Saltar al contenido

Buy any 3 full-price artworks and save 15%
Orange and Yellow de Mark Rothko
No. 37/No. 19 (Slate Blue and Brown on Plum) de Mark Rothko
Mountains and Sea de Helen Frankenthaler
Salut Tom de Joan Mitchell
Gaea de Lee Krasner
The Seasons de Lee Krasner
Painted on 21st Street de Helen Frankenthaler
A Friendly Warning de Alma Thomas
Capture of the Tripoli by the Enterprise de Alma Thomas
Girolata Triptych de Joan Mitchell
Chief de Franz Kline
Painting No. 7 de Franz Kline

expresionismo abstracto

46 artistas · 1943–1965

Volver a Descubre

El expresionismo abstracto surgió en Nueva York a principios de los años 1940 y se convirtió en el primer movimiento artístico estadounidense en alcanzar influencia internacional. Un pequeño grupo de pintores, muchos inmigrantes o hijos de inmigrantes, rompió con la tradición europea al tratar el lienzo como un espacio para el gesto espontáneo y de gran escala. El movimiento se dividió, a grandes rasgos, en dos corrientes: los pintores de acción, como Franz Kline, que atacaban la superficie con pinceladas amplias, y los pintores de campos de color, como Mark Rothko y Helen Frankenthaler, que llenaban enormes lienzos de extensiones luminosas de color. Los unían la escala, la ambición y la convicción de que la pintura podía comunicar directamente estados emocionales, sin narración ni figuración. Las pinturas abstractas de Hilma af Klint[10], realizadas décadas antes en Estocolmo, anticiparon muchas de las preocupaciones del movimiento, aunque su obra permaneció oculta hasta 1986. A partir de los años 1970, Frank Bowling llevó más allá los principios del expresionismo abstracto, fusionando la pintura gestual con la luz caribeña y el color vertido. El movimiento transformó las expectativas sobre lo que podía hacer la pintura y sobre dónde podía originarse el arte de mayor relevancia.

Ideas principales

  • Orange and Yellow — expresionismo abstracto

    El lienzo como escenario

    Harold Rosenberg acuñó la expresión «action painting» en 1952 para describir una nueva relación entre el artista y la superficie. El lienzo dejó de ser un espacio donde representar el mundo y se convirtió en un campo de acción, el registro de un encuentro físico. Las pinceladas de Franz Kline, del tamaño de las que usaría un pintor de brocha gorda, y los gestos cortantes de Willem de Kooning trataban el acto de pintar como un acontecimiento. La obra terminada conservaba la energía, la rapidez y el riesgo de ese acontecimiento. El tamaño importaba: estos cuadros exigían lienzos grandes para que el cuerpo tuviera espacio para moverse.

  • No. 37/No. 19 (Slate Blue and Brown on Plum) — expresionismo abstracto

    El color como emoción

    Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still siguieron otro camino. Sus lienzos sustituyeron el gesto por campos de color destinados a producir una respuesta emocional directa. Los rectángulos de pigmento diluido superpuestos de Rothko parecen flotar y palpitar; sus bordes son suaves y vibrantes. Insistía en que sus pinturas trataban de los sentimientos humanos, no de la abstracción. La técnica de empapado y tinción de Frankenthaler, que consistía en verter pintura diluida sobre un lienzo sin imprimar, eliminó por completo el límite entre la pintura y la superficie y produjo veladuras luminosas que parecían emanar de la tela.

  • Mountains and Sea — expresionismo abstracto

    Nueva York sustituye a París

    Antes de 1945, París era el centro del mundo artístico occidental. La guerra dispersó a los artistas europeos por todo el mundo y muchos se instalaron en Nueva York. Esta concentración de talento, junto con el poder económico estadounidense y el apoyo institucional de galerías como Art of This Century, de Peggy Guggenheim, desplazó hacia el oeste el eje del arte contemporáneo. A mediados de los años 1950, la pintura estadounidense ya se exponía y se debatía en las capitales europeas, invirtiendo décadas de intercambio cultural. El vehículo de ese cambio fue el expresionismo abstracto.

  • Salut Tom — expresionismo abstracto

    Precursores y continuaciones

    Hilma af Klint realizó grandes lienzos abstractos en Estocolmo entre 1906 y 1915, décadas antes de la New York School. Sus formas espirales y colores espectrales anticiparon las ambiciones espirituales de la pintura abstracta posterior. Desde los años 1960, Frank Bowling amplió el legado del movimiento al verter acrílico sobre lienzos enormes e incorporar imágenes cartográficas, la luz caribeña y pigmentos metálicos. Estos artistas complican la narración habitual del expresionismo abstracto como fenómeno exclusivamente estadounidense y de mediados de siglo.

