Almir Mavignier

Almir Mavignier est connu pour ses agencements de couleurs et de formes géométriques calculés mathématiquement. Ces « permutations » produisaient une pulsation optique et une profondeur spatiale ; elles ont été présentées à la Biennale de Venise en 1964^[1] et dans l’exposition The Responsive Eye à New York en 1965.

Il est difficile de désigner une seule œuvre comme la « plus célèbre » d’Almir Mavignier, car sa notoriété tient à sa contribution générale à l’art concret et à ses écrits théoriques. Il est surtout connu pour sa participation à l’Ulm School of Design et pour son exploration des structures sérielles et des principes mathématiques dans l’art. Son œuvre comprend des peintures, des sérigraphies et des sculptures, souvent caractérisées par des formes géométriques et des agencements systématiques. Sa contribution artistique se définit moins par une pièce précise que par l’exploration constante de ces thèmes tout au long de sa carrière. Il a étudié les relations entre l’art, la science et la technologie, qui se reflètent dans ses œuvres. Il s’est éloigné de l’expression subjective au profit de compositions objectives et structurées visuellement.

Comme celles de nombreux artistes, les estampes d’Almir Mavignier s’inscrivent dans un marché complexe. Les estampes originales sont réalisées à la main : l’artiste crée directement l’image sur une plaque, un bloc de bois ou un écran. Il peut s’agir de gravures sur bois, de gravures, de linogravures, de mezzotintes, d’eaux-fortes, de lithographies ou de sérigraphies. Chaque tirage est considéré comme un original puisque l’image a été créée directement. Ces estampes sont souvent vendues dans des galeries spécialisées, des magasins d’encadrement et des galeries d’art. Les reproductions offset, également appelées affiches, sont produites par des procédés photochimiques. Les impressions giclées gagnent aussi en popularité : elles utilisent la technologie des copieurs couleur pour produire des impressions d’art à jet d’encre. Les transferts sur toile, qui consistent à transférer l’image sur une toile, donnent l’apparence d’un tableau. Le tirage limité est un choix de l’artiste, et non une exigence technique. Les imprimeurs indiquent généralement au crayon le numéro du tirage, le titre et leur signature sur chaque exemplaire. Ces conventions n’ont pas force de loi, mais sont largement respectées et ajoutent de la valeur lorsqu’elles sont suivies avec honnêteté. Le marché distingue les estampes originales des reproductions et accorde davantage de valeur à celles exécutées personnellement par l’artiste.

Les informations sur les techniques particulières d’Almir Mavignier sont rares. On peut toutefois faire quelques observations générales sur les techniques picturales et photographiques. Depuis la fin du XIXe siècle, les artistes associent photographie et peinture. M. L. Winter, à Vienne, a par exemple créé en 1877 une entreprise qui produisait des photographies agrandies sur lin. Les émulsions au bromure, plus rapides, introduites dans les années 1880, ont simplifié le procédé d’agrandissement. Les huiles ont souvent servi à peindre sur des images photographiques. Parmi les autres matériaux proposés figuraient des pigments secs en poudre mélangés à de l’albumine, du carbonate d’ammonium, de la glycérine, de l’ammoniaque liquide et de l’eau. Des colorants à l’aniline dissous dans l’alcool étaient également utilisés au verso de l’image. Les huiles, aquarelles et pastels pouvaient être appliqués sur une couche préparatoire de gélatine (pour les huiles) ou de gomme-laque (pour les aquarelles et les pastels). Un médium à la cire a également été proposé.

Almir Mavignier est né à Rio de Janeiro, au Brésil, en 1925^[1]. Il est associé à l’art concret, un mouvement qui rejette l’illusion de la représentation. À la fin des années 1940^[1], il a commencé sa formation artistique en étudiant le dessin et la peinture auprès d’Axl Leskoschek. Au début des années 1950, il a étudié à l’Ulm School of Design, en Allemagne, une institution liée au Bauhaus. Il y a étudié la communication visuelle et travaillé avec Max Bill. Mavignier a souvent exploré les relations entre couleur, forme et perception au moyen de formes géométriques et de principes mathématiques. Il a participé au mouvement de l’art concret et contribué à ses théories et à ses expositions. Il a vécu et travaillé en Allemagne et au Brésil. Mavignier est mort en 2018^[1].

