Anita Malfatti

Anita Malfatti est connue pour avoir introduit au Brésil des formes européennes et américaines du modernisme. Elle participa en 1922^[1] à la Semana de Arte Moderna, considérée comme le moment fondateur du modernisme brésilien, et son exposition de 1917 est rétrospectivement comprise comme son déclencheur.

Pour évaluer les estampes d’Anita Malfatti, il faut connaître quelques notions de base sur la gravure. Une « estampe originale » est une image conçue et exécutée uniquement comme une estampe, souvent tirée en édition numérotée et signée par l’artiste. Chaque épreuve de l’édition est originale, produite à partir d’une plaque, d’une pierre, d’un écran ou d’un bloc créé à cette fin. Chaque épreuve est encrée et tirée individuellement : l’estampe est un médium à « originaux multiples ». Une reproduction, en revanche, est la copie d’une œuvre créée à l’origine dans un autre médium, comme la peinture. Numéroter et signer une reproduction n’en change pas la nature : elle reste une copie, et non une estampe originale. Les techniques de gravure sont diverses : eau-forte, aquatinte, pointe sèche, lithographie et sérigraphie. Pour l’eau-forte, on recouvre une plaque métallique d’un vernis, puis l’artiste y grave un dessin. La plaque est ensuite plongée dans l’acide, qui mord le métal exposé. L’aquatinte permet de créer des zones tonales par application de résine. En pointe sèche, l’artiste raye directement la plaque de métal à l’aide d’une pointe, ce qui laisse un trait doux et flou. La lithographie utilise une matière grasse sur pierre ou métal, tandis que la sérigraphie utilise des pochoirs sur un écran.

Anita Malfatti s’inscrivait dans l’avant-garde^[1] du début du 20e siècle, composée d’artistes en quête de nouvelles définitions de l’art dans un monde en mutation. Ils rejetaient les approches classiques, académiques et traditionnelles, et exploraient plutôt les prémisses et les qualités formelles de la peinture et de la sculpture. Les principes d’avant-garde apparurent d’abord dans l’expressionnisme, mouvement où l’art résulte de la vision personnelle de l’artiste et comporte souvent une dimension émotionnelle. Le fauvisme fut l’un des premiers mouvements expressionnistes du 20e siècle. En 1905^[1], un groupe de jeunes peintres exposa des toiles aux compositions si simplifiées et aux couleurs si éclatantes qu’un critique les qualifia de *fauves*. Le fauvisme recourait à d’intenses juxtapositions de couleurs et à leur potentiel émotionnel, dans le sillage d’artistes comme van Gogh et Gauguin. Les fauves allèrent plus loin en libérant la couleur de sa fonction descriptive, pour en faire un élément expressif et structurel. Henri Matisse, figure majeure du groupe, croyait que la couleur pouvait jouer un rôle essentiel dans la transmission du sens.

Les techniques artistiques d’Anita Malfatti faisaient appel à divers matériaux et méthodes. En art, le terme « technique » désigne la relation entre les matériaux bruts, les procédés manuels et les intentions de l’artiste. La peinture à l’huile, issue de la tempera à l’œuf, consiste à superposer des couches de peinture sur des supports comme des panneaux de bois ou une toile. Les premières peintures à l’huile utilisaient des supports lisses, des apprêts blancs et des sous-couches qui établissaient les valeurs avant l’application de couches transparentes de couleur. Cela exigeait une planification et un dessin précis, avec peu de latitude pour les retouches. Le passage à la toile permit des techniques plus souples. Les artistes commencèrent à utiliser des brosses plus rigides pour l’ébauche, à travailler la peinture humide sur humide et à estomper les contours afin de créer des effets atmosphériques. Les fonds colorés enrichirent encore l’expression picturale. Au début du 20e siècle, les artistes explorèrent diverses approches : certains abandonnèrent la peinture de chevalet, tandis que d’autres conservèrent des méthodes traditionnelles. Pour comprendre la technique d’un artiste, il faut considérer ses matériaux, ses procédés et ses intentions, et non simplement dresser la liste de son matériel.

