Che cos'è il Rinascimento?

Il Rinascimento fu un movimento culturale europeo che si sviluppò all’incirca dal 1400 al 1600, prima incentrato su Firenze e poi su Roma, Venezia e i Paesi Bassi. Riprese l’arte, la letteratura e la filosofia della Grecia e di Roma antiche e introdusse una nuova attenzione all’osservazione naturalistica, alla prospettiva lineare e alla figura umana studiata dal vero. I pittori passarono dalle tavole a fondo oro e superficie piatta a spazi illusionistici costruiti con la geometria.

Quando è iniziato e quando è terminato il Rinascimento?

Gli storici dell’arte fanno risalire il primo Rinascimento a Firenze intorno al 1400, assumendo convenzionalmente come punto di partenza il pannello di Lorenzo Ghiberti per il concorso delle porte del Battistero (1401). Il pieno Rinascimento si sviluppò soprattutto a Roma tra il 1495 e il 1520 circa e si concluse con la morte di Raphael. Il tardo Rinascimento, talvolta chiamato manierismo, proseguì fino al 1600 circa, quando Caravaggio e la famiglia Carracci diedero avvio al barocco.

Chi sono gli artisti rinascimentali più famosi?

Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti e Raphael Sanzio formano il tradizionale trio dell'Alto Rinascimento. Tra i precursori figurano in Italia Masaccio, Donatello, Fra Angelico, Sandro Botticelli e Piero della Francesca, mentre nel Nord Europa lavoravano Jan van Eyck, Hans Memling e Albrecht Dürer. Maestri veneziani successivi, come Giovanni Bellini, Giorgione e Titian, estesero la portata del movimento fino al sedicesimo secolo.

Che cosa caratterizza l’arte rinascimentale?

Quattro caratteristiche distinguono l'arte rinascimentale: la prospettiva lineare a punto unico, codificata da Filippo Brunelleschi intorno al 1415 e pubblicata da Leon Battista Alberti nel 1435; il naturalismo anatomico basato sulla dissezione e sul disegno dal vero; i soggetti classici tratti dalla mitologia greca e romana; e l'uso della pittura a olio, perfezionata nelle Fiandre e introdotta in Italia, che consentiva velature lente e sottili modellati tonali.

Qual è la differenza tra primo, Alto e tardo Rinascimento?

Il primo Rinascimento (circa dal 1400 al 1495) fu sperimentale e fiorentino, e mise a punto la prospettiva e l'anatomia. L'Alto Rinascimento (circa dal 1495 al 1520) raggiunse una sintesi a Roma, sotto il mecenatismo papale, con le composizioni equilibrate e di chiarezza classica di Leonardo, Michelangelo e Raphael. Il Rinascimento maturo o manierismo (circa dal 1520 al 1600) spezzò deliberatamente quell'equilibrio, ricorrendo a figure allungate, colori acidi e spazi compressi per ottenere effetti emotivi.

Perché il Rinascimento è stato importante?

Il Rinascimento introdusse l'idea dell'artista individuale come autorità riconosciuta per nome, anziché come artigiano anonimo. Produsse i primi trattati sistematici sulla prospettiva e sulle proporzioni, fondò la concezione moderna del disegno anatomico e definì l'iconografia della mitologia classica a cui la pittura occidentale avrebbe attinto per quattro secoli. Il mecenatismo non fu più appannaggio esclusivo della Chiesa: si estese a principi, mercanti e istituzioni civiche.

Dove posso vedere i migliori dipinti rinascimentali?

La Galleria degli Uffizi a Firenze custodisce la maggiore concentrazione, tra cui Primavera e Nascita di Venere di Botticelli e l'Annunciazione di Leonardo. I Musei Vaticani di Roma ospitano la volta della Cappella Sistina di Michelangelo e le Stanze di Raphael. La National Gallery di Londra conserva il cartone di Leonardo e il Battesimo di Cristo di Piero della Francesca. Il Louvre possiede la Mona Lisa e il Rijksmuseum di Amsterdam custodisce opere nordiche di Dürer e Memling.

