Où voir les œuvres de l’artiste Eugène Atget

Les photographies d’Eugène Atget sont visibles dans plusieurs musées et collections à travers le monde. Beaucoup se trouvent en France, notamment au musée d’Orsay, au musée des Arts décoratifs et au musée du Petit Palais, tous à Paris. D’autres sont conservées dans les musées des beaux-arts de Besangon, Dijon, Lille, Nantes, Nice, Orléans, Quimper, Reims et Rouen, ainsi qu’au musée d’Art et d’Industrie de Saint-Étienne, au musée du Prieuré de Saint-Germain-en-Laye et au musée de 1’Annonciade de Saint-Tropez. Hors de France, des collections se trouvent au Metropolitan Museum of Art et au Museum of Modern Art de New York, au Museum of Fine Arts de Boston, à la National Gallery of Art de Washington, à la National Gallery of Canada à Ottawa, à l’Art Institute of Chicago, au Cleveland Museum of Art et au Victoria and Albert Museum de Londres. Ce ne sont que quelques-uns des lieux où l’on peut voir les œuvres d’Atget.

Eugène Atget (1857^[1]-1927^[1]) était un photographe français connu pour avoir documenté l’architecture et les scènes de rue de Paris, en particulier dans les vieux quartiers. Il a commencé ce projet à l’âge mûr et constitué un vaste fonds de références visuelles destiné aux peintres, aux designers et aux artisans. Ses photographies se caractérisent par leur netteté et leur approche documentaire. Il utilisait une simple chambre à caisson et un trépied, même après l’apparition des appareils portatifs. Il tirait ses images au soleil plutôt que dans une chambre noire. Selon le moment où elles ont été réalisées par rapport au négatif original, les épreuves se classent en épreuves d’époque, de période, modernes ou en fac-similé. Une épreuve d’époque est tirée à peu près au moment où le négatif a été créé ; une épreuve de période est réalisée dans les 10 à 15 ans suivant la prise de vue. Les épreuves modernes sont des tirages récents à partir du négatif original. Le marché de l’art évalue l’« originalité » d’une épreuve photographique en la comparant à d’autres formes d’art, comme la peinture ou la sculpture. L’exécution individuelle de l’œuvre compte. En photographie, certaines variations sont acceptées tant que le principe est préservé.

Eugène Atget (1857^[1]-1927^[1]) a commencé, à l’âge mûr, à documenter Paris. Il a constitué un vaste fonds de références visuelles qu’il pouvait vendre aux peintres, aux designers et aux artisans. Ses images de rues, d’architecture et de parcs se distinguent par leur netteté. À partir de 1914^[1] environ, ses photographies ont pris une autre tonalité et acquis une puissance métaphorique. Cette qualité élégiaque et troublante a séduit des surréalistes comme Man Ray et Jean Cocteau, qui ont défendu son œuvre. Atget ne s’est jamais considéré comme un photographe d’art. Il se voyait comme un chroniqueur de Paris, de ses habitants et de la vie de ses rues. Il photographiait simplement des sujets tels que des grilles en fer forgé, des vitrines et des fontaines. Son style était épuré et sans encombrement. Son regard pour le détail chargeait les images ordinaires de signification. Ses scènes saisissantes ont souvent quelque chose de hanté. La réduction à l’essentiel leur confère une hyperclarté qui rend l’ordinaire extraordinaire.

À la fin du 19e et au début du 20e siècle, Eugène Atget employait une méthode photographique simple. Il privilégiait une approche directe pour représenter Paris et ses environs. Il utilisait une chambre à caisson et un trépied, même après l’apparition des appareils portatifs. Pour le tirage, il employait la lumière du soleil plutôt que le développement en chambre noire. Ses images étaient produites comme des documents commerciaux, vendus quelques francs pièce. Il cherchait à constituer un relevé systématique du vieux Paris, en saisissant son architecture, la vie des rues et ses habitants. Ses sujets comprenaient des grilles en fer forgé, des vitrines, des fontaines et des scènes de rue ordinaires. Il a réuni un vaste fonds de références visuelles utile aux peintres, aux designers et aux artisans. La netteté est une caractéristique essentielle de ses photographies. Son œuvre a saisi un Paris qui disparaissait sous l’effet de la modernisation.