Artistas principales

Untitled (Mural Studies for Greenwich House) — Jackson Pollock

Jackson Pollock

1912–1956 · estadounidense

Brown, Orange, Blue on Maroon — Mark Rothko

Mark Rothko

1903–1970 · estadounidense

Fire Island — Willem de Kooning

Willem de Kooning

1904–1997 · neerlandés-estadounidense

Hot Jazz — Franz Kline

Franz Kline

1910–1962 · estadounidense

At Five in the Afternoon — Robert Motherwell

Robert Motherwell

1915–1991 · estadounidense

Staten Island — Arshile Gorky

Arshile Gorky

1904–1948 · Primera República de Armenia

Primary Series: Gold Stone — Lee Krasner

Lee Krasner

1908–1984 · estadounidense

Untitled — Helen Frankenthaler

Helen Frankenthaler

1928–2011 · estadounidense

Evolución del arte

Obras fundamentales que dieron forma al movimiento.

Mural de Jackson Pollock

Mural

Jackson Pollock · 1943 · Óleo y caseína sobre lienzo

Encargado por Peggy Guggenheim para el vestíbulo de su casa adosada de Manhattan, este cuadro mide más de seis metros de ancho. Era la obra de mayor tamaño realizada hasta entonces por Pollock y supuso un avance en escala y energía. Figuras en espiral y bucles rítmicos de pintura cubren la superficie en un friso continuo. La composición carece de centro y de punto de reposo; la mirada recorre el lienzo de lado a lado en un movimiento incesante. Pollock aún no había desarrollado su técnica del dripping, pero Mural ya muestra la composición integral y la ambición física que definirían sus posteriores pinturas vertidas. Más tarde, Guggenheim donó el lienzo a la University of Iowa, donde sigue siendo una de las pinturas más importantes de cualquier colección universitaria estadounidense.

Chief de Franz Kline

Chief

Franz Kline · 1950 · Óleo sobre lienzo

Dos enormes trazos negros cruzan un fondo blanco. La pintura es densa y abundante; el gesto, rápido pero controlado. El estilo característico de Kline surgió a finales de los años 1940, cuando proyectó pequeños dibujos a tinta sobre una pared con un proyector Bell-Optikon y descubrió que sus bocetos adquirían una fuerza monumental a gran escala. Chief recibe su nombre de una locomotora que Kline recordaba de su infancia en Pennsylvania. La paleta en blanco y negro evoca a la vez la caligrafía, la estructura arquitectónica y la maquinaria industrial. Kline insistía en que las zonas blancas estaban pintadas con la misma intención que las negras, y una observación minuciosa lo confirma: en varios puntos, la pintura blanca se superpone a la negra. El cuadro no representa una figura sobre un fondo, sino dos fuerzas en colisión.

Mountains and Sea de Helen Frankenthaler

Mountains and Sea

Helen Frankenthaler · 1952 · Óleo y carboncillo sobre lienzo sin apresto ni imprimación

Frankenthaler tenía veintitrés años cuando extendió un enorme lienzo sin imprimar en el suelo de su estudio y vertió pintura al óleo diluida directamente sobre la tela. La pintura penetró en el tejido y produjo veladuras translúcidas rosas, azules y verdes que evocaban un paisaje de Nova Scotia que había visitado aquel verano. La técnica eliminó la distinción entre pintura y superficie: el color pasó a formar parte del lienzo en vez de quedar encima. Mountains and Sea influyó en Kenneth Noland y Morris Louis, que visitaron el estudio de Frankenthaler en 1953 y quedaron tan impresionados por el método que desarrollaron sus propias técnicas de empapado y tinción. El cuadro marca un punto de inflexión entre la abstracción gestual y la posterior pintura de campos de color.

No. 61 (Rust and Blue) de Mark Rothko

No. 61 (Rust and Blue)

Mark Rothko · 1953 · Óleo sobre lienzo

Dos rectángulos de bordes difusos, uno de color óxido y otro azul, flotan sobre un fondo más oscuro. El lienzo supera los dos metros de altura. Rothko quería que el público se acercara y quedara envuelto por el color, en vez de contemplarlo desde lejos. Los bordes de cada rectángulo se difuminan en el campo circundante y producen un efecto atmosférico que cambia a medida que la vista se adapta. Rothko diluía sus pigmentos y los aplicaba en varias capas translúcidas, creando profundidad por acumulación. Rechazaba la etiqueta «abstracto» y decía que sus pinturas trataban de emociones humanas básicas. La experiencia física de situarse ante esta obra, cálida en la parte superior y fría en la inferior, confirma su afirmación mejor que cualquier argumento teórico.