Che cosa precedette il Rinascimento?

Lo stile gotico internazionale, perfezionato attorno alle corti di Borgogna e Boemia tra il 1370 e il 1420, produsse figure eleganti e allungate e fondi decorativi dorati. In Italia Giotto di Bondone aveva già introdotto peso e sentimento naturalistici negli affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova (1305). La pittura di icone bizantina, ancora praticata a Creta e Cipro nel quindicesimo secolo, fornì la tradizione formale che il Rinascimento si propose di sostituire.

Statue of Bartolomeo Colleoni di Andrea del Verrocchio

Angel of the Annunciation di Fra Angelico

Loggia del Mercato Nuovo di Andrea del Verrocchio

Adoration of the Magi di Andrea Mantegna

Camera di San Paolo di Antonio da Correggio

rinascimento

27 artisti · 1400–1600

Il Rinascimento fu un periodo di trasformazione artistica e intellettuale che attraversò l’Italia all’incirca tra il 1400 e il 1600, per poi diffondersi in Europa. Il suo impulso distintivo fu la riscoperta della cultura classica greca e romana: la sua filosofia, la sua architettura, la sua attenzione per il mondo osservabile. Pittori e scultori smisero di trattare il corpo umano come un simbolo e iniziarono a considerarlo un dato fisico, misurabile nello spazio e soggetto alla gravità e alla luce. Intorno al 1420 Filippo Brunelleschi dimostrò a Firenze la prospettiva lineare, offrendo agli artisti un sistema matematico per rappresentare la profondità su una superficie piana. Leon Battista Alberti codificò queste idee nel trattato De pictura del 1435. La pittura a olio, adottata dalla pratica fiamminga, permise a pittori veneziani come Giovanni Bellini e Titian di costruire il colore in strati traslucidi e ottenere effetti atmosferici impossibili con l’affresco. Il movimento dipendeva dal denaro. La dinastia bancaria dei Medici finanziò opere a Firenze. Papa Giulio II commissionò la volta della Cappella Sistina e le Stanze di Raphael a Roma. La Repubblica di Venezia decorò chiese ed edifici civili con pari ambizione. Nell’arco di due secoli il Rinascimento sostituì il linguaggio visivo piatto e simbolico del Medioevo con un’arte fondata su osservazione, anatomia e geometria.

