George Jackson

Jackson Pollock est surtout connu pour son approche radicale de la peinture de 1947 à 1950. Il déplaçait la toile du chevalet au sol et y versait de la peinture de tous les côtés. Cette technique, qu'il commença à utiliser en 1947, reposait sur des gestes spontanés et énergiques, projetant la peinture de manière à enregistrer les mouvements de son corps. La méthode novatrice de Pollock aboutit à ce que l'on appelle sa « période du dripping ». Il réalisa alors certaines de ses œuvres les plus célèbres, comme *Autumn Rhythm: Number 30, 1950*, aujourd'hui au Metropolitan Museum of Art ; *Lavender Mist: Number 1, 1950*, conservée à la National Gallery of Art de Washington, D.C. ; et *Number 32, 1950*, qui fait partie de la collection de la Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen à Düsseldorf. Ces œuvres de grand format illustrent la composition couvrant toute la surface chez Pollock : aucun point unique ne concentre l'attention et l'image semble dépasser la toile elle-même.

Pour aborder les estampes de George Jackson, il est utile de connaître quelques principes de la gravure artistique. Une « estampe originale » est conçue dès le départ comme une estampe et réalisée uniquement sous cette forme, souvent en tirage numéroté signé par l'artiste. Chaque estampe du tirage est un original, produit à partir d'une plaque, d'une pierre, d'un écran ou d'un bloc créé à cet effet. Il n'existe pas d'« original » unique dont on ferait des copies. Chaque estampe est encrée et tirée individuellement ; c'est un médium à originaux multiples. L'artiste détermine le nombre d'estampes du tirage. La numérotation indique ce nombre ; chaque estampe porte un numéro précis, comme 12/25 (estampe numéro 12 d'un tirage de 25). Les premières estampes n'étaient souvent ni numérotées ni signées ; parfois, l'artiste signait la plaque ou la pierre elle-même, sans signature au crayon sur chaque estampe. Une reproduction (souvent appelée estampe) n'a aucun rapport avec une estampe originale. C'est la copie d'une œuvre conçue par l'artiste dans un autre médium (peinture, aquarelle, etc.). La reproduction est généralement réalisée par des procédés photomécaniques. Numéroter et signer une reproduction ne change pas sa nature ; elle reste une reproduction, pas une estampe originale.

Il est difficile de rattacher George Jackson à un seul mouvement. Le mouvement expressionniste, né en Allemagne vers le début du 20e siècle, privilégiait la représentation d'émotions subjectives par des formes extrêmes. Les artistes associés à l'expressionnisme comprennent Ernst Ludwig Kirchner, Vasily Kandinsky et Edvard Munch. Le terme Neue Sachlichkeit (Nouvelle Objectivité) fut employé pour la première fois en 1923 pour décrire des peintures ancrées dans la réalité. On distinguait deux tendances : les véristes, qui faisaient la satire de la société (comme Otto Dix), et les réalistes magiques, qui proposaient une réponse positive à l'expressionnisme (comme Christian Schad). À la fin des années 1970 le néo-expressionnisme vit des artistes reprendre des éléments de l'expressionnisme allemand et de l'expressionnisme abstrait. Georg Baselitz et Anselm Kiefer en sont considérés comme des figures majeures. Fluxus, vers 1961, était un courant subversif qui remettait en cause les conceptions de l'art pour bouleverser la routine bourgeoise. George Maciunas en était une figure centrale.

George Jackson utilise des peintures à l'huile de qualité professionnelle et privilégie une palette limitée qu'il conserve depuis de nombreuses années, bien qu'il ajoute parfois des bleus, des jaunes ou des verts. Il estime qu'un choix restreint évite des complications indésirables pendant la peinture. Jackson préfère les pinceaux en soies de porc, aussi bien les langues-de-chat que les pinceaux plats, de petite à grande taille. Il évite les pinceaux synthétiques, auxquels manque selon lui la résistance élastique des soies de porc sur la toile. Il apprécie les pinceaux très usés pour leur extrémité émoussée, qui permet une application plus large de la peinture à l'huile et évite les touches trop incisives. Comme supports, Jackson utilise du MDF enduit de gesso, de la toile apprêtée collée sur du MDF et de la toile apprêtée. Il emploie du MDF commercial de 6 mm, léger et rigide. Il utilise aussi une toile de coton au tissage fin, préparée avec trois couches de gesso acrylique. Jackson apprête et tend lui-même ses toiles pour obtenir la qualité souhaitée, considérant cette étape comme une préparation à la peinture.

Paul Jackson Pollock naquit le 28 janvier 1912 à Cody, dans le Wyoming. Il passa son enfance en Arizona et en Californie. En 1928, il commença à étudier la peinture à la Manual Arts High School de Los Angeles. À l'automne 1930, Pollock s'était installé à New York, où il étudia avec Thomas Hart Benton à l'Art Students League. Dans les années 1930, Pollock parcourut les États-Unis, mais passa une grande partie de son temps à New York. Il s'y établit définitivement en 1935. De 1935 à 1942, il travailla au WPA Federal Art Project. En 1936, il participa à l'atelier expérimental de David Alfaro Siqueiros à New York. La première exposition personnelle de Pollock eut lieu à la galerie Art of This Century de Peggy Guggenheim à New York en 1943. Guggenheim lui accorda un contrat qui dura jusqu'en 1947, lui permettant de se consacrer à la peinture. À partir de l'automne 1945, Pollock vécut à The Springs, East Hampton, avec sa femme Lee Krasner. Il mourut le 11 août 1956 à The Springs, dans un accident de voiture.

