Dieter Asmus

Dieter Asmus est connu pour peindre des objets et des figures ordinaires dans des contextes inattendus. Il en résulte des images à la fois familières et légèrement vertigineuses.

Il est difficile de désigner une œuvre unique comme la plus célèbre de Dieter Asmus. Il a produit une œuvre variée depuis la fin des années 1950. Parmi ses premières pièces figurent *Ohne Titel (Onkel Bernhard)*, de 1958, et *Kopf*, de 1959-60. Asmus a continué à créer des œuvres dont le titre comporte « kopf » (tête), telles que *Kopf anthropomorph* (1960) et *Kopf Antonin Artaud* (1962). Au milieu des années 1960, il a réalisé des pièces comme *Die Hand- Das brennende Haus* (1964-65), *Der Poet* (1965) et *Ornamentale* (1966). La fin des années 1960 voit apparaître des œuvres telles que *Meissner Waldarbeiter* (1968-69). Dans les années 1970, Asmus a créé *Der Falke* (1971) et *Nude Elke* (1974). Il a également réalisé *Still Life* (1976-77) et *Trummerfrau* (1978). Parmi ses œuvres des années 1980 figurent *Kaffeekanne und Orange* (1981), *Stars in the Window* (1982) et *Die Verspottung* (1984). Ses œuvres ultérieures comprennent *Schwan Vase* (1990-91), *Schwester Damaskus* (1992-93) et *Picture Twenty-eight- Keine Vogel* (1994).

Dieter Asmus est peu connu dans l’histoire de l’art. Si vous envisagez d’acheter une estampe de cet artiste, quelques repères généraux sur le marché allemand de l’estampe au début du 20e siècle sont utiles. Entre 1919 et 1923, les conditions économiques ont rendu l’estampe populaire et accessible. Pendant l’hyperinflation, l’art est devenu un placement sûr. Les estampes coûtaient moins cher que les tableaux ou les sculptures et permettaient à une plus large part de la population de collectionner. La hausse du prix des matériaux, comme la toile, a aussi incité les artistes à travailler sur papier. Les éditeurs Cassirer, Gurlitt et Neumann ont répondu à la demande en commandant des tirages plus importants, parfois de cent exemplaires ou davantage. Ils faisaient appel à des imprimeurs professionnels pour assurer la régularité des tirages, contrairement à la pratique expressionniste antérieure, où les artistes imprimaient eux-mêmes des éditions plus petites et moins uniformes.

Dieter Asmus est associé à l’art cinétique, mouvement qui a gagné du terrain dans les années 1950 et 1960. Il s’agit d’œuvres dont le mouvement est perceptible par le public ou dont l’effet dépend du mouvement. Certains chercheurs font remonter ce courant à des mouvements antérieurs comme Dada et le Bauhaus. Les dadaïstes berlinois, notamment John Heartfield et Raoul Hausmann, ont produit des interventions artistiques directes. Le Bauhaus, qui mettait l’accent sur l’intégration de l’art, de l’artisanat et de la technologie, a également fourni une base conceptuelle. Son programme associait formation artisanale et conception artistique, avec du dessin à main levée et la peinture de sujets variés. Asmus intègre souvent des éléments motorisés ou recourt à des effets optiques pour créer une illusion de mouvement. Ses constructions invitent le public à réfléchir au rapport entre espace, temps et perception.

Dieter Asmus utilisait du verre opaque pour créer des peintures murales sur verre. Contrairement à l’art verrier traditionnel, où des pièces de verre coloré sont assemblées au plomb, il travaillait avec des plaques simples de verre plaqué, ou flashed glass. Ce matériau comporte généralement un corps en verre laiteux recouvert d’un mince film de verre coloré, souvent noir ou rouge. Sa technique principale était le sablage : il recouvrait le verre d’un pochoir, découpait le motif, puis creusait un relief dans les zones exposées au sable. Le procédé est comparable à la gravure à l’acide utilisée en hyalographie. Asmus employait aussi des peintures pour verre, rendues permanentes par cuisson au four. Le sablage lui permettait d’obtenir des effets allant du gris foncé mat au noir profond brillant. L’artiste notait que les possibilités de couleur et de forme étaient limitées, mais que la pureté et l’intensité des couleurs, associées à la planéité des éléments, produisaient un effet matériel et formel distinctif.

Dieter Asmus (né en 1939^[1]) est un artiste associé à l’art cinétique et à l’op art, ainsi qu’à l’art concret et sériel. Il a commencé sa formation artistique en 1958 par un apprentissage de retoucheur, puis a étudié à la Werkkunstschule de Hanovre jusqu’en 1964. Ses premières œuvres comprennent des expériences de sérigraphie. En 1965, il a commencé à créer ses premiers objets cinétiques, souvent dotés de lumière et de mouvement pour explorer la perception visuelle. Il a élaboré des systèmes modulaires permettant variation et changement. Ses œuvres reposent souvent sur des agencements sériels et des formes géométriques, en accord avec les principes de l’art concret. Exposées dans diverses galeries et musées, elles ont contribué au développement et à la reconnaissance de l’art cinétique et de l’op art dans la seconde moitié du 20e siècle.