Idee principali

Prospettiva lineare e geometria dello spazio
Prima degli anni 1420, i pittori europei non disponevano di un metodo coerente per rappresentare lo spazio tridimensionale. Brunelleschi cambiò le cose con una dimostrazione davanti al Battistero di Firenze: un piccolo pannello dipinto provava che linee parallele convergenti verso un unico punto di fuga potevano riprodurre l’aspetto dell’architettura reale su una superficie piana. Alberti pubblicò la teoria nel 1435. L’affresco della Trinità di Masaccio fu una delle prime applicazioni monumentali. La prospettiva collocava lo spettatore in un punto fisso, creando un patto implicito tra artista e pubblico. Lo spazio divenne razionale, misurabile e incentrato sull’essere umano.
L'umanesimo e l'artista elevato
L’umanesimo, il movimento intellettuale che recuperò i testi classici, trasformò ciò che ci si aspettava che gli artisti sapessero. L’artigiano medievale lavorava anonimamente all’interno di un sistema corporativo. L’artista rinascimentale era un individuo riconoscibile, dotato di credenziali intellettuali. Alberti sosteneva che i pittori dovessero studiare geometria, storia e poesia. Leonardo riempì migliaia di pagine di appunti su anatomia, ottica e idraulica. Gli artisti trattavano direttamente con potenti mecenati e firmavano le proprie opere. La mitologia classica entrò nel repertorio accanto alla narrazione cristiana. La Nascita di Venere di Botticelli raffigurava una dea pagana in scala monumentale.
Pittura a olio e colore veneziano
La tempera, medium dominante nella Firenze del primo Rinascimento, asciugava rapidamente e produceva superfici piatte e opache. La pittura a olio, perfezionata nei Paesi Bassi da van Eyck, si comportava diversamente. Asciugava lentamente, permettendo agli artisti di fondere i toni direttamente sulla tavola, e si poteva applicare in velature sottili e traslucide. La scuola veneziana adottò l'olio con entusiasmo. Giovanni Bellini lo usò per unificare figure e paesaggio in una luce atmosferica. Titian lo spinse oltre, costruendo le forme con strati successivi di colore anziché con il disegno di contorno. Mentre Firenze privilegiava la linea (disegno), Venezia privilegiava il colore (colorito).
Mecenatismo ed economia del genio
L’arte rinascimentale era costosa. I Medici usarono le commissioni per rafforzare la propria autorità nella Firenze repubblicana. Cosimo de' Medici finanziò la ricostruzione di San Marco. Lorenzo sostenne Botticelli e il giovane Michelangelo. A Roma, Papa Julius II commissionò a Michelangelo la volta della Sistina e a Raphael le Stanze. Venezia funzionava diversamente: era lo Stato stesso a fare da committente. In ogni caso, il rapporto tra committente e artista determinava ciò che veniva realizzato, dove veniva collocato e quale significato assumeva.
Anatomia, osservazione e corpo
Gli artisti del Rinascimento studiarono il corpo umano con un rigore prima riservato alla teologia. Leonardo sezionò almeno trenta cadaveri e registrò muscoli e organi in disegni di straordinaria precisione. La conoscenza anatomica di Michelangelo informò ogni figura scolpita o dipinta. Mantegna dimostrò un forte scorcio prospettico nella sua Lamentation over the Dead Christ. Questa insistenza sull’osservazione diretta si estendeva oltre l’anatomia. Gli artisti studiavano i panneggi su modelli di argilla e disegnavano dal vero. L’obiettivo era una presenza fisica convincente: figure che occupassero spazio, sostenessero il proprio peso e reagissero alla luce come corpi reali.

Artisti principali

Leonardo da Vinci

1452–1519 · italiano

Michelangelo

1475–1564 · italiano

Raphael

1483–1520 · Sacro Romano Impero

Titian

1490–1576 · italiano

Sandro Botticelli

1445–1510 · italiano

Giovanni Bellini

1430–1516 · italiano

Andrea Mantegna

1431–1506 · italiano

Fra Angelico

1400–1455

Esplora tradizioni affini e influenze.

manierismo

1520–1600

barocco

1600–1750

rinascimento nordico

1420–1580

neoclassicismo

1760–1850

Evoluzione dell'arte

Opere fondamentali che hanno plasmato il movimento.

Holy Trinity

Masaccio · c. 1427 · Affresco

La Santa Trinità di Masaccio in Santa Maria Novella è il primo dipinto sopravvissuto ad applicare la prospettiva di Brunelleschi su scala monumentale. Il soffitto a cassettoni arretra verso un unico punto di fuga all’altezza degli occhi dello spettatore. Le cronache dell’epoca raccontano che i visitatori credevano si fosse aperta una parete su una cappella reale. L’affresco unisce teologia e geometria: lo spazio è sacro e misurabile. Ogni pittore che usò la prospettiva dopo il 1427 lavorò nel territorio aperto da Masaccio.

Annunciation

Fra Angelico · c. 1440 · Affresco

Dipinto in cima alle scale di San Marco, a Firenze, questo affresco accoglieva i monaci mentre salivano alle loro celle. Fra Angelico ambientò la scena in una loggia che riecheggia l’architettura reale del chiostro. La tavolozza è contenuta: rosa pallidi, azzurri tenui e verde smorzato. Non ci sono ombre drammatiche. Il dipinto funge da strumento devozionale. Un’iscrizione invita lo spettatore a recitare un’Ave Maria passando. Se Masaccio mostrò cosa potesse fare la prospettiva per l’illusione drammatica, Fra Angelico dimostrò cosa potesse fare la sobrietà per la concentrazione spirituale.

