Où voir les œuvres de l’artiste Chris Burden

Les œuvres de Chris Burden ont figuré dans de nombreuses expositions collectives organisées par des institutions du monde entier. Aux États-Unis, elles ont été présentées au Museum of Modern Art, au Whitney Museum of American^[1] Art et au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Smithsonian Institution), à Washington, D.C. On peut également citer le Los Angeles County Museum of Art, le Seattle Art Museum, l’Indianapolis Museum of Art et l’Albright-Knox Art Gallery (Buffalo, New York). L’art de Burden a aussi été exposé à l’international. Documenta, à Kassel en Allemagne, a présenté ses œuvres, tout comme le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, le Stedelijk Museum (Amsterdam), la Tate Gallery (Liverpool) et la Biennale de Venise.

Chris Burden (1946^[1]-2015^[1]) était un artiste américain connu pour ses performances, ses sculptures et ses installations. Il est surtout reconnu pour ses performances souvent dangereuses et provocatrices des années 1970^[1], mais sa pratique comprenait aussi la gravure, un aspect moins connu de son œuvre. Ses estampes se rapportent souvent à ses grands projets sculpturaux. Ainsi, *Dodge '71* (1998), une lithographie, représente un camion Dodge modifié, véhicule présent dans plusieurs de ses sculptures explorant l’ingénierie et les transports. Une autre estampe, *The Velvet Water Tank* (2002), se rattache à une installation de grande ampleur portant le même nom. Ce ne sont pas de simples reproductions, mais des prolongements de ses idées sculpturales qui proposent d’autres perspectives sur ses œuvres en trois dimensions. Ses estampes se caractérisent par leur précision technique et leur approche conceptuelle. Burden se servait de la gravure pour approfondir les idées présentes dans sa sculpture et créer des œuvres visuellement saisissantes et intellectuellement stimulantes.

Chris Burden, artiste de la performance et sculpteur californien, explorait la violence et les limites physiques dans son art. Il voulait sortir l’art de l’élitisme pour le faire entrer dans ce qu’il considérait comme le monde réel. Certaines de ses actions impliquaient le danger et la douleur. Dans sa performance *Shoot* de 1971^[1], il se fit tirer dans le bras par Bruce Dunlap devant un petit public. Dans *Doorway to Heaven* (1973), il mit des fils électriques sous tension en contact avec sa poitrine nue. *Transfixed*, en 1974, le montrait cloué à une voiture dans une posture de crucifixion. Son art explorait la douleur physique et attirait l’attention sur le corps et ses limites. Ces actes souvent extrêmes évoquaient notamment le rituel religieux, les limites de l’art et un nouvel examen du corps. La douleur physique servait aussi à mettre en évidence des préoccupations politiques plus larges. Même dans les pratiques non explicitement politiques, les frontières entre expérience publique et privée se brouillaient sous l’effet du climat politique.

La pratique artistique de Chris Burden mobilisait une grande variété de techniques et de matériaux, intégrant souvent des éléments liés à sa formation aux métiers industriels. Ses premières œuvres faisaient appel au métal — plomb, laiton et aluminium — associé à la pierre et au corail. Il utilisait le soudage au gaz et à l’arc, méthodes semblables à celles de la construction des locomotives, et privilégiait l’efficacité pour obtenir une forme fonctionnelle. Son approche des matériaux était fonctionnelle plutôt qu’esthétique. Il cherchait à les employer de la manière la plus efficace possible, comme dans la construction de locomotives. Il ne s’intéressait ni aux marques d’outils ni à la décoration des surfaces. Son atelier ressemblait à une petite usine, équipée d’outils de qualité comparable à ceux de la production industrielle. Son expérience de monteur de lignes téléphoniques, notamment du câblage et du moulage du plomb, influença ses choix artistiques. Il travailla aussi en usine, où il se familiarisa avec les tours, les postes de soudage par points et les fraiseuses. Cette expérience marqua ses constructions ultérieures, pour lesquelles il se tourna vers l’acier en raison de sa solidité.