Pour voir des œuvres attribuées à George Jackson, vous pouvez envisager de visiter les établissements ci-dessous. La présence d'œuvres précises peut varier selon les rotations d'accrochage, les prêts et d'autres facteurs. Vérifiez directement auprès du musée avant votre visite. Aux États-Unis, vous trouverez de l'art au Metropolitan Museum of Art (New York), au Museum of Modern Art (New York), au Los Angeles County Museum of Art, au Minneapolis Institute of Arts, au Virginia Museum of Fine Arts (Richmond), au Charles Hosmer Morse Museum of American Art (Winter Park, Floride), au Wolfsonian at Florida International University (Miami Beach), à la Yale University Art Gallery (New Haven), au San Antonio Museum of Art, au Santa Barbara Museum of Art et au University of Pennsylvania Museum of Archaeology and Anthropology (Philadelphie). Au Royaume-Uni, vous pouvez visiter le Victoria & Albert Museum (Londres), les National Museums of Scotland (Édimbourg), la Manchester Art Gallery, le Brighton Museum & Art Gallery, le Geffrye Museum (Londres) et le Bakelite Museum (Williton).

L'influence de George Jackson apparaît surtout dans le travail d'Emory Douglas, l'artiste révolutionnaire du Black Panther Party (BPP). Douglas créa l'iconographie du BPP et géra la mise en page, la conception et la production générale de leur hebdomadaire. Son art pour le journal Black Panther, les affiches et d'autres supports donnait une forme visuelle aux campagnes et à l'idéologie du BPP. Ses images représentaient des combattants Panther, des membres de la communauté affrontant la police et, surtout, le cochon comme symbole de la police. L'art de Douglas s'inspirait des luttes de libération du tiers-monde, notamment des affiches de Cuba, du Vietnam et de Palestine. Le Black Arts Movement, dont le BPP faisait partie, introduisit l'idée que l'art « noble » pouvait être populaire dans sa forme et son contenu, et que la culture populaire pouvait avoir un caractère socialement et artistiquement sérieux. Avec son message révolutionnaire et son style accessible, le travail de Douglas contribua à diffuser le message du BPP et à recruter de nouveaux membres.

George Jackson, comme Jackson Pollock, fut influencé par les muralistes mexicains, notamment José Clemente Orozco. Pollock vit la fresque *Prometheus* d'Orozco au Pomona College en 1930. Reuben Kadish, un ami de Pollock, se souvenait qu'Orozco était alors la figure la plus admirée et célébrée parmi les artistes. Kadish déclara que Pollock s'était « beaucoup trop enthousiasmé » pour la fresque *Prometheus* et que cela « se voit vraiment dans sa peinture ». Pollock travailla aussi avec Thomas Hart Benton à la New School. Frederick John de St. Vrain Schwankovsky, un professeur d'art, initia Pollock aux religions orientales, au végétarisme et aux enseignements du philosophe hindou Jeddu Krishnamurti. Pollock publia avec Philip Guston un bulletin subversif, *The Journal of Liberty*, qui protestait contre l'autorité du corps enseignant et l'importance accordée au sport par l'école. Après son exclusion, Pollock assista à des réunions où il découvrit le communisme et l'art réaliste social des muralistes mexicains David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera et José Clemente Orozco.

Le travail de George Jackson pour le Black Panther Party (BPP) est historiquement important car il reflète les objectifs révolutionnaires de l'organisation dans une période de profonds bouleversements sociaux. En tant qu'« artiste révolutionnaire » du BPP, Jackson (sous le pseudonyme d'Emory Douglas) créa les images, les compositions graphiques, les affiches et l'iconographie du BPP. Il était responsable de la mise en page, de la conception et de la production générale de l'hebdomadaire. Son art donnait une forme visuelle à l'idéologie du parti. Ses images abordaient le contrôle communautaire de la police, l'autodétermination, le logement, les services sociaux et la fin des guerres impérialistes. Jackson s'inspirait des luttes de libération du tiers-monde, notamment à Cuba, au Vietnam et en Palestine. Son travail contribua à créer une conscience révolutionnaire au sein de la classe ouvrière noire urbaine. Le journal Black Panther, qui présentait l'art de Jackson, atteignit un tirage de 50000 exemplaires par semaine et fut distribué aux États-Unis, au Canada, au Royaume-Uni, en France, en Suède et en Chine.

George Jackson était associé à l'expressionnisme et au réalisme.

Jackson est connu pour ses peintures animalières. Ses œuvres comprennent des portraits de chevaux, d'épagneuls et de chiens de chasse dans des intérieurs d'écuries et des cadres pastoraux.

Le style artistique de Jackson s'inscrivait dans l'expressionnisme et le réalisme. Il appartenait à une tradition britannique de peinture animalière privilégiant l'observation attentive et la représentation soignée du bétail et des animaux domestiques.