Madonna and Child with Two Angels

Filippo Lippi · c. 1465 · Tempera su pannello

Questo piccolo pannello degli Uffizi segna una svolta. Lippi collocò la Vergine davanti a una finestra aperta su un paesaggio dettagliato. La Madonna è giovane, elegante e fisicamente presente. Si ritiene che i suoi tratti derivino da Lucrezia Buti, monaca con cui Lippi ebbe una relazione scandalosa. Il Bambino Christ è un neonato paffuto, sorretto da un angelo sorridente che guarda lo spettatore. Il dipinto influenzò il suo allievo Botticelli. La resa domestica del sacro fu una rivoluzione silenziosa: la Madonna divenne una giovane donna in un interno riconoscibile.

Lamentation over the Dead Christ

Andrea Mantegna · c. 1480 · Tempera su tela

Mantegna collocò lo spettatore ai piedi del cadavere di Christ, con lo sguardo rivolto lungo il corpo scorciato. Le piante dei piedi, segnate dalle ferite dei chiodi, dominano il primo piano. È una delle composizioni più provocatorie dell’arte rinascimentale. Mantegna violò deliberatamente le rigide regole prospettiche: i piedi sono leggermente ridotti per lasciare visibile il volto. Si tratta di un compromesso calcolato tra precisione geometrica e leggibilità emotiva. Il dipinto fu ritrovato nello studio di Mantegna dopo la sua morte.

The Birth of Venus

Sandro Botticelli · c. 1485 · Tempera su tela

Venus emerge dal mare su una conchiglia, spinta verso la riva da Zephyr. Botticelli delineò la sua figura con un contorno scuro continuo, conferendole la qualità di una scultura a rilievo. Non gli interessava il modellato volumetrico che impegnava i contemporanei. Perseguiva grazia decorativa, ritmo lineare e un’atmosfera onirica più vicina all’illuminazione gotica che a Masaccio. Il dipinto rappresenta la piena assimilazione della mitologia classica nella cultura visiva fiorentina, resa possibile dalla filosofia neoplatonica.

The Last Supper

Leonardo da Vinci · 1498 · Tempera e olio su intonaco

Leonardo dipinse sulla parete del refettorio di Santa Maria delle Grazie a Milano. Scelse di non lavorare con la vera tecnica dell’affresco, perché richiedeva rapidità. Applicò tempera e olio sull’intonaco asciutto e sigillato. Questo gli consentì di lavorare più a lungo, ma la pittura non aderì mai correttamente. Il deterioramento cominciò quasi subito. La composizione coglie il momento successivo all’annuncio del tradimento da parte di Christ. Gli apostoli reagiscono in gruppi di tre. Le linee prospettiche convergono sulla testa di Christ, incorniciata da una finestra. In alcuni punti il dipinto è danneggiato quasi oltre ogni riconoscibilità, eppure la sua logica compositiva resta leggibile.

The School of Athens

Raphael · 1511 · Affresco

Raphael dipinse quest’opera nella Stanza della Segnatura, in Vaticano. L’affresco raffigura filosofi antichi riuniti in una sala classica ispirata ai progetti di Bramante per San Pietro. Plato e Aristotle sono al centro: il primo indica verso l’alto, il secondo gesticola verso l’esterno. Raphael attribuì a diverse figure i volti dei suoi contemporanei. L’ombroso Heraclitus ha i lineamenti di Michelangelo. La costruzione prospettica è impeccabile e i gruppi di figure hanno un ritmo senza rigidità. L’opera esprime al meglio la convinzione dell’Alto Rinascimento che sapere classico e fede cristiana fossero compatibili.