Je ne dispose pas d’informations précises sur les lieux où les œuvres d’Almir Mavignier sont actuellement exposées, mais de nombreux musées présentent des styles d’art similaires. Ils se trouvent en Europe et en Amérique du Nord. Aux États-Unis, vous pouvez consulter le Charles Hosmer Morse Museum of American Art (Winter Park, Floride), le Los Angeles County Museum of Art (Los Angeles), The Metropolitan Museum of Art (New York), le Minneapolis Institute of Arts (Minneapolis), le Museum of Modern Art (New York), le Virginia Museum of Fine Arts (Richmond) ou le Wolfsonian de la Florida International University (Miami Beach). Au Canada, le Royal Ontario Museum (Toronto) peut vous intéresser. Au Royaume-Uni, vous pouvez envisager le Bakelite Museum (Williton), le Brighton Museum & Art Gallery (Brighton), le Geffrye Museum (Londres), la Manchester Art Gallery (Manchester), les National Museums of Scotland, Royal Museum (Édimbourg) ou le Victoria & Albert Museum (Londres). Parmi les autres possibilités européennes figurent le Brangwyn Museum (Bruges, Belgique), le Clockarium Museum (Bruxelles), le Musée d’Art et d’Industrie (Roubaix, France), le Musée de l’Ecole de Nancy (Nancy, France), le Musée des Arts Décoratifs (Paris), le Musée des Beaux-Arts (Nancy, France), le Museo Art Nouveau y Art Deco (Salamanque, Espagne), le Museu Calouste Gulbenkian (Lisbonne) et le Museu d’Art Modern (Barcelone, Espagne).

Le développement artistique d’Almir Mavignier a été marqué par plusieurs influences. Josef Albers, qui enseignait au Black Mountain College et à Yale University, a fait découvrir les idéaux du Bauhaus à toute une génération d’artistes américains. Parmi ses étudiants figuraient Motherwell, de Kooning et Rauschenberg. Albers s’est tourné vers l’art abstrait en 1920 et est surtout devenu connu pour ses carrés austères, dans lesquels il analysait les problèmes de profondeur et de couleur dans l’art bidimensionnel, œuvres qu’il a appelées Homage to the Square à partir de 1950^[1]. Il est considéré comme un précurseur de l’Op Art et de l’art minimal. Roberto Matta, qui a travaillé avec Le Corbusier à Paris de 1934 à 1935, a rencontré Picasso et observé l’avancement de son travail sur Guernica. Les premiers tableaux de Matta dans le style surréaliste datent d’environ 1937. Deux ans plus tard, il est parti à New York, a rejoint les surréalistes et est devenu une figure très influente de la scène artistique new-yorkaise ; ses œuvres abstraites incorporaient tous les éléments de l’automatisme psychique. Sa contribution à l’expressionnisme abstrait a été importante, et il a fortement influencé Gorky et Motherwell.

Almir Mavignier (1925^[1]-2018^[1]) était un artiste brésilien associé à l’art concret et à l’Op Art. Son œuvre reste pertinente parce qu’elle aborde des questions fondamentales sur la nature de l’art, la perception et le rôle de l’artiste. Sa pratique s’inscrit dans un débat plus large sur les mouvements artistiques. Certains soutiennent que les mouvements n’apportent rien de nouveau à l’art et qu’ils se contentent de renommer ou de réinterpréter des éléments existants. Dans cette optique, la signature de l’artiste devient un simple acte de nomination. Par ailleurs, le monde de l’art s’est de plus en plus mondialisé depuis le début des années 2000^[1]. Même si aucun pays ne peut prétendre à une importance artistique supérieure, une hiérarchie des pays persiste. Malgré le multiculturalisme, l’Europe occidentale et l’Amérique du Nord dominent toujours l’art contemporain le plus reconnu. La position de Mavignier, artiste brésilien inscrit dans ce contexte international, offre un point de vue précieux sur ces dynamiques.

Almir Mavignier voit le jour en 1925^[1].