Les performances et œuvres conceptuelles de Chris Burden des années 1970^[1] influencèrent des artistes qui explorèrent le corps comme médium et la relation entre l’art, le corps et la technologie. Ses performances, comme *Shoot* (1971), présentée à la F Space Gallery de Santa Ana, en Californie, avaient un caractère sensationnel. Certains critiques estimaient que *Shoot* exemplifiait l’art de la performance en général et l’associaient à la brutalité et à l’automutilation. Les recherches de Burden sur le corps et la technologie trouvent également un écho chez des artistes comme Bruce Nauman, qui utilisait son propre corps dans des séquences performatives faisant intervenir la vidéo et des effets sonores. *Self-Portrait as a Fountain* (1966-67/1970), de Nauman, reprend le jeu visuel de l’*Urinal* de Marcel Duchamp. Roni Horn, avec *Vatnasafn / Library of Water* (2007), et Michael Heizer, avec *Levitated Mass* (2012), figurent parmi les autres artistes inspirés par les explorations de Burden sur l’éphémère et le lointain.

L’œuvre de Chris Burden, en particulier ses performances des années 1970^[1], peut être replacée dans le contexte d’autres artistes qui explorèrent le corps comme médium, notamment Vito Acconci, Marina Abramović, Bruce Nauman et Gina Pane. Sa pratique se rattache aussi à l’art conceptuel, qui, selon Scott Burton, libéra les artistes de contraintes traditionnelles comme la peinture ou la sculpture. Burton considérait l’art conceptuel comme un moyen de faire évoluer sa propre pratique et se sentait redevable envers des artistes minimalistes tels que Judd, LeWitt et Andre. À cette époque, d’autres artistes travaillèrent sur l’art incarné et fondé sur la durée, parmi lesquels Hans Haacke, Walter De Maria, Nancy Holt, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, Günter Brus, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, Adrian Piper et Martha Rosler. L’œuvre de Marcel Duchamp, en particulier Tonsure, eut également un impact sur les artistes qui exploraient l’art corporel.

Chris Burden est associé à l’art conceptuel, qui s’imposa à la fin des années 1960^[1] et au début des années 1970. Les artistes conceptuels estimaient que l’idée fondamentale d’une œuvre importait davantage que le produit achevé. Certains éliminèrent même entièrement l’objet d’art. Comme l’a déclaré Sol LeWitt : « L’idée elle-même, même si elle n’est pas rendue visible, est une œuvre d’art autant que n’importe quel produit fini. » L’art conceptuel est un terme générique couvrant des mouvements variés qui ne relèvent ni de la peinture ni de la sculpture. Il privilégie la pensée de l’artiste plutôt que la manipulation des matériaux. Toute action ou pensée peut être considérée comme de l’art conceptuel, à condition que l’idée prime sur l’objet d’art. L’œuvre de Burden impliquait des actes à risque. Il demanda notamment à un ami de lui tirer dans le bras avec un fusil de calibre .22. Ces pièces remettaient en question les définitions établies de l’art.

Chris Burden était un artiste américain associé à l’art conceptuel, qui s’imposa à la fin des années 1960^[1] et au début des années 1970. Les artistes conceptuels estimaient que l’idée d’une œuvre comptait plus que l’objet lui-même ; Burden explora cette notion dans la performance et la sculpture. Son travail impliquait souvent le risque et l’endurance physique. Pour « explorer » la violence, il demanda un jour à un ami de lui tirer dans le bras avec un fusil de calibre .22, devant un public dans une galerie de Los Angeles. Dans Doorway to Heaven (1973), il mit des fils électriques sous tension contre sa poitrine nue, provoquant une gerbe d’étincelles. L’art conceptuel englobe divers médiums, notamment la performance, la vidéo, le land art et le texte. Joseph Beuys, Sol LeWitt et Bruce Nauman comptent parmi les autres artistes conceptuels.