Sistine Chapel Ceiling

Michelangelo · 1512 · Affresco

Michelangelo dipinse la volta tra il 1508 e il 1512, lavorando in gran parte da solo su impalcature di propria ideazione. La volta copre oltre 500 metri quadrati e contiene più di 300 figure. I riquadri centrali raffigurano nove scene della Genesi. La Creazione di Adamo mostra Dio che tende la mano per toccare quella inerte di Adamo. Michelangelo era soprattutto uno scultore, e ogni figura rivela questa formazione. I corpi si torcono, i muscoli si flettono, gli arti occupano lo spazio con il peso del marmo scolpito. La Sibilla Libica si gira con una torsione che metterebbe alla prova una ginnasta.

San Zaccaria Altarpiece

Giovanni Bellini · 1505 · Olio su legno

Bellini dipinse quest’opera per la chiesa di San Zaccaria a Venezia, dove si trova tuttora. La Vergine col Bambino è affiancata dai santi Peter, Catherine, Lucy e Jerome. A distinguere il dipinto è la luce. Bellini usò la pittura a olio per creare un’illuminazione morbida e diffusa, che coglie con pari sottigliezza seta, armature e pelle. L’atmosfera è contemplativa, quasi musicale. Bellini influenzò tutti i pittori veneziani che vennero dopo di lui. La pala dimostra che la pittura a olio poteva ottenere effetti di unità e atmosfera irraggiungibili per la tempera e l’affresco.

Venus of Urbino

Titian · 1538 · Olio su tela

Una donna nuda è distesa su un letto in un interno domestico e guarda direttamente lo spettatore. Titian costruì la figura con il colore, non con la linea. La sua pelle nasce da velature calde sovrapposte a una preparazione più fredda, che producono una superficie luminosa. La Venere di Botticelli è delineata e idealizzata; quella di Titian è fisicamente presente. Occupa una stanza reale. Olympia di Manet (1863) è una risposta diretta. Titian completò quest’opera nella piena maturità del suo metodo coloristico, in cui il disegno era al servizio del colore, e non viceversa.

Origini

Firenze e il recupero dell’antichità

Il Rinascimento nacque a Firenze per ragioni materiali precise. La città era ricca grazie alle banche e al commercio della lana. La struttura repubblicana incoraggiava la competizione civica. Studiosi e artisti fiorentini recuperarono e studiarono sistematicamente testi, sculture e forme architettoniche antiche. Brunelleschi misurò gli edifici romani. Donatello studiò le statue classiche per comprendere il contrapposto. Gli studiosi promossero gli studia humanitatis. Non fu un risveglio improvviso, ma un progetto collettivo e organizzato condotto da persone convinte che il sapere classico potesse essere recuperato intenzionalmente. Firenze offrì denaro, istituzioni ed energia competitiva.

Il sistema di bottega e l'innovazione tecnica

L’arte rinascimentale nacque nelle botteghe, non nelle accademie. Verrocchio dirigeva una bottega in cui si formarono Leonardo, Botticelli e Perugino. I maestri ottenevano le commissioni e dipingevano i passaggi più importanti. Gli assistenti si occupavano del resto. In questa struttura maturarono innovazioni tecniche. La prospettiva, gli scritti teorici di Alberti e la pittura a olio circolavano nelle botteghe come conoscenze pratiche. Il Rinascimento non rifiutò la tradizione artigianale: la ampliò con la teoria matematica e l’osservazione diretta, formando artisti che erano al tempo stesso artigiani esperti e intellettuali colti.

Il papato, Venezia e l’espansione oltre Firenze

Nel 1500 il centro si era spostato. Papa Julius II portò Michelangelo, Raphael e Bramante a Roma. Venezia sviluppò una tradizione distinta. La famiglia Bellini fondò una tradizione di bottega che privilegiava la pittura a olio e il colore atmosferico. Le opere tarde di Giovanni Bellini influenzarono Giorgione e Titian. Mantova diede i natali agli affreschi di Mantegna. Urbino favorì Piero della Francesca e la prima formazione di Raphael. Il Rinascimento fu un’invenzione fiorentina, ma divenne un fenomeno italiano e, infine, europeo.