Orígenes

Nueva York en tiempos de guerra y la influencia de los emigrados

La caída de París en 1940 envió a Nueva York una oleada de modernistas europeos. Piet Mondrian, Max Ernst, Fernand Léger, André Breton y otros se instalaron en Manhattan, donde expusieron junto a pintores estadounidenses más jóvenes. La galería Art of This Century de Peggy Guggenheim, inaugurada en 1942, mostró obras surrealistas y abstractas una junto a otra y organizó exposiciones tempranas de Pollock, Rothko y otros. El énfasis surrealista en el automatismo, en dejar que el inconsciente guiara la mano, influyó directamente en los métodos de trabajo de la emergente New York School. El rigor europeo se encontró con la escala y la confianza física estadounidenses.

El Cedar Bar y Tenth Street

A finales de los años 1940 y durante los años 1950, los artistas que definirían el expresionismo abstracto se reunían en el sur de Manhattan. Cedar Tavern, en University Place, y los estudios de Tenth Street se convirtieron en sedes informales. The Club, fundado en 1949 por un grupo rotativo que incluía a de Kooning, Kline y al escultor Philip Pavia, organizaba debates y conferencias semanales. Estos encuentros eran polémicos y competitivos. Las discrepancias estéticas se exponían en público y la reputación podía ganarse o perderse en una sola velada. La densidad social de esta escena, concentrada en unas pocas manzanas, produjo una intensidad creativa que ningún museo ni programa universitario habría podido fabricar.

Defensores críticos y apoyo institucional

Desde comienzos de los años 1940, el crítico Clement Greenberg defendió la nueva pintura y sostuvo que el arte abstracto representaba la siguiente etapa lógica del progreso modernista hacia la planitud y la especificidad del medio. Harold Rosenberg ofreció una interpretación rival, destacando el drama existencial del propio acto de pintar. El Museum of Modern Art, bajo la dirección de Alfred Barr, adquirió obras clave y organizó exposiciones itinerantes que llevaron la abstracción estadounidense a Europa, América Latina y Asia. En 1958, cuando el MoMA llevó The New American Painting de gira por Europa, el expresionismo abstracto ya era el movimiento dominante del arte occidental.

En sus propias palabras

“No soy abstraccionista. Solo me interesa expresar las emociones humanas básicas: tragedia, éxtasis, fatalidad.”
Mark Rothko, Lecture at the Pratt Institute, 1958
“No hay reglas. Así nace el arte, así se producen los avances. Vayan contra las reglas o ignórenlas.”
Helen Frankenthaler, Interview, Smithsonian Archives of American Art, 1968
“Un cuadro no es una imagen de la experiencia, sino la experiencia.”
Mark Rothko, The Artist's Reality: Philosophies of Art, published posthumously 2004

Todos los artistas del movimiento expresionismo abstracto

46 artistas.

Lecturas recomendadas

  • Abstract Expressionism

    Abstract Expressionism

    David Anfam · 1990

    La historia general de referencia sobre el movimiento, que aborda tanto la pintura de acción como la vertiente de campos de color y analiza de cerca obras individuales.

  • The Triumph of American Painting

    The Triumph of American Painting

    Irving Sandler · 1970

    Historia crítica temprana, escrita por un observador participante que conocía personalmente a los artistas.

  • Ninth Street Women

    Ninth Street Women

    Mary Gabriel · 2018

    Recupera las trayectorias de Lee Krasner, Elaine de Kooning, Grace Hartigan, Joan Mitchell y Helen Frankenthaler dentro de la New York School, dominada por hombres.

