Il cubismo smantellò in meno di un decennio cinque secoli di prospettiva a punto fisso. Tra il 1907 e il 1920, Pablo Picasso[16] e Georges Braque svilupparono una pittura che scomponeva gli oggetti in piani geometrici sovrapposti, presentando più punti di vista in una sola composizione. Il movimento ebbe due fasi distinte. Il cubismo analitico (1909-1912[5]) ridusse il mondo visibile a faccette monocrome di geometria quasi astratta. Il cubismo sintetico (1912-1920) invertì la direzione, ricostruendo le immagini con collage, papier collé, colori più vivaci e frammenti della quotidianità. Il cubismo non cambiò solo l’aspetto dei quadri, ma ciò che un quadro poteva essere. Incorporando materiali reali nella tela, i cubisti abbatterono la vecchia barriera tra arte e vita. Ogni movimento successivo del ventesimo secolo lavorò nel territorio aperto dal cubismo.
Il cubismo rifiutava la convenzione secondo cui un’immagine dovesse riprodurre una scena vista da un unico punto fisso. Un volto poteva mostrare entrambi gli occhi frontalmente, mentre il naso sporgeva di lato. Era un tentativo di rappresentare l’esperienza completa del vedere, che non avviene mai da una posizione immobile. Ne risultava un’immagine che conteneva il tempo oltre allo spazio.
La pittura rinascimentale creava l’illusione della profondità. Il cubismo la distrusse deliberatamente. Braque e Picasso comprimevano primo piano e sfondo in un campo spaziale poco profondo. La luce proviene da direzioni contraddittorie o scompare del tutto. I cubisti volevano che lo spettatore riconoscesse il dipinto prima come oggetto piatto e poi come rappresentazione.
Nel 1912 Picasso e Braque iniziarono entrambi a incollare materiali reali sulle tele: giornali, carta da parati, tela cerata, corda. La pittura non doveva più rappresentare il mondo soltanto con i pigmenti. Un pezzo di carta da parati stampata con venature del legno poteva sostituire un piano di tavolo. Il collage infranse il confine tra belle arti e materiali commerciali.
I dipinti cubisti raffigurano spesso gli stessi soggetti modesti: chitarre, bicchieri da vino, giornali, tavolini da caffè. Picasso e Braque sceglievano oggetti familiari proprio perché volevano concentrare l'attenzione su come fosse costruito il dipinto, non su ciò che raffigurava. La natura morta divenne un laboratorio per sperimentare fino a che punto si potesse frammentare un oggetto prima che diventasse illeggibile.
Entro il 1912 il cubismo aveva generato diverse correnti. L'orfismo, guidato da Robert e Sonia Delaunay, si orientò verso l'astrazione del colore puro. Il gruppo della Section d'Or sistematizzò i principi cubisti. Leger sviluppò una variante cilindrica, legata all'era delle macchine. Ogni diramazione applicò la logica strutturale del cubismo a fini diversi.
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Opere fondamentali che hanno plasmato il movimento.
Cinque donne nude, i cui corpi sono frammentati in piani angolari e appiattiti. Le due figure a destra hanno volti simili a maschere, ispirati alla scultura africana e iberica. Il dipinto abbandona l’illuminazione coerente, la profondità spaziale unitaria e il punto di vista unico. Quando Braque lo vide, a quanto si racconta disse che gli faceva l’effetto di qualcuno che bevesse benzina e sputasse fuoco.
Il soggetto si dissolve in fitte faccette semitrasparenti ocra e grigie. La fronte ampia e le sopracciglia folte di Vollard restano appena leggibili. Quasi tutti gli strumenti convenzionali del ritratto scompaiono, ma il dipinto non diventa del tutto astratto. Piccoli indizi tengono lo spettatore in equilibrio tra riconoscimento e dissoluzione.
Il momento in cui il cubismo analitico raggiunse la sua fase ermetica. Un musicista si distingue a malapena dallo spazio circostante. La svolta consiste nell'introduzione di lettere e numeri stampigliati. Questi elementi tipografici restano piatti sulla superficie e rifiutano di arretrare in una profondità illusoria.
Generalmente riconosciuto come il primo vero collage. Un pezzo di tela cerata prodotta in serie e stampata con un motivo a impagliatura di sedie, incollato sulla tela. Un tratto di corda fa da cornice. Coesistono tre diversi sistemi di rappresentazione: l’illusione dipinta, l’imitazione stampata e l’oggetto fisico.
