Ay-O

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• Per che cosa è noto Ay-O?+

  Ay-O è noto per la sua arte ispirata all'arcobaleno, affrontata con rigore metodico. All'Expo di Osaka del 1970 installò una Tactile Rainbow Room, invitando i visitatori a toccare superfici composte da gradazioni di colore e contrasti materici.
• Qual è l'opera più famosa di Ay-O?+

  È difficile indicare una sola opera come la più famosa di Ay-O. Realizzò numerosi acquerelli, disegni a inchiostro di china e installazioni. Tra le opere degli anni 1970 e dei primi anni 1980 figurano gli acquerelli *Counterpoint* (1977), *Sven Duva in Hades* (1975), *The Queen Threatened* (1976) e *Grasshopper by a Rainbow* (1981). Questi lavori si trovano in collezioni pubbliche e private, tra cui l’Ateneum Art Museum e l’Amos Anderson Art Museum, entrambi a Helsinki. Ay-O è associato alla Gutai Art Association, un radicale gruppo artistico giapponese del dopoguerra. Nel 1961 si trasferì a New York e partecipò al movimento Fluxus^[1]. Le sue «Finger Boxes» sono forse le opere più note di quel periodo: scatole chiuse che il pubblico esplora soltanto con il tatto. Queste opere riflettono l’interesse di Fluxus per l’esperienza sensoriale e per la messa in discussione delle forme artistiche tradizionali.
• Che cosa dovrei sapere sulle stampe di Ay-O?+

  Quando si raccolgono le stampe di Ay-O, ricordate che la carta giapponese è sensibile alle variazioni di umidità. Le stampe finite vanno conservate in un cassetto o in una scatola, intercalate con carta velina priva di acidi. I pigmenti possono essere instabili: evitate quindi di esporre le stampe a luce intensa per periodi prolungati, perché alcuni colori sbiadiscono più rapidamente di altri. I rosa pallidi e gli azzurri sono particolarmente soggetti allo scolorimento. Il vermiglione può annerirsi col tempo, alterando l’equilibrio dell’immagine. Evitate di appendere le stampe sopra termosifoni o altre fonti di calore. Quelle che si sono asciugate in modo irregolare possono essere raddrizzate inumidendole di nuovo con cautela tra fogli di carta da giornale umidi e lasciandole poi asciugare sotto un peso. Per ottenere un bordo diritto, usate una riga d’acciaio e un taglierino. Per creare un bordo sfrangiato sulla carta giapponese, posizionate il righello metallico sulla linea, passate lungo il bordo un pennello pulito imbevuto d’acqua e strappate la carta all’indietro contro il righello.
• Quali tecniche o materiali utilizzava Ay-O?+

  L’opera di Ay-O comprende un’ampia varietà di materiali e tecniche. Nell’artigianato tradizionale giapponese, l’hyogu consiste nel montare opere d’arte. Per incorniciarle si usano sottili tessuti intrecciati, come seta o damasco, insieme a strati di carta che garantiscono flessibilità. Le strisce strette, gli ichimonji, sono spesso di broccato dorato. La tecnica prevede di bagnare il tessuto per distenderlo, fissarlo poi alla carta di supporto con la colla e lisciare le pieghe con un pennello. Le tecniche scultoree combinano materiali diversi e non sempre assegnano uno strumento specifico a ciascuna sostanza. Le maschere influenzano le tecniche, trasferendone gli effetti nel legno e in altri materiali. Gli scultori spesso riuniscono più materiali in un’unica opera e usano, per esempio, chiodi per rappresentare i capelli, creando forme ed effetti simbolici nuovi. Conchiglie o chiodi a testa larga possono rappresentare gli occhi, integrandosi nei materiali circostanti.
• Per cosa era noto Ay-O?+

  Ay-O, nato nel 1931^[1], è un artista giapponese associato al movimento Fluxus^[1]. All’inizio degli anni 1960 esplorò un linguaggio notazionale legato al concetto di «evento» di Fluxus. Il suo lavoro attirò l’attenzione di George Maciunas, figura centrale del movimento. Entro dicembre 1963 Maciunas aveva progettato un’edizione Fluxus delle opere di Ay-O. Incoraggiato da Kuniharu Akiyama e Maciunas, nell’estate del 1964 Ay-O si recò a New York insieme a Shigeko Kubota per partecipare alla comunità Fluxus. Quell’anno Fluxus pubblicò la sua opera completa con il titolo *Events and Games*. La serie *Spatial Poem* di Ay-O adattava concetti dei suoi precedenti poemi d’azione, collegando semplici azioni a idee soggettive di tempo e spazio. Una di queste opere era *Direction Music for Fingers* (1964), eseguita a New York nell’ambito di una presentazione personale nell’ottobre 1964 alla Washington Square Gallery.
• Quando visse e lavorò Ay-O?+

  Ay-O nacque nel 1931^[1] nella prefettura di Ibaraki, in Giappone. Nel 1955 entrò a far parte dell'Associazione artistica Gutai. Attivo a Osaka, in Giappone, dal 1954 al 1972, il gruppo perseguiva un'arte sperimentale al di fuori delle convenzioni consolidate. Nel 1958 Ay-O iniziò a creare quelle che chiamava pitture «tattili» o «a dita», avviando la sua esplorazione dell'arcobaleno, divenuto un elemento distintivo della sua opera. Nel 1961 si trasferì a New York e si avvicinò al movimento Fluxus^[1], un gruppo internazionale e interdisciplinare di artisti, compositori, designer e poeti che reagiva all'autorità dell'arte. In quel periodo mise in scena happening e performance, spesso con i suoi motivi arcobaleno. Le sue opere sono state esposte ampiamente, anche al Guggenheim Museum, al Museum of Modern Art e alla Biennale di Venezia. Continua a vivere e lavorare; la sua carriera dura da oltre sei decenni.
• Dove posso vedere le opere di Ay-O?+

