Dónde ver a Chris Burden

Las obras de Chris Burden se han incluido en muchas exposiciones colectivas de instituciones de todo el mundo. En Estados Unidos se han visto en el Museum of Modern Art, el Whitney Museum of American^[1] Art y el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden (Smithsonian Institution) de Washington, D.C. Otros lugares incluyen el Los Angeles County Museum of Art, el Seattle Art Museum, el Indianapolis Museum of Art y la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, Nueva York. El arte de Burden también se ha expuesto internacionalmente. Documenta, en Kassel, Alemania, ha presentado sus obras, al igual que el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, el Stedelijk Museum de Ámsterdam, la Tate Gallery de Liverpool y la Bienal de Venecia.

Chris Burden (1946^[1]-2015^[1]) fue un artista estadounidense conocido por sus performances, esculturas e instalaciones. Se le recuerda sobre todo por sus performances, a menudo peligrosas y provocadoras, de los años 1970^[1], aunque su práctica también incluyó el grabado, un aspecto menos conocido de su producción. Sus estampas suelen relacionarse con proyectos escultóricos de mayor alcance. Por ejemplo, su estampa *Dodge '71* (1998) es una litografía que representa un camión Dodge modificado, vehículo que apareció en varias de sus esculturas sobre ingeniería y transporte. Otra estampa, *The Velvet Water Tank* (2002), está relacionada con una instalación de gran formato del mismo nombre. No son meras reproducciones, sino extensiones de sus ideas escultóricas que ofrecen otras perspectivas sobre sus obras tridimensionales. Sus estampas se caracterizan por su precisión técnica y su enfoque conceptual. Burden utilizó el grabado para profundizar en ideas presentes en sus esculturas y crear obras visualmente atractivas e intelectualmente estimulantes.

Chris Burden, artista de performance y escultor californiano, exploró la violencia y los límites físicos en su arte. Quería sacar el arte del elitismo y llevarlo a lo que consideraba el mundo real. Algunas de sus acciones entrañaban peligro y dolor. En su performance de 1971^[1] *Shoot*, Burden hizo que Bruce Dunlap le disparara en un brazo ante un público reducido. En otra obra, *Doorway to Heaven* (1973), conectó cables eléctricos con corriente sobre su pecho desnudo. *Transfixed*, de 1974, consistió en que lo clavaran a un coche en una pose de crucifixión. Su arte exploraba el dolor físico y llamaba la atención sobre el cuerpo y sus límites. Estos actos, a menudo extremos, evocaban ideas como el ritual religioso, los límites del arte y la revisión del cuerpo. El dolor físico también servía para señalar preocupaciones políticas más amplias. Incluso en prácticas no vinculadas explícitamente a la política, el clima político complicaba las fronteras entre la experiencia pública y la privada.

La práctica artística de Chris Burden empleaba una amplia variedad de técnicas y materiales, a menudo incorporando elementos de su experiencia en oficios industriales. Sus primeros trabajos utilizaban metales como plomo, latón y aluminio, junto con piedra y coral. Empleaba soldadura de gas y de arco, siguiendo métodos de construcción de locomotoras y favoreciendo la eficiencia para lograr una forma funcional. Su enfoque de los materiales era funcional, no estético. Aspiraba a utilizarlos de la manera más eficiente posible, como en la construcción de locomotoras. No le interesaban las marcas de herramientas ni la decoración de las superficies. Su taller parecía una pequeña fábrica, equipado con herramientas de calidad equivalente a las de la producción industrial. Su experiencia como técnico de líneas telefónicas, incluidos el cableado y la fundición de plomo, influyó en sus decisiones artísticas. También trabajó en una fábrica y adquirió experiencia con tornos, soldadoras por puntos y fresadoras. Este bagaje influyó en sus construcciones posteriores, en las que se decantó por el acero debido a su resistencia.

Las obras performativas y conceptuales de Chris Burden de los años 1970^[1] influyeron en numerosos artistas que exploraban el cuerpo como medio y la relación entre el arte, el cuerpo y la tecnología. Sus acciones, como *Shoot* (1971), presentada en la F Space Gallery de Santa Ana, California, tuvieron un carácter sensacionalista. Algunos críticos consideraron que *Shoot* ejemplificaba el arte de la performance en general y lo asociaron con la brutalidad y la automutilación. Las investigaciones de Burden sobre el cuerpo y la tecnología también resuenan en la obra de artistas como Bruce Nauman, que utilizó su propio cuerpo en secuencias performativas con efectos de vídeo y audio. *Self-Portrait as a Fountain* (1966-67/1970), de Nauman, evoca los juegos visuales de *Urinal*, de Marcel Duchamp. Otros artistas influidos por las exploraciones de Burden sobre lo efímero y lo remoto son Roni Horn, con *Vatnasafn / Library of Water* (2007), y Michael Heizer, con *Levitated Mass* (2012).

La obra de Chris Burden, en particular sus performances de los años 1970^[1], puede entenderse en el contexto de otros artistas que exploraban el cuerpo como medio. Entre ellos están Vito Acconci, Marina Abramovic, Bruce Nauman y Gina Pane. Su práctica también se relaciona con el arte conceptual, que, según Scott Burton, liberó a los artistas de las limitaciones tradicionales de la pintura o la escultura. Burton consideraba que el arte conceptual había hecho posible su propio trabajo y se sentía en deuda con artistas minimalistas como Judd, Lewitt y Andre. Otros artistas que trabajaron con el tiempo y el cuerpo durante este periodo fueron Hans Haacke, Walter De Maria, Nancy Holt, Dennis Oppenheim, Robert Smithson, Günter Brus, Hermann Nitsch, Rudolf Schwarzkogler, Adrian Piper y Martha Rosier. La obra de Marcel Duchamp, en concreto «Tonsure», también influyó en artistas que exploraban el arte corporal.

Chris Burden está asociado al arte conceptual, que cobró fuerza a finales de la década de 1960^[1] y principios de la de 1970. Los artistas conceptuales creían que la idea central de una obra era más importante que el producto terminado. Algunos incluso prescindieron por completo del objeto artístico. Como afirmó Sol LeWitt: «La idea misma, aunque no se haga visible, es tanto una obra de arte como cualquier producto terminado». Arte conceptual es un término general que abarca corrientes diversas, que no son ni pintura ni escultura. Da prioridad al pensamiento del artista y no a la manipulación de materiales. Cualquier acción o pensamiento puede considerarse arte conceptual, siempre que la idea, y no el objeto artístico, sea lo principal. La obra de Burden implicaba actividades arriesgadas. En una ocasión, por ejemplo, hizo que un amigo le disparara en el brazo con un rifle del calibre .22. Estas piezas cuestionaban las definiciones aceptadas del arte.

Chris Burden fue un artista estadounidense asociado al arte conceptual, que cobró fuerza a finales de los años 1960^[1] y principios de los años 1970. Los artistas conceptuales creían que la idea detrás de una obra era más importante que el objeto en sí; Burden exploró este principio mediante la performance y la escultura. Su obra a menudo implicaba riesgo y resistencia física. Para «explorar» la violencia, una vez hizo que un amigo le disparara en el brazo con un rifle del calibre .22 delante del público de una galería de Los Ángeles. En otra pieza, «Doorway to Heaven» (1973), conectó cables eléctricos con corriente a su pecho desnudo y creó un espectáculo de chispas. El arte conceptual abarca medios diversos, como la performance, el vídeo, el arte terrestre y el texto. Otros artistas conceptuales son Joseph Beuys, Sol LeWitt y Bruce Nauman.