevano all’intimo e al teatrale. Gli aristocratici si riunivano in parchi per feste galanti. Le scene mitologiche scambiavano la solennità con il flirt. La tavolozza abbandonò i toni scuri del barocco per passare a rosa gessosi, azzurri cipria e creme dorate. Il rococò non rivendicò mai una serietà morale. I critici lo accusavano di frivolezza. Eppure i migliori pittori rococò conferirono autentica profondità psicologica alle scene di svago e autentica bravura tecnica alla resa della luce, dei tessuti e della pelle. Il movimento dominò in Francia, Italia, negli stati tedeschi e in Inghilterra, prima di essere soppiantato dal neoclassicismo negli anni 1780.
Watteau inventò un genere per il quale l’Accademia francese non aveva un nome. Nel 1717 i suoi dipinti di figure elegantemente vestite in parchi dall’atmosfera sognante ottennero la nuova classificazione di fête galante. Divennero il soggetto distintivo della pittura rococò.
Il rococò trattava la decorazione come una posizione filosofica. Volute asimmetriche, motivi a conchiglia e tonalità pastello sostituirono la simmetria rigida e la cupa grandiosità degli interni barocchi. Fu un rifiuto consapevole dell'estetica di Versailles di Louis XIV.
La pittura rococò riportò il corpo umano al centro dell'arte europea, ma in modo diverso dall'idealismo rinascimentale. I nudi mitologici di Boucher erano apertamente erotici. Le composizioni di Fragonard trasformavano il voyeurismo in un gioco.
I dipinti si ridussero per adattarsi a salotti e boudoir anziché sale del trono. Madame de Pompadour commissionò opere per i suoi appartamenti privati. La scala intima richiedeva uno sguardo nuovo, ravvicinato e attento.
A Venezia Tiepolo tradusse la leggerezza rococò in vasti affreschi sui soffitti. In Inghilterra Gainsborough ammorbidì i ritratti ufficiali con una pennellata soffice e vaporosa. Negli stati tedeschi il rococò raggiunse la sua espressione più esuberante negli interni di chiese come la Wieskirche, in Baviera.
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Opere fondamentali che hanno plasmato il movimento.
La presentazione di Watteau all’Accademia portò alla creazione della categoria della fête galante. Coppie in abiti di seta si riuniscono su una collina boscosa. La composizione scorre da destra a sinistra con qualità cinematografica. L’atmosfera resta sospesa tra gioia e perdita.
Una giovane donna con un vaporoso abito rosa scalcia via la scarpetta mentre un ammiratore nascosto la osserva dal basso. Fragonard trasformò la battuta piccante di un mecenate in una lezione magistrale di colore, movimento e luce. Il fogliame prorompe in rapide pennellate che anticipano l’impressionismo.
L'affresco sul soffitto di Tiepolo nella Residenz di Wurzburg copre oltre 600 metri quadrati. Apollo attraversa il cielo aperto sul suo carro, mentre figure allegoriche popolano i bordi. La composizione è progettata in modo che i visitatori che salgono la scalinata vedano svolgersi in sequenza diversi gruppi narrativi.
Il ritratto a figura intera di Gainsborough era in parte un omaggio a Van Dyck e in parte una sfida a Reynolds, che aveva sostenuto che il blu non dovesse mai dominare una composizione. La pennellata piumata di Gainsborough conferì al ritratto rococò una sensibilità decisamente inglese.
L'ultimo grande ritratto rococò di una figura regnante. Marie Antoinette indossa l'intero apparato dell'abito di corte. Vigee Le Brun addolcì i tratti della regina con un calore rosato, rendendola più avvenente senza falsificarne l'aspetto. Fu completato sei anni prima che la Rivoluzione ponesse fine al mondo che aveva sostenuto il movimento.
Louis XIV morì nel 1715 dopo 72 anni sul trono. La Reggenza portò un rapido allentamento delle regole. Gli aristocratici parigini abbandonarono Versailles per le dimore cittadine, decorate in un nuovo stile di linee curve, colori pallidi e dipinti più piccoli. Questo passaggio dal pubblico al privato creò le condizioni per il Rococò.
Antoine Watteau arrivò a Parigi da Valenciennes intorno al 1702. I suoi dipinti di figure in costume in giardini immaginari attingevano al paesaggio fiammingo, al colore veneziano e alla commedia italiana. Quando l’Accademia lo accolse nel 1717, creò per le sue opere la categoria di fête galante. Morì di tubercolosi nel 1721, all’età di 36 anni.
Durante i due decenni in cui fu l’amante di Louis XV, Madame de Pompadour destinò somme ingenti alle arti. I Salons di Parigi, esposizioni biennali dal 1737, offrirono ai pittori rococò un palcoscenico pubblico. Verso la metà del secolo il movimento disponeva di una propria rete di mercanti, collezionisti e commentatori.
Negli anni 1760, i critici illuministi attaccavano il Rococò definendolo moralmente vuoto. Il Giuramento degli Orazi di David, esposto al Salon del 1785, presentava una geometria austera che faceva apparire il Rococò come una reliquia. La Rivoluzione francese completò la rottura. Il mondo aristocratico che aveva finanziato il Rococò fu spazzato via.
“Fu sempre alla ricerca di qualcosa nel mondo che non esisteva in misura soddisfacente, o non esisteva affatto.”
“Quest’uomo ha tutto, tranne la verità.”
“La grazia le era così naturale che non sapeva distinguerla dalla bellezza.”
24 artisti.
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