Ay-O

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• ¿Por qué es conocido Ay-O?+

  Ay-O es conocido por su arte inspirado en el arcoíris, que abordó con rigor metódico. En la Exposición Universal de Osaka de 1970 instaló una Tactile Rainbow Room, donde invitaba a los visitantes a tocar superficies creadas mediante gradaciones de color y contrastes de materiales.
• ¿Cuál es la obra más famosa de Ay-O?+

  Es difícil señalar una sola obra como la más famosa de Ay-O. Realizó numerosas acuarelas, dibujos a tinta china e instalaciones. Entre sus obras de los años 1970 y principios de los años 1980 figuran acuarelas como *Counterpoint* (1977), *Sven Duva in Hades* (1975), *The Queen Threatened* (1976) y *Grasshopper by a Rainbow* (1981). Estas piezas se conservan en colecciones públicas y privadas, entre ellas el Ateneum Art Museum y el Amos Anderson Art Museum, ambos en Helsinki. Ay-O está asociado a la Gutai Art Association, un grupo artístico japonés radical de posguerra. Se trasladó a Nueva York en 1961 y se involucró en el movimiento Fluxus^[1]. Sus «Finger Boxes» son quizá sus obras más conocidas de este periodo: cajas cerradas que el público experimenta únicamente mediante el tacto. Estas cajas concuerdan con el interés de Fluxus por la experiencia sensorial y por cuestionar las formas artísticas tradicionales.
• ¿Qué debería saber sobre los grabados de Ay-O?+

  Al reunir estampas de Ay-O, recuerda que el papel japonés es sensible a los cambios de humedad. Las estampas terminadas deben guardarse intercaladas con papel tisú libre de ácido, en un cajón o una caja. Los pigmentos pueden ser fugaces, así que evita colgar las estampas bajo una luz intensa durante mucho tiempo, ya que algunos colores se desvanecen antes que otros. Los rosas pálidos y los azules son especialmente propensos a perder color. El bermellón puede volverse negro con el tiempo y alterar el equilibrio de la imagen. Evita colgar estampas encima de radiadores u otras fuentes de calor. Las que se hayan secado de manera desigual pueden aplanarse humedeciéndolas de nuevo con cuidado entre hojas de periódico húmedas y dejándolas secar otra vez bajo un peso. Para obtener un borde recto, utiliza una regla de acero y un cúter. Para formar un borde dentado y rasgado en papel japonés, coloca la regla metálica sobre la línea, pasa por el borde un pincel limpio mojado en agua y luego rasga el papel hacia atrás contra la regla.
• ¿Qué técnicas o materiales utilizó Ay-O?+

  La obra de Ay-O abarca una amplia variedad de materiales y técnicas. En la artesanía japonesa tradicional, el hyogu consiste en montar obras de arte. Para enmarcarlas se emplean tejidos finos, como la seda o el damasco, junto con capas de papel que aportan flexibilidad. Las estrechas tiras llamadas ichimonji suelen ser de brocado dorado. La técnica consiste en mojar la tela para alisarla, pegarla después al papel de soporte y quitar las arrugas con un pincel. Las técnicas escultóricas combinan distintos materiales y no siempre asignan una herramienta concreta a cada sustancia. Las máscaras influyen en las técnicas y trasladan sus efectos a la madera y otros soportes. Los escultores suelen combinar varios materiales en una pieza y, por ejemplo, usan clavos para representar el cabello, creando formas y efectos simbólicos nuevos. Las conchas o los clavos de cabeza grande pueden representar los ojos, integrándose en los materiales que los rodean.
• ¿Por qué era conocido Ay-O?+

  Ay-O, nacido en 1931^[1], es un artista japonés asociado al movimiento Fluxus^[1]. A principios de los años 1960 exploró un lenguaje de notación relacionado con el concepto de «evento» de Fluxus. Su obra llamó la atención de George Maciunas, figura central del movimiento. En diciembre de 1963, Maciunas ya había planeado una edición Fluxus de la obra de Ay-O. Animado por Kuniharu Akiyama y Maciunas, Ay-O viajó a Nueva York en el verano de 1964 junto con Shigeko Kubota para participar en la comunidad Fluxus. Ese año Fluxus publicó su obra completa bajo el título *Events and Games*. La serie *Spatial Poem* de Ay-O adaptó conceptos de sus poemas de acción anteriores y vinculó acciones sencillas con ideas subjetivas del tiempo y el espacio. Una de estas obras fue *Direction Music for Fingers* (1964), interpretada en Nueva York como parte de una presentación individual en octubre de 1964 en la Washington Square Gallery.
• ¿Cuándo vivió y trabajó Ay-O?+

  Ay-O nació en 1931^[1] en la prefectura de Ibaraki, Japón. En 1955 pasó a formar parte de la Asociación de Arte Gutai. Activo en Osaka (Japón) entre 1954 y 1972, este grupo practicaba un arte experimental al margen de las convenciones establecidas. En 1958, Ay-O empezó a crear lo que llamaba pinturas «táctiles» o «de dedos», iniciando su exploración del arcoíris, que se convirtió en un elemento característico de su obra. En 1961 se trasladó a Nueva York y se vinculó al movimiento Fluxus^[1], un grupo internacional e interdisciplinario de artistas, compositores, diseñadores y poetas que reaccionaba contra la autoridad del arte. Durante ese periodo organizó happenings y performances, a menudo con sus motivos de arcoíris. Su obra se ha expuesto ampliamente, entre otros lugares, en el Guggenheim Museum, el Museum of Modern Art y la Bienal de Venecia. Sigue viviendo y trabajando; su carrera abarca más de seis décadas.
• ¿Dónde puedo ver la obra de Ay-O?+