Il primo papier collé. Braque ritagliò strisce da carta da parati commerciale stampata a finto legno e le incollò sulla carta. Sopra e intorno alle strisce disegnò con il carboncino. Dimostrando che un’immagine poteva essere assemblata con elementi piani preesistenti, Braque definì il cubismo sintetico.
L’approccio di Gris era più sistematico. Scomponeva la testa e il torso di Picasso in ampi piani geometrici dai contorni netti, nei toni freddi del blu e del grigio. Mentre Picasso e Braque lavoravano d’intuito, Gris costruiva secondo un’architettura. Esposto al Salon des Independants del 1912.
Dove la struttura cubista incontrava la teoria del colore puro. Delaunay rinunciò agli oggetti riconoscibili e costruì la tela con archi intrecciati di colore saturo. Apollinaire diede il nome di orfismo a questa corrente del cubismo. Il dipinto spinse il cubismo verso l'astrazione totale.
Leger costruiva composizioni con volumi cilindrici che si gonfiano e catturano la luce come se fossero lavorati al tornio nel metallo. I colori primari si accostano alla tela nuda e a spessi contorni neri. L'effetto è muscolare e meccanico, più vicino al pavimento di fabbrica che alla natura morta da caffè. Tra le prime opere non rappresentative emerse dal cubismo.
Il culmine del cubismo sintetico. Tre figure composte da forme piatte, vivacemente colorate e intrecciate, che imitano ritagli di carta. La tavolozza è audace: blu profondi, arancioni caldi, nero e bianco. Il dipinto dimostrò che il cubismo poteva essere al contempo monumentale, decorativo e leggibile.
I paesaggi tardi di Cezanne trattavano le forme naturali come strutture geometriche sottostanti. La grande retrospettiva al Salon d'Automne del 1907 rese questi dipinti accessibili a un vasto pubblico. Picasso e Braque visitarono attentamente la mostra. L'indicazione di Cezanne, secondo cui la natura andava trattata attraverso il cilindro, la sfera e il cono, divenne la grammatica iniziale di un nuovo linguaggio pittorico.
Se Cezanne offrì una lezione strutturale, l’arte non occidentale diede a Picasso il permesso di abbandonare il naturalismo anatomico. Le visite al museo etnografico del Trocadero lo introdussero alle sculture africane, che confermarono come un’arte figurativa potente potesse basarsi su una logica formale anziché sull’imitazione ottica. Questo diede al cubismo la libertà di deformare, appiattire e ricomporre la figura.
Tra il 1908 e il 1914, Picasso e Braque lavorarono così a stretto contatto che i loro dipinti divennero quasi indistinguibili. Si visitavano ogni giorno nei rispettivi studi, adottarono la stessa palette ristretta e si rifiutarono di firmare il fronte delle tele, mettendo da parte la paternità individuale a favore di una ricerca condivisa.
Nel 1911 il laboratorio privato aveva generato un fenomeno pubblico. Gleizes e Metzinger pubblicarono Du Cubisme nel 1912. La mostra Section d’Or presentò oltre duecento opere cubiste. Il cubismo si diffuse in Europa: il futurismo in Italia, il suprematismo in Russia e il vorticismo in Inghilterra ne assorbirono i principi.
“Matematica, trigonometria, chimica, psicoanalisi, musica e quant’altro sono stati messi in relazione col cubismo per facilitarne l’interpretazione. Tutto ciò è stata pura letteratura, per non dire sciocchezza.”
“Le regole rigide della prospettiva che riuscì a imporre all’arte furono un errore tremendo, per rimediare al quale ci sono voluti quattro secoli.”
“Dipingo gli oggetti come li penso, non come li vedo.”
“Il pittore pensa in termini di forma e colore. L’obiettivo non è ricostituire un fatto aneddotico, ma costituire un fatto pittorico.”
22 artisti.
Lo studio accademico fondamentale, con analisi formali approfondite di singole opere.
Colloca il movimento nel suo più ampio contesto sociale e intellettuale.
Scritto dal mercante che rappresentava Picasso e Braque. Un resoconto dall’interno.
La prima difesa pubblicata del cubismo, scritta dal poeta che diede il nome all’orfismo.
I contenuti su cubismo si basano sui seguenti studi pubblicati.
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