Dal sacro al profano, e tutto ciò che sta nel mezzo

Il Rinascimento non abbandonò l’arte religiosa. La maggior parte delle opere sopravvissute raffigura soggetti cristiani. A cambiare furono la varietà dei temi aggiuntivi e il modo di trattare quelli sacri. La mitologia classica tornò nelle grandi commissioni. La ritrattistica si ampliò dalle figure dei donatori ai ritratti autonomi. Cambiò anche l’arte sacra: la Madonna divenne una giovane donna in una stanza riconoscibile, con un neonato dall’aspetto fisico convincente, in un paesaggio che rispettava la prospettiva e la profondità atmosferica. Il sacro non scomparve: si affiancò al profano, ed entrambi furono resi con lo stesso impegno verso la realtà osservata.

Con le loro parole

“La pittura contiene una forza divina che non solo rende presenti gli assenti, ma fa sembrare quasi vivi i morti.”

Leon Battista Alberti, De pictura (On Painting), 1435

“Dove lo spirito non opera con la mano, non c’è arte.”

Leonardo da Vinci, Notebooks

“A mio parere, i pittori devono a Giotto esattamente lo stesso debito che hanno verso la natura.”

Giorgio Vasari, Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, 1550

“Il pittore produrrà opere di scarso valore se prenderà a modello i lavori altrui; ma, se si applicherà a imparare dagli oggetti della natura, otterrà buoni risultati.”

Leonardo da Vinci, Notebooks

Tutti gli artisti del movimento rinascimento

27 artisti.

Letture consigliate

Painting and Experience in Fifteenth-Century Italy
Michael Baxandall · 1972
Esamina come le condizioni sociali e commerciali dell'Italia del Quattrocento abbiano influenzato la realizzazione e l'interpretazione dei dipinti.
History of Italian Renaissance Art
Frederick Hartt and David Wilkins · 1969
La guida generale di riferimento, organizzata cronologicamente per area geografica e artista.
Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects
Giorgio Vasari · 1550
La prima biografia storico-artistica. Di parte, ma fonte primaria indispensabile.
The Art of the Italian Renaissance
Peter Murray · 1963
Introduzione concisa e chiara ad architettura, scultura e pittura.

