Wo man Chiura Obata sehen kann

Werke von Chiura Obata sind in zahlreichen öffentlichen Sammlungen zu sehen. Das Smithsonian American^[1] Art Museum in Washington, D.C., besitzt mehrere seiner Gemälde und Drucke. Weitere bedeutende Sammlungen befinden sich bei den Fine Arts Museums of San Francisco, insbesondere im de Young Museum, das eine umfangreiche Sammlung seiner Papierarbeiten besitzt. Auch das Oakland Museum of California besitzt Werke von Obata, die seine langjährige Verbindung zur Region widerspiegeln. Darüber hinaus besitzt das Honolulu Museum of Art Beispiele seiner Kunst, die an sein Interesse an vielfältiger kultureller Darstellung anknüpfen. Kleinere Sammlungen finden sich in Universitätsmuseen, etwa im Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive (BAMPFA) an der University of California, Berkeley. Diese Institutionen zeigen oft Auswahlen aus ihren Beständen in Sonderausstellungen. Es lohnt sich, stets die Website des jeweiligen Museums nach aktuellen Ausstellungen und Zugangsmöglichkeiten zur Sammlung zu prüfen. Die Möglichkeiten zur Besichtigung können je nach Konservierungsbedarf und Ausstellungsplan variieren.

Chiura Obatas Werke sind heute aus mehreren Gründen bedeutsam. Als japanisch-amerikanischer Künstler, der in Kalifornien arbeitete, spiegelt Obatas Kunst eine Verschmelzung östlicher und westlicher ästhetischer Traditionen wider. Diese Fusion zeigt sich in seinem Umgang mit Motiven und Technik, indem er traditionelle japanische Tuschemalerei mit westlichen modernistischen Stilen verband. Sein Werk gibt zudem Einblick in die Erfahrungen japanischer Amerikaner im frühen bis mittleren 20. Jahrhundert, besonders während der Internierung im Zweiten Weltkrieg. Obata und seine Familie wurden interniert, und er unterrichtete Kunst für Mitinternierte. Die in diesen Lagern entstandene Kunst dokumentiert ein schwieriges Kapitel der amerikanischen Geschichte und zeigt zugleich die Kraft der Kunst, in schwierigen Zeiten Trost und Gemeinschaft zu spenden. Schließlich stellt Obatas Werk einen bedeutenden Beitrag zur kalifornischen Kunst dar. Er lehrte an der University of California, Berkeley, und beeinflusste Generationen von Künstlern. Seine Bilder der kalifornischen Wildnis trugen dazu bei, die Wahrnehmung der Naturschönheit des Bundesstaats zu prägen.

Chiura Obata arbeitete vor allem mit Sumi-Tusche, um monochrome Gemälde zu schaffen. Sumi, auch Boku genannt, wird aus Ölruß und Tierleim hergestellt. Er verwendete spezielle Pinsel, darunter den Choryu-Pinsel (für Flexibilität), den Bergpferd-Pinsel (für Textur) und den Renpitsu-Pinsel (für Regenwolken). Obata setzte Techniken wie „tarashi komi“ (das Auftropfen von Tusche oder Wasser auf noch feuchte Bildpartien), „bokkotsu“ (ohne Konturlinien) und wechselnde Pinselstriche ein, um Textur und Tonwerte zu erzeugen. Er nutzte sowohl „haboku“ (gebrochene Tusche) als auch „hatsuboku“ (gespritzte Tusche), um eine lebendige, dynamische Wirkung zu erzielen. Für Farbe kombinierte Obata manchmal blaustichige und braunstichige Sumi-Tuschen, um einen Farbeindruck zu erzeugen. Außerdem verwendete er japanisches Silberpigment, um über dunkler Tusche Regen- und Windeffekte hinzuzufügen. Er bereitete sein Papier vor, indem er es auf eine Platte aufzog, was beim Auftragen großer Wassermengen für Stabilität sorgte. Obata setzte in einigen Gemälden auch Blattgold und Goldstaub ein. Für Vorzeichnungen nutzte er einen Federstauber, um Kohlestriche wieder zu entfernen.

Chiura Obata unterrichtete viele Jahre lang Kunst, und sein Einfluss zeigt sich im Werk seiner Schüler. Miki Hayakawa, die am California College of Arts and Crafts und an der California School of Fine Arts studierte, war aktiv in der Kunstszene San Franciscos engagiert. Ihre Stillleben und andere Werke wurden im gesamten Bay Area weit ausgestellt. Yun Gee, ein chinesisch-amerikanischer Künstler, war Schüler von Otis Oldfield. Gees Stillleben von 1926^[1] und 1927 zeigen die Bedeutung von Farbe und rhythmischer Form. Seine kleinen, halbabstrakten Kompositionen stehen in Verbindung mit dem Synchromismus und dem Orphismus und weisen energiegeladene Oberflächen aus unregelmäßigen Flächen und Formen auf. Ein Kunsthistoriker hat angemerkt, dass Gees „Skull“ Objekt und Farbe zu einem dynamischen Strudel vereint und damit Picassos Totenkopfstudien der 1940er Jahre vorwegnimmt. Obatas Werk und Lehrtätigkeit trugen zur Entwicklung eines unverwechselbaren kalifornischen Stils bei, insbesondere in der Aquarelltechnik.