Je ne dispose pas d’informations précises sur les lieux où voir les œuvres de Dieter Asmus, mais plusieurs musées conservent des pièces apparentées au Bauhaus et à l’Art déco et peuvent servir de point de départ. Aux États-Unis, vous pouvez consulter le Charles Hosmer Morse Museum of American Art à Winter Park, en Floride ; le Los Angeles County Museum of Art ; le Metropolitan Museum of Art à New York ; le Minneapolis Institute of Arts ; le Museum of Modern Art à New York ; le Virginia Museum of Fine Arts à Richmond ; et le Wolfsonian de la Florida International University à Miami Beach. Au Canada, le Royal Ontario Museum de Toronto peut vous intéresser. En Allemagne, des collections pertinentes sont conservées au Bauhaus Archive-Museum für Gestaltung à Berlin, à la Bauhaus Dessau Foundation à Dessau, au Bröhan-Museum à Berlin, au Kunstgewerbe Museum of Decorative Arts à Berlin, au Museum beim Markt à Karlsruhe et au Museum für Kunst und Gewerbe à Hambourg. Le MAK Austrian Museum of Applied Art/Contemporary Art de Vienne en conserve également. Au Royaume-Uni, consultez le Bakelite Museum, le Brighton Museum & Art Gallery, le Geffrye Museum de Londres, Manchester Art Gallery, le National Museums of Scotland Royal Museum à Édimbourg et le Victoria & Albert Museum de Londres.

Dieter Asmus appartenait à une génération de peintres allemands apparue dans les années 1960. Ces artistes se sont détournés de l’abstraction conceptuelle et des styles gestuels courants dans l’Europe d’après-guerre. Ils avaient souvent des liens avec l’Allemagne de l’Est ou la Bohême, contrairement aux artistes ouest-allemands tournés davantage vers la France et les États-Unis. Le groupe réunissait Georg Baselitz, Eugen Schonebeck, K.H. Hodicke, Sigmar Polke et Gerhard Richter. Ils exprimaient leur insatisfaction à l’égard du monde de l’art dans des manifestes ou des gestes ironiques. Malgré leurs différences, ils valorisaient le processus pictural et penchaient vers une imagerie expressive, presque abstraite. Des artistes ultérieurs comme Jörg Immendorff et Anselm Kiefer venaient aussi de ce milieu, en particulier de la classe de Joseph Beuys, connue pour la diversité des opinions et la liberté des débats.

Asmus semble avoir évolué dans un milieu comprenant aussi Dieter Krieg et Dieter Hacker. Né à Augsbourg en 1942, Hacker a étudié auprès d’Ernst Geitlinger à l’Akademie der Bildenden Künste de Munich. En 1970, il s’était installé à Berlin, où il a ouvert la 7. Produzentengalerie en 1971. Cette galerie souhaitait offrir aux artistes une plateforme indépendante des galeries publiques ou privées. Dans sa publication Zeitungen der 7. Produzentengalerie, Hacker abordait aussi des questions artistiques, philosophiques et sociales. Krieg, né à Lindau en 1937, a étudié auprès de HAP Grieshaber et Herbert Kitzel à l’Akademie der Bildenden Künste de Karlsruhe. En 1966, il a reçu le German^[1] Youth Prize for Painting à Baden-Baden. Son travail intégrait des objets comme des tuyaux d’acier et des morceaux de viande, provoquant « le choc de l’objet “sans signification” ». Hacker et Krieg ont tous deux exploré le rôle de l’artiste dans la société et remis en question les valeurs artistiques traditionnelles.

Dieter Asmus (1939^[1]–2011) était un artiste allemand associé à l’art concret et à l’art généré par ordinateur. Il est surtout connu pour ses œuvres systématiques et constructivistes. Né à Hanovre, Asmus a étudié à la Werkkunstschule de cette ville de 1959 à 1964. Il a ensuite enseigné à la Pädagogische Hochschule de Kiel de 1965 à 1971. En 1968, il a cofondé le groupe KIEL 68, association d’artistes travaillant dans l’art concret. En 1971, il est devenu professeur à la Hochschule für Bildende Künste Braunschweig, où il est resté jusqu’à sa retraite en 2004. Sa pratique explorait la sérialité et la permutation. Ses œuvres présentent souvent des formes géométriques agencées selon des règles prédéfinies et des séquences mathématiques. Il a employé différents médiums, notamment la sérigraphie, des objets et l’infographie. Son intérêt pour les systèmes génératifs l’a conduit à expérimenter les premières technologies informatiques pour créer de l’art.

Dieter Asmus est moins connu que Johann Dieter Wassmann, « artiste fictif et ingénieur des égouts » né à Leipzig en 1841. Wassmann est une création de l’artiste américain Jeff Wassmann. En construisant le personnage de Johann Dieter Wassmann, Jeff Wassmann commente la certification des connaissances sur des plateformes web comme Wikipédia. Il présente Johann Dieter Wassmann comme un proto-moderniste allemand, précurseur de la photographie, de l’assemblage et de théories artistiques liées à la physique et à la musique, à la manière de Wassily Kandinsky et Marcel Duchamp. L’œuvre réelle est toutefois un pastiche ou un hommage à ces artistes mêmes. Ses boîtes évoquent Joseph Cornell et ses scènes de rue rappellent Atget et Hermann Rückwardt. Jeff Wassmann a créé la Wassmann Foundation et le Museum Zeitraum Leipzig pour soutenir son alter ego du 19e siècle. L’article de Wikipédia sur Johann Dieter Wassmann semble avoir été copié du site de la Wassmann Foundation.

Asmus a développé un langage figuratif d’une grande précision, marqué par les images urbaines troublantes de Richard Lindner, filtrées par un regard européen plus froid et clinique.