  Le opere di Ay-O furono esposte in molte mostre. Nel 1961 partecipò ad «Adventure in Today's Art of Japan» al National Museum of Modern Art di Tokyo. Nel 1965 le sue opere furono incluse in «The New Japanese^[1] Painting and Sculpture», organizzata dal Museum of Modern Art di New York e itinerante negli Stati Uniti. Fra le sedi figuravano il Denver Art Museum, il Krannert Art Museum dell’University of Illinois e il Baltimore Museum of Art. Le sue opere parteciparono anche alla «Ninth Annual Tokyo Biennale» del 1967, itinerante in Giappone fra Kyoto, Takamatsu e Nagoya. Nel 1969 furono esposte in «Pop Art» alla Hayward Gallery di Londra e in «Contemporary Art/Dialogue between the East and the West» al National Museum of Modern Art di Tokyo. Più recentemente, nel 1994, l’Hara Museum of Contemporary Art di Tokyo ha ospitato una mostra dei disegni realizzati fra il 1964 e il 1974.
• Di dov'era Ay-O?+

  Ay-O è un artista giapponese nato nel 1931^[1]. Negli anni 1950 e 1960 fu membro dell'Associazione d'arte Gutai, gruppo radicale che cercava di superare le forme artistiche tradizionali e di esplorare nuove modalità espressive. Gli artisti Gutai si cimentavano spesso con performance, installazioni e pittura d'azione, ampliando i confini dell'arte. Anche Kusama è un'artista giapponese, nata e cresciuta in Giappone. A ventinove anni si trasferì a New York City, dove divenne nota per le performance, per esempio quando si dipingeva il corpo con dei punti. Nel 1973 tornò in Giappone e nel 2017 aprì a Tokyo un museo dedicato alle sue opere.
• Chi è stato influenzato da Ay-O?+

  Ay-O era associato a Fluxus^[1], gruppo internazionale di artisti, compositori e designer noto per le performance artistiche sperimentali. Figure di Fluxus come Ay-O, Hachiya Kazuhiko e Pierre Huyghe spingono gli spettatori a partecipare attivamente. L’arte interattiva di Hachiya incorpora altalene, rampe da skateboard e ring da sumo. *Over the Rainbow* (1994) produce uno spettro di luci color arcobaleno quando tutti i partecipanti oscillano a diverse altezze. *PostPet* (1996-2002^[1]) di Hachiya crea creature digitali che abitano case fantastiche sul desktop del computer e consegnano la posta elettronica. Huyghe esplora l’intersezione tra personaggi reali e immaginari. Il suo esame delle strutture narrative si concentra sul cinema e sugli aspetti tecnologici e personali della realizzazione e della visione dei film. Opere come *Remake* (1995), *Sleeptalking* (1998) e *The Third Memory* (1999) combinano rievocazioni contemporanee, interviste e filmati originali.
• Chi ha influenzato Ay-O?+

  Ay-O, figura di spicco del movimento artistico Fluxus^[1], trasse ispirazione da fonti diverse. Il gruppo Gutai, in particolare le sue performance e le mostre all'aperto, fornì un modello per il suo approccio artistico. L'opera di Ay-O condivide con il gruppo Gutai l'interesse concettuale per i materiali e per l'integrazione dell'arte nella vita. Anche le serate dadaiste al Cabaret Voltaire, con il loro spirito sperimentale e anti-artistico, anticiparono aspetti del Gutai e, di conseguenza, le ricerche artistiche di Ay-O. Figure come John Cage, Earle Brown e David Tudor facevano parte di una rete di influenze; l'atteggiamento concettuale e anti-artistico di Cage risuonava tra i contemporanei di Ay-O. La scena artistica del centro di New York, dove gli artisti presentavano il proprio lavoro, favoriva la contaminazione di idee e approcci. Queste influenze contribuirono alla formazione di Ay-O come artista del movimento Fluxus.
• Chi era Ay-O?+

  Takao Iijima, nato nella prefettura di Ibaraki nel 1931^[1], è noto anche come Ay-O. Studiò alla Tokyo University of Education e, prima di unirsi a Fluxus^[1] nel 1963, entrò a far parte dell’avanguardia del dopoguerra di Tokyo.
• Perché le opere di Ay-O sono importanti ancora oggi?+

  L'importanza di Ay-O deriva dal legame con la Gutai Art Association, un collettivo artistico giapponese radicale fondato nel 1954. Gli artisti Gutai cercavano approcci innovativi e rifiutavano le convenzioni artistiche tradizionali. Ay-O si unì al gruppo nel 1955, contribuendo al suo spirito sperimentale. Le sue «Finger Boxes», avviate nei primi anni 1960, sono particolarmente importanti. Queste piccole scatole, ognuna con una diversa esperienza tattile, invitano il pubblico a entrare in contatto con l'arte attraverso il tatto. Questo approccio multisensoriale metteva in discussione il predominio della vista nell'esperienza artistica. Il suo lavoro si collega anche a tendenze più ampie dell'avanguardia del dopoguerra. L'esplorazione del caso e della partecipazione del pubblico è affine all'enfasi di Fluxus^[1] sull'esperienza quotidiana e sulla confusione dei confini tra arte e vita. Le sue attività, insieme a quelle di Akasegawa Genpei e Zero Dimension, contribuirono a una stagione di attivismo culturale che metteva in discussione le norme consolidate ed esplorava nuove forme di espressione politica attraverso l'arte.