Chiura Obatas künstlerische Entwicklung vollzog sich sowohl in Japan als auch in den Vereinigten Staaten und setzte ihn einer Reihe von Einflüssen aus. Zunächst erhielt Obata eine formale Ausbildung in traditionellen japanischen Kunstformen und erlernte Sumi-e (Tuschemalerei) und Kalligrafie. Diese Disziplinen vermittelten ihm ein starkes Gefühl für Linie, Komposition und die Wertschätzung der Natur, Elemente, die sich durch seine gesamte Laufbahn zogen. Später, nach seiner Auswanderung nach Kalifornien, begegnete Obata modernen westlichen Kunstbewegungen. Er kam mit dem Synchromismus und dessen Betonung der Farbtheorie sowie mit dem Kubismus, der Abstraktion und geometrische Formen erkundete, in Kontakt. Manche Wissenschaftler vermuten, dass Künstler wie Stanton Macdonald-Wright, der an der Art Students League of Los Angeles und am Chouinard Art Institute lehrte, Obatas Werk beeinflusst haben könnten. Obata verband diese vielfältigen Einflüsse und vereinte japanische Ästhetik mit westlichen modernistischen Ideen. Er entwickelte einen einzigartigen Stil, der die Erhabenheit des amerikanischen Westens einfing und dabei ein östliches Gespür bewahrte.

Es ist schwierig, ein einzelnes Werk als Chiura Obatas „berühmtestes“ zu benennen. Er schuf im Laufe seiner Laufbahn ein umfangreiches und vielseitiges Werk. Obata wanderte 1903^[1] in die Vereinigten Staaten aus und wird mit der Entwicklung des kalifornischen Modernismus in Verbindung gebracht. Er arbeitete in mehreren Medien, darunter Malerei, Zeichnung und Druckgrafik. Bekannt ist er für sein Können in der Sumi-e-Tuschemalerei, mit der er traditionelle japanische Techniken einsetzte, um die Landschaften seiner neuen Heimat einzufangen. Während des Zweiten Weltkriegs wurden Obata und seine Familie zusammen mit anderen japanischstämmigen Amerikanern interniert. Während seiner Internierung organisierte er Kunstkurse für Mitgefangene und schuf zahlreiche Skizzen und Gemälde, die ihre Erfahrungen dokumentierten. Diese Werke bilden ein wertvolles historisches Zeugnis und werden häufig ausgestellt.

Chiura Obatas künstlerische Zugehörigkeiten sind vielschichtig, da er in verschiedenen Stilen und Strömungen arbeitete. Während der Meiji-Zeit (1868-1912^[1]) in Japan gab es eine klare Unterscheidung zwischen westlicher Malerei (Yoga) und japanischer Malerei (Nihonga^[1]). Der Begriff Nihonga entstand in den 1880er-Jahren, um die japanische Malerei mit ihren traditionellen Medien und Themen von der Yoga abzugrenzen. Zuvor hatten bestimmte Arten japanischer Malerei eigene Bezeichnungen, doch es gab keinen übergeordneten Begriff. Die Förderung der Nihonga sollte traditionelle japanische Techniken vor westlichen Einflüssen bewahren. Manche Künstler versuchten jedoch, westliche Techniken in die japanische Kunst einzubringen. Persönlichkeiten wie Ōshita Tōjirō erkundeten den Einsatz von Aquarellfarbe, da sie glaubten, diese passe besser zur japanischen Sensibilität als Ölfarbe. Ōshita suchte nach neuen japanischen Landschaften zum Malen und ließ sich dabei von Künstlern inspirieren, die über die üblichen touristischen Orte hinausgingen. Obatas Werk vereinte womöglich Elemente sowohl der Nihonga als auch westlicher Stile und spiegelte damit die künstlerischen Debatten seiner Zeit wider. Er ordnete sich wohl keiner einzelnen Strömung eindeutig zu, doch seine Kunst dürfte sich mit den breiteren Diskussionen über Tradition und Erneuerung in der japanischen Malerei auseinandergesetzt haben.

Chiura Obata (1885^[1]-1975^[1]) war ein japanisch-amerikanischer Künstler, bekannt für seine Gemälde und Druckgrafik. Besonders bekannt ist er für seine Darstellungen des amerikanischen Westens. Obata wurde in Japan geboren und wanderte 1903^[1] in die Vereinigten Staaten aus. Zunächst arbeitete er in San Francisco als Gebrauchsgrafiker und Illustrator. In der dortigen Kunstszene wurde er zu einer zentralen Persönlichkeit und half 1912 bei der Gründung der California Society of Printmakers. Obatas Stil verbindet japanische Kunsttraditionen mit westlicher Moderne. Seine Werke zeigen oft markante Kompositionen, ausdrucksstarke Pinselstriche und eine ausgeprägte Atmosphäre. Auf ausgedehnten Reisen durch Kalifornien und die umliegenden Bundesstaaten hielt er Schönheit und Erhabenheit der Natur in Serien wie „World Landscape“ fest. Während des Zweiten Weltkriegs wurden Obata und seine Familie in Internierungslager für Menschen japanischer Herkunft gebracht. Dort unterrichtete und arbeitete er weiter, um die Moral seiner Mitgefangenen zu stärken. Nach dem Krieg lehrte Obata bis zu seinem Ruhestand 1954 an der University of California, Berkeley. Seine Kunst ist weiterhin beliebt und in Museumssammlungen überall in den Vereinigten Staaten vertreten.