Preguntas frecuentes

  • ¿Qué es el expresionismo abstracto?
    El expresionismo abstracto fue el primer movimiento artístico estadounidense que obtuvo prestigio internacional; se desarrolló en Nueva York aproximadamente entre 1943 y 1965. Sus pintores abandonaron los temas reconocibles y optaron por lienzos de gran formato cuyas marcas registraban el acto físico de pintar. El término abarca dos ramas distintas: Action Painting (Pollock, de Kooning, Kline) y Color Field (Rothko, Newman, Still), unidas por la escala y la ambición, no por el estilo.
  • ¿Cuándo empezó el expresionismo abstracto?
    El movimiento tomó forma en Nueva York durante la Segunda Guerra Mundial, entre emigrados europeos y sus alumnos estadounidenses. Las innovadoras pinturas por goteo de Jackson Pollock aparecieron en 1947, empezando por Cathedral y Full Fathom Five. En 1949, Mark Rothko adoptó el formato de rectángulos flotantes. En su ensayo de 1948, «The Crisis of the Easel Picture», Clement Greenberg señaló la ruptura del movimiento con la tradición europea. Los años 1950 fueron su década dominante.
  • ¿Quiénes son los artistas expresionistas abstractos más famosos?
    Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Barnett Newman, Clyfford Still, Franz Kline, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb[8] y Arshile Gorky[11] forman el núcleo de la primera generación. Lee Krasner, Joan Mitchell, Elaine de Kooning y Helen Frankenthaler fueron figuras centrales del movimiento, aunque en su momento sus aportaciones se minimizaron sistemáticamente. Hans Hofmann enseñó a muchos de los miembros más jóvenes en su escuela de Nueva York.
  • ¿Qué caracteriza el expresionismo abstracto?
    Los cuadros del expresionismo abstracto suelen ser grandes, a menudo dimensionados según la arquitectura de una sala y no según el caballete, y tratan el lienzo como un campo de acción en vez de como una ventana a un tema. Los pintores de acción como Pollock y de Kooning destacan el gesto visible y el azar. Los pintores del Color Field, como Rothko y Newman, reducen el gesto y prefieren amplias superficies planas de color concebidas para contemplarse de cerca.
  • ¿Qué diferencia hay entre action painting y color field?
    El término Action Painting, acuñado por el crítico Harold Rosenberg en 1952, se aplica a Pollock, de Kooning y Kline, cuyas pinturas registran gestos físicos rápidos, goteos y barridos sobre el lienzo. Color Field se refiere a Rothko, Newman, Still y, más tarde, Helen Frankenthaler, cuyas obras presentan grandes zonas simplificadas de color saturado y una pincelada contenida. Las dos ramas compartían escala y ambición, pero diferían en el tratamiento de la superficie.
  • ¿Por qué fue importante el expresionismo abstracto?
    El expresionismo abstracto trasladó de París a Nueva York el centro internacional de la pintura de vanguardia, en parte por la fuerza de las propias obras y en parte por las exposiciones itinerantes por Europa, respaldadas por la CIA durante la Guerra Fría como prueba de la libertad cultural estadounidense. Estableció el lienzo de tamaño museístico como referencia para la pintura contemporánea ambiciosa, y su pincelada gestual dio forma a medio siglo de obras abstractas posteriores.
  • ¿Dónde puedo ver los mejores cuadros expresionistas abstractos?
    El Museum of Modern Art de Nueva York alberga la colección de referencia, que incluye One: Number 31, 1950, de Pollock, y Slow Swirl at the Edge of the Sea, de Rothko. La National Gallery of Art de Washington posee los estudios para la capilla de Rothko y Lavender Mist, de Pollock. Tate Modern de Londres conserva los murales Seagram de Rothko. El Clyfford Still Museum de Denver guarda el noventa y cinco por ciento de la producción de ese artista.

Fuentes

El contenido sobre expresionismo abstracto se basa en los siguientes estudios publicados.

  1. [1] libro David Anfam, Abstract Expressionism, 1990 Utilizada para: biografía, historial de exposiciones, análisis estilístico, técnica.
  2. [2] libro Irving Sandler, The Triumph of American Painting, 1970 Utilizada para: biografía, análisis estilístico.
  3. [3] libro Mary Gabriel, Ninth Street Women, 2018 Utilizada para: biografía, análisis estilístico.
  4. [4] Wikipedia Wikipedia: Abstract Expressionism Utilizada para: biografía.
  5. [5] libro Horst Woldemar Janson; Anthony F. Janson, A Basic History of Art Utilizada para: biografía.
  6. [6] libro The Editors of New York Magazine, The Encyclopedia of New York Utilizada para: biografía.
  7. [7] libro Beckett, Wendy, The story of painting Utilizada para: biografía.
  8. [8] Wikipedia Wikipedia: Adolph Gottlieb Utilizada para: biografía.
  9. [9] Wikipedia Wikipedia: Ellsworth Kelly Utilizada para: biografía.
  10. [10] Wikipedia Wikipedia: Hilma af Klint Utilizada para: biografía.
  11. [11] Wikipedia Wikipedia: Arshile Gorky Utilizada para: biografía.
  12. [12] Wikipedia Wikipedia: Albert Irvin Utilizada para: biografía.

Contenido bajo la supervisión editorial de Solis Prints. Fuentes verificadas el 18 de octubre de 2026. Haz clic en una fuente para ver los detalles o pasa el cursor sobre [N] en la página superior para obtener una vista previa.

Normas editorialesMetodologíaCorreccionesInformación sobre el uso de IASobre el equipo editorial

Ve en persona el arte del movimiento expresionismo abstracto.

Planifica tu visita para ver arte del movimiento expresionismo abstracto →

Llévate el movimiento expresionismo abstracto a casa.

Ver todas las láminas del movimiento expresionismo abstracto →
Volver a Descubre
Tu carrito
Rated 4.6 on Judge.me
Tu carrito está vacío
¿Tienes una cuenta? Inicia sesión para pagar más rápido.
Seguir comprando Seguir comprando