  La obra de Ay-O se ha presentado en numerosas exposiciones. En 1961, su arte se mostró en «Adventure in Today’s Art of Japan», en el National Museum of Modern Art de Tokio. Unos años después, en 1965, sus obras se incluyeron en «The New Japanese^[1] Painting and Sculpture», organizada por el Museum of Modern Art de Nueva York y presentada en varias ciudades de Estados Unidos. Entre las sedes estuvieron el Denver Art Museum, el Krannert Art Museum (University of Illinois) y el Baltimore Museum of Art. Su obra también formó parte de la «Ninth Annual Tokyo Biennale» de 1967, que viajó a distintos lugares de Japón, entre ellos Kioto, Takamatsu y Nagoya. En 1969, se presentó en «Pop Art», en la Hayward Gallery de Londres, y en «Contemporary Art/Dialogue between the East and the West», en el National Museum of Modern Art de Tokio. Más recientemente, en 1994 se celebró en el Hara Museum of Contemporary Art de Tokio una exposición de sus dibujos de 1964 a 1974.
• ¿De dónde era Ay-O?+

  Ay-O es un artista japonés nacido en 1931^[1]. Durante las décadas de 1950 y 1960 fue miembro de la Gutai Art Association, un grupo radical de artistas japoneses que buscaba romper con las formas tradicionales y explorar nuevas maneras de expresión. Los artistas de Gutai recurrían a menudo a la performance, la instalación y la pintura de acción, ampliando los límites de lo que podía ser el arte. Kusama también es una artista japonesa, nacida y criada en Japón. A los veintinueve años se trasladó a Nueva York, donde se hizo conocida por sus performances, como pintarse el cuerpo con puntos. Regresó a Japón en 1973 y en 2017 abrió en Tokio un museo dedicado a su obra.
• ¿A quién influyó Ay-O?+

  Ay-O estuvo vinculado a Fluxus^[1], un grupo internacional de artistas, compositores y diseñadores conocido por sus representaciones artísticas experimentales. Figuras de Fluxus como Ay-O, Hachiya Kazuhiko y Pierre Huyghe llevan al público a participar activamente. El arte interactivo de Hachiya incorpora columpios, rampas de monopatín y rings de sumo. Su obra *Over the Rainbow* (1994) produce un espectro de luces con los colores del arcoíris cuando todos los participantes se columpian a distintas alturas. *PostPet* (1996-2002^[1]), de Hachiya, crea criaturas digitales que viven en casas fantásticas en el escritorio del ordenador y entregan el correo electrónico. Huyghe explora la intersección entre personajes reales e imaginarios. Su análisis de las estructuras narrativas se ha centrado en las del cine y en los aspectos tecnológicos y personales de la realización y el visionado de películas. Obras como *Remake* (1995), *Sleeptalking* (1998) y *The Third Memory* (1999) combinan recreaciones contemporáneas con entrevistas y metraje original.
• ¿Quién influyó en Ay-O?+

  Ay-O, figura clave del movimiento Fluxus^[1], recibió influencias de diversas fuentes. El grupo Gutai, sobre todo sus actuaciones y exposiciones al aire libre, ofreció un marco para su enfoque artístico. La obra de Ay-O comparte con Gutai el interés conceptual por los materiales y por integrar el arte en la vida. Las veladas dadaístas del Cabaret Voltaire, con su carácter experimental y antiarte, también anticiparon aspectos de Gutai y, por extensión, de las exploraciones artísticas de Ay-O. John Cage, Earle Brown y David Tudor formaban parte de una red de influencias; la postura conceptual y antiarte de Cage resonaba entre los contemporáneos de Ay-O. La escena artística del centro de Nueva York, donde los artistas presentaban su obra, facilitó el intercambio de ideas y enfoques. Estas influencias contribuyeron a la evolución de Ay-O como artista del movimiento Fluxus.
• ¿Quién fue Ay-O?+

  Takao Iijima, nacido en la prefectura de Ibaraki en 1931^[1], también es conocido como Ay-O. Estudió en la Tokyo University of Education y formó parte de la vanguardia de posguerra de Tokio antes de incorporarse a Fluxus^[1] en 1963.
• ¿Por qué siguen siendo importantes hoy las obras de Ay-O?+

  La importancia de Ay-O deriva de su asociación con la Gutai Art Association, un colectivo artístico japonés radical fundado en 1954. Los artistas Gutai buscaban enfoques innovadores y rechazaban las convenciones artísticas tradicionales. Ay-O se unió en 1955 y contribuyó a su espíritu experimental. Sus «Finger Boxes», iniciadas a comienzos de la década de 1960, son especialmente importantes. Estas pequeñas cajas, cada una con una experiencia táctil distinta, invitan al público a relacionarse con el arte a través del tacto. Este enfoque multisensorial cuestionaba el predominio de la vista en la apreciación artística. Su obra también conecta con tendencias más amplias de la vanguardia de posguerra. Su exploración del azar y la participación del público coincide con el énfasis de Fluxus^[1] en la experiencia cotidiana y en difuminar los límites entre arte y vida. Sus actividades, junto con las de Akasegawa Genpei y Zero Dimension, contribuyeron a un periodo de activismo cultural que cuestionó las normas establecidas y exploró nuevas formas de expresión política mediante el arte.