Anita Malfatti est connue comme une artiste d’avant-garde^[1] du début du 20e siècle. L’avant-garde émergea pendant une période de bouleversements politiques et économiques, alors que les artistes cherchaient de nouvelles définitions de l’art dans un monde transformé. Ils rejetaient les approches académiques et traditionnelles pour explorer les prémisses et les qualités formelles de la peinture et de la sculpture. L’expressionnisme apparut au début des années 1900^[1] et reflétait la vision personnelle de l’artiste, souvent avec une dimension émotionnelle. Il s’opposait à l’art post-Renaissance, centré sur la description visuelle du monde empirique. Le fauvisme fut l’un des premiers mouvements expressionnistes : en 1905, un groupe de jeunes peintres exposa des compositions simplifiées et aux couleurs éclatantes, que l’on qualifia de fauves. Le fauvisme recherchait la franchise de l’impressionnisme, avec d’intenses juxtapositions de couleurs et leur potentiel émotionnel, dans le sillage de van Gogh et Gauguin. Les fauves libérèrent la couleur de sa fonction descriptive pour lui donner des fins expressives et structurelles.

Anita Malfatti naquit à São Paulo, au Brésil, le 2 décembre 1889^[1]. Elle y mourut le 6 novembre 1964^[1]. Elle découvrit les mouvements artistiques européens au début de sa carrière, durant ses études à l’étranger. De 1910^[1] à 1914, elle étudia en Allemagne et fut influencée par l’expressionnisme et d’autres styles d’avant-garde^[1]. En 1915, elle partit ensuite à New York, où elle découvrit l’art moderne. Ces expériences façonnèrent sa vision et sa démarche artistiques. Elle est connue pour avoir introduit le modernisme au Brésil. Son exposition de 1917 à São Paulo présenta des œuvres aux couleurs audacieuses et aux formes déformées, qui remettaient en question les traditions académiques. Controversée à l’époque, elle est aujourd’hui considérée comme un moment important de l’histoire de l’art brésilien. Malfatti faisait partie du Grupo dos Cinco (Groupe des Cinq), qui promouvait l’art moderne au Brésil.

Il est difficile de savoir avec certitude où se trouvent aujourd’hui les œuvres d’Anita Malfatti. Certains musées connus pour leurs collections d’art moderne, Art déco et postimpressionniste peuvent toutefois en posséder. Aux États-Unis, il peut s’agir du Metropolitan Museum of Art et du Museum of Modern Art de New York, du Los Angeles County Museum of Art (LACMA), du Minneapolis Institute of Arts, du Virginia Museum of Fine Arts de Richmond, du Charles Hosmer Morse Museum of American Art de Winter Park, en Floride, et du Wolfsonian de Miami Beach, en Floride. Au Canada, le Royal Ontario Museum de Toronto et la National Gallery of Canada d’Ottawa méritent peut-être des recherches. En Europe, on peut consulter le Musée National d’Art Moderne à Paris, le Ludwig Museum à Cologne, la Kunsthalle de Hambourg, les National Museums of Scotland à Édimbourg et le Victoria & Albert Museum à Londres. Le Museu Calouste Gulbenkian à Lisbonne, le Museu d’Art Modern à Barcelone et le Museo Art Nouveau y Art Deco à Salamanque méritent également des recherches.

L’influence d’Anita Malfatti est complexe. Au début du 20e siècle, l’art moderne se concentra de plus en plus sur les artistes individuels plutôt que sur les mouvements ou les manifestes. L’originalité était prisée, mais devait s’enraciner dans la tradition. Avec son usage exagéré de la couleur, le fauvisme influença l’expressionnisme allemand. Certains fauves, comme Braque, s’orientèrent vers l’accent mis par Cézanne sur la structure, ce qui conduisit au cubisme. Waldemar George voyait dans le fauvisme un prélude aux mouvements ultérieurs, jusqu’au cubisme. André Salmon considérait toutefois le fauvisme moins comme un mouvement que comme le produit d’amitiés à une époque donnée. Anni Albers, artiste, designer, écrivaine et enseignante, partageait généreusement son savoir. Elle reliait l’artisanat à l’industrie et unifiait l’art et le design. Elle parlait de redécouverte et de réinvention plutôt que d’originalité. L’ampleur du Sud-Ouest américain et l’art des cultures précolombiennes marquèrent Anni et son mari, Josef.

Anita Malfatti assimila l’expressionnisme allemand à Berlin et l’avant-garde^[1] américaine radicale à New York. Ses peintures de la période américaine, comme *The Silly One* et *The Russian Student* (toutes deux de 1916^[1]), employaient des couleurs déformées et des formes fragmentées, sous l’influence de l’exposition Sonderbund qu’elle vit à Cologne en 1912.

Anita Malfatti naquit en 1889^[1]. Elle mourut en 1964^[1], à 75 ans.

La mort de Anita Malfatti est survenue en 1964^[1] à l’âge de 75 ans.