Domande frequenti

Che cos'è il Rinascimento?
Il Rinascimento fu un movimento culturale europeo che si sviluppò all’incirca dal 1400 al 1600, prima incentrato su Firenze e poi su Roma, Venezia e i Paesi Bassi. Riprese l’arte, la letteratura e la filosofia della Grecia e di Roma antiche e introdusse una nuova attenzione all’osservazione naturalistica, alla prospettiva lineare e alla figura umana studiata dal vero. I pittori passarono dalle tavole a fondo oro e superficie piatta a spazi illusionistici costruiti con la geometria.
Quando è iniziato e quando è terminato il Rinascimento?
Gli storici dell’arte fanno risalire il primo Rinascimento a Firenze intorno al 1400, assumendo convenzionalmente come punto di partenza il pannello di Lorenzo Ghiberti per il concorso delle porte del Battistero (1401). Il pieno Rinascimento si sviluppò soprattutto a Roma tra il 1495 e il 1520 circa e si concluse con la morte di Raphael. Il tardo Rinascimento, talvolta chiamato manierismo, proseguì fino al 1600 circa, quando Caravaggio e la famiglia Carracci diedero avvio al barocco.
Chi sono gli artisti rinascimentali più famosi?
Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti e Raphael Sanzio formano il tradizionale trio dell'Alto Rinascimento. Tra i precursori figurano in Italia Masaccio, Donatello, Fra Angelico, Sandro Botticelli e Piero della Francesca, mentre nel Nord Europa lavoravano Jan van Eyck, Hans Memling e Albrecht Dürer. Maestri veneziani successivi, come Giovanni Bellini, Giorgione e Titian, estesero la portata del movimento fino al sedicesimo secolo.
Che cosa caratterizza l’arte rinascimentale?
Quattro caratteristiche distinguono l'arte rinascimentale: la prospettiva lineare a punto unico, codificata da Filippo Brunelleschi intorno al 1415 e pubblicata da Leon Battista Alberti nel 1435; il naturalismo anatomico basato sulla dissezione e sul disegno dal vero; i soggetti classici tratti dalla mitologia greca e romana; e l'uso della pittura a olio, perfezionata nelle Fiandre e introdotta in Italia, che consentiva velature lente e sottili modellati tonali.
Qual è la differenza tra primo, Alto e tardo Rinascimento?
Il primo Rinascimento (circa dal 1400 al 1495) fu sperimentale e fiorentino, e mise a punto la prospettiva e l'anatomia. L'Alto Rinascimento (circa dal 1495 al 1520) raggiunse una sintesi a Roma, sotto il mecenatismo papale, con le composizioni equilibrate e di chiarezza classica di Leonardo, Michelangelo e Raphael. Il Rinascimento maturo o manierismo (circa dal 1520 al 1600) spezzò deliberatamente quell'equilibrio, ricorrendo a figure allungate, colori acidi e spazi compressi per ottenere effetti emotivi.
Perché il Rinascimento è stato importante?
Il Rinascimento introdusse l'idea dell'artista individuale come autorità riconosciuta per nome, anziché come artigiano anonimo. Produsse i primi trattati sistematici sulla prospettiva e sulle proporzioni, fondò la concezione moderna del disegno anatomico e definì l'iconografia della mitologia classica a cui la pittura occidentale avrebbe attinto per quattro secoli. Il mecenatismo non fu più appannaggio esclusivo della Chiesa: si estese a principi, mercanti e istituzioni civiche.
Dove posso vedere i migliori dipinti rinascimentali?
La Galleria degli Uffizi a Firenze custodisce la maggiore concentrazione, tra cui Primavera e Nascita di Venere di Botticelli e l'Annunciazione di Leonardo. I Musei Vaticani di Roma ospitano la volta della Cappella Sistina di Michelangelo e le Stanze di Raphael. La National Gallery di Londra conserva il cartone di Leonardo e il Battesimo di Cristo di Piero della Francesca. Il Louvre possiede la Mona Lisa e il Rijksmuseum di Amsterdam custodisce opere nordiche di Dürer e Memling.
Che cosa precedette il Rinascimento?
Lo stile gotico internazionale, perfezionato attorno alle corti di Borgogna e Boemia tra il 1370 e il 1420, produsse figure eleganti e allungate e fondi decorativi dorati. In Italia Giotto di Bondone aveva già introdotto peso e sentimento naturalistici negli affreschi della Cappella degli Scrovegni a Padova (1305). La pittura di icone bizantina, ancora praticata a Creta e Cipro nel quindicesimo secolo, fornì la tradizione formale che il Rinascimento si propose di sostituire.

Fonti

I contenuti su rinascimento si basano sui seguenti studi pubblicati.

[1] libro Michael Baxandall, Painting and Experience in Fifteenth-Century Italy, 1972 Utilizzata per: biografia, analisi stilistica.
[2] libro Frederick Hartt and David Wilkins, History of Italian Renaissance Art, 1969 Utilizzata per: biografia, analisi stilistica.
[3] libro Giorgio Vasari, Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, 1550 Utilizzata per: biografia, analisi stilistica.
[4] libro Peter Murray, The Art of the Italian Renaissance, 1963 Utilizzata per: biografia, analisi stilistica.
[5] Wikipedia Wikipedia: Renaissance Utilizzata per: biografia.
[6] libro Susie Hodge, Art Utilizzata per: biografia.
[7] libro Susie Hodge, Art: Everything You Need to Know About the Greatest Artists and Their Work Utilizzata per: biografia.

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Prospettiva lineare e geometria dello spazio

L'umanesimo e l'artista elevato

Pittura a olio e colore veneziano

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