Les photographies d’Eugène Atget ont séduit des artistes surréalistes, dont Man Ray et Jean Cocteau. Man Ray, photographe et peintre américain, collectionnait ses clichés. Il s’intéressait aux vues de Paris prises par Atget, notamment celles montrant des personnages et des lieux marginaux. Le style photographique direct d’Atget contrastait avec les scènes mises en scène, à la mise au point douce, qui étaient courantes auparavant. Ses compositions épurées et son attention au détail donnaient une valeur nouvelle aux sujets quotidiens. Il a photographié des grilles en fer forgé, des vitrines et des fontaines. Ses images ont souvent une qualité hantée ; cette hyperclarté rendait les scènes ordinaires extraordinaires. On a rapproché son œuvre de celle de Giorgio de Chirico en raison de leur sentiment commun d’étrangeté impassible. Des photographes ultérieurs comme Henri Cartier-Bresson lui doivent également beaucoup. Cartier-Bresson, qui avait commencé comme peintre cubiste, cherchait à saisir le « moment décisif » en photographie.

Les influences d’Eugène Atget sont complexes et ne font pas entièrement consensus. Certains ont rapproché la peinture impressionniste du cinéma naissant et souligné l’importance de ce lien pour les artistes de l’époque. Le cinématographe récemment mis au point par Auguste et Louis Lumière, inventeurs du procédé autochrome, en est un exemple. D’autres ont évoqué l’influence de photographes et de mouvements antérieurs. Les photographes du groupe Kleeblatt (Frietz Matthies-Masuren, Heinrich Kühn et Hans Watzek) et la photographie pictorialiste européenne de 1888^[1] à 1918 ont été cités comme des références possibles. Il faut rappeler que les peintres impressionnistes, comme Claude Monet, étaient eux-mêmes influencés par des artistes antérieurs. Monet considérait le peintre normand Jongkind comme son « véritable maître », celui qui avait complété la formation artistique qu’il avait reçue de Boudin.

Il est difficile de désigner avec certitude l’œuvre la plus célèbre d’Eugène Atget, car son vaste fonds photographique est apprécié pour son ampleur et sa valeur documentaire. Il a réalisé des milliers de photographies, principalement de Paris et de ses environs, pendant une période de profondes transformations urbaines. Son travail a attiré l’attention après sa mort, notamment grâce à Berenice Abbott, qui en a reconnu l’importance artistique et historique. Ses images documentent l’architecture, les rues, les boutiques et les habitants de Paris de la fin du 19e au début du 20e siècle. Aucune pièce ne domine nécessairement l’ensemble de son œuvre ; ses photographies considérées comme un corpus constituent sa réalisation la plus célébrée.

Eugène Atget (1857^[1]-1927^[1]) a commencé à photographier Paris en 1898^[1], en documentant ses rues, son architecture et ses parcs. Il voulait constituer un fonds de références visuelles pour les artistes, les designers et les artisans. L’enseigne de son atelier indiquait simplement : « Atget, documents pour artistes ». Des artistes modernes comme Georges Braque, Marcel Duchamp et Pablo Picasso comptaient parmi ses clients. Son œuvre est associée à une forme de réalisme magique antérieure au surréalisme. Les surréalistes, dont Man Ray et Jean Cocteau, admiraient ses photographies pour leur qualité élégiaque et étrange. Ils le considéraient comme un proche par l’esprit, en raison de l’atmosphère mystérieuse de ses images. Ses photographies possèdent une intensité subtile et une grande maîtrise technique. Sa capacité à composer dans l’espace bidimensionnel comme tridimensionnel est remarquable. Ses scènes souvent désolées suggèrent une vision singulière. Le public peut avoir la sensation que le temps s’est figé. L’hyperclarté des photographies d’Atget rend l’ordinaire extraordinaire.