Il Neoclassicismo nasce negli anni Sessanta del Settecento come deciso rifiuto degli eccessi del Rococò. Dove la generazione precedente aveva prediletto palette pastello, sentimentalismo teatrale e capriccio decorativo, una nuova schiera di pittori si volge alla Grecia e alla Roma antiche in cerca di un linguaggio visivo più severo. Il catalizzatore è duplice: gli scavi archeologici di Pompei ed Ercolano, e gli scritti teorici di Johann Joachim Winckelmann, il cui appello a una nobile semplicità e a una quieta grandezza diventa il testo fondativo del movimento. Sotto Jacques-Louis David, la pittura neoclassica diventa inseparabile dall'ideologia repubblicana: linee nitide e forme muscolose codificano dovere civico, sacrificio di sé e ordine razionale. Il movimento attrae pittori di storia come David e Benjamin West, ritrattisti come Angelika Kauffmann, e più tardi maestri accademici come Ingres, Gérôme e Bouguereau. A tenerli insieme è la convinzione condivisa che gli antichi avessero già risolto il problema della bellezza, e che il compito del pittore moderno fosse recuperarla, non inventarla.
I pittori neoclassici consideravano l’arte greca e romana un modello di riferimento. Winckelmann sosteneva che la scultura classica avesse raggiunto un equilibrio ideale tra forma ed espressione. Gli artisti studiavano calchi, rilievi e pitture vascolari prima di comporre anche una sola figura.
Gli illuministi esigevano che l’arte istruisse oltre a dilettare. I pittori neoclassici risposero con soggetti tratti da Plutarco, Livio e Homer, scegliendo momenti di sacrificio e fermezza stoica. Ci si aspettava che una tela fungesse da argomentazione etica.
Contorni netti, modellato preciso e volume scultoreo avevano la priorità sulla pennellata libera e sul colore atmosferico. Ingres spinse questo principio all’estremo, creando figure dalla superficie di porcellana e dai contorni sinuosi, più debitrici a Raphael che a qualsiasi modello vivente.
I pittori neoclassici perseguivano con rigore crescente la correttezza archeologica. Gerome viaggiò in Nord Africa per verificare le ambientazioni. Costumi, arredi, armi e architetture venivano studiati sulla base di fonti pubblicate e rapporti di scavo.
Seguendo la dottrina di Winckelmann, i pittori idealizzavano la figura umana secondo le proporzioni classiche. I muscoli erano definiti ma mai tesi; le pose riecheggiavano il contrapposto della statuaria greca. Bouguereau e Cabanel portarono avanti questo principio fino al diciannovesimo secolo.
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Opere fondamentali che hanno plasmato il movimento.
Marat giace morto nella sua vasca medicinale, una penna ancora in una mano. La metà superiore della tela è quasi vuota, un vuoto scuro. David riduce la scena a una Pietà laica: il braccio abbandonato, il capo reclinato, il turbante bianco. L'austerità è politica. David presenta Marat come martire del popolo.
Ersilia si getta tra i due eserciti, chiedendo che depongano le armi. David dipinge i guerrieri in una nudità eroica, tornando a quello che chiamava lo stile greco puro. Il tema della riconciliazione risuonava in una Francia sfinita dalla rivoluzione.
La figura guarda oltre la spalla, la schiena allungata contiene due o tre vertebre di troppo. La distorsione anatomica è deliberata. Ingres sacrifica il naturalismo per un contorno continuo e sinuoso. Il suo impegno per la linea era assoluto: le superfici sono lisce come porcellana, la pennellata invisibile.
Omero siede in trono al centro, incoronato dalla Vittoria. Intorno a lui, disposte simmetricamente, quarantasei figure rappresentano i più grandi poeti, pittori e musicisti della civiltà occidentale. Il dipinto funziona come un manifesto, tracciando il territorio che il Neoclassicismo rivendica come propria eredità.
Quando una donna in visita mostra i suoi gioielli e chiede di vedere i tesori di Cornelia, questa indica i suoi figli. Kauffmann fu una delle sole due donne tra i membri fondatori della Royal Academy. Il dipinto rilegge l'etica neoclassica attraverso la vita domestica.
West insistette per uniformi militari contemporanee anziché costumi classici. Il corpo morente di Wolfe richiama la composizione di una Pietà. Il dipinto riscrisse le regole della pittura di storia, dimostrando che i soggetti moderni potevano portare il peso morale prima riservato ai temi antichi.
Esposto allo stesso Salon in cui la giuria respinse Le Dejeuner sur l'herbe di Manet. Napoleone III lo acquistò immediatamente. Il dipinto rappresenta il neoclassicismo accademico nella sua forma tecnicamente più compiuta e politicamente più radicata.
Un gladiatore vittorioso preme il piede sulla gola dell'avversario e guarda la folla. Gérôme studiò le armature ritrovate a Pompei e consultò testi romani sulle pratiche gladiatorie. Quando Ridley Scott girò Gladiator (2000), citò Pollice Verso come sua principale fonte visiva.
Gli scavi di Ercolano (dal 1738) e Pompei (dal 1748) trasformarono l'atteggiamento europeo verso l'antichità. Per la prima volta i pittori poterono studiare interni domestici e pitture murali conservate sotto la cenere vulcanica. Il gusto domestico romano era sobrio, geometrico e colorato, nulla a che vedere con la pesante grandiosità barocca che nei secoli precedenti era passata per classica.
I Pensieri sulla imitazione delle opere greche nella pittura e nella scultura (1755) di Winckelmann sostenevano che l'arte greca avesse raggiunto una perfezione formale. La sua espressione nobile semplicità e quieta grandezza divenne il motto del movimento. La sua successiva Storia dell'arte antica (1764) tentò la prima cronologia sistematica degli stili classici.
Roma, tra gli anni 1760 e 1770, funzionò come laboratorio. Giovani pittori vi arrivavano con borse di studio del Grand Tour e si contendevano il Prix de Rome. David giunse a Roma nel 1775 e ricordò in seguito che studiare la scultura antica lì fu come togliersi la cataratta dagli occhi.
La pittura rococò prediligeva soggetti mitologici trattati con leggerezza erotica, colori pastello e pennellate sciolte. I neoclassici rifiutarono tutto questo. I loro soggetti erano tratti dalla storia repubblicana. La loro tavolozza era fredda, le loro forme scultoree. Diderot invocava un'arte capace di toccarci, istruirci, correggerci e invitarci alla virtù.
“L’ultima e più eminente caratteristica delle opere greche è una nobile semplicità e una composta grandiosità nei gesti e nell’espressione.”
“Non dovremmo forse essere lieti di vedere la pittura competere con il dramma nel tentativo di commuoverci, istruirci, correggerci e invitarci alla virtù?”
“Il disegno è la probità dell’arte.”
41 artisti.
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Biografia politica che ripercorre l’intero sviluppo del neoclassicismo in Francia.
Collega il cambiamento artistico alla filosofia illuminista e ai rivolgimenti politici.
Come gli scritti di Winckelmann plasmarono la teoria estetica alla base del movimento.
I contenuti su neoclassicismo si basano sui seguenti studi pubblicati.
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