Var du kan se Émilie Charmy

Émilie Charmys målningar finns i olika samlingar, men det är inte allmänt känt exakt var hennes verk finns. För att hitta dem kan man söka i museikataloger och databaser över offentliga samlingar. Där finns ofta uppgifter om vilka verk olika institutioner äger. Håll också utkik efter utställningslistor från större museer och gallerier. Retrospektiver och temautställningar visar ibland hennes målningar. Auktionshus som Sotheby's och Christie's tar ibland med hennes verk i försäljningar, och deras nätkataloger visar bilder och proveniensuppgifter. Konstmarknadssajter och gallerilistor kan också ange var verk visas eller säljs. Även mindre regionala museer, särskilt i Frankrike, kan vara värda ett besök eftersom de ibland har verk av konstnärer med lokal anknytning.

Émilie Charmys tryck befinner sig, liksom alla fotografiska tryck, i ett potentiellt förvirrande mellanläge mellan originalverk och reproduktion. Marknaden skiljer mellan olika typer av fotografiska tryck utifrån när de gjordes och vem som var inblandad i framställningen. Ett "vintagetryck" görs ungefär vid samma tid som negativet togs. Ett "periodtryck" görs inom ungefär tio till femton år från den ursprungliga bilden. Tryck som görs senare är antingen "gamla" eller "moderna". Ett "originaltryck" är ett som gjorts av konstnären eller under dennes direkta överinseende. En "faksimil" är ett tryck som gjorts genom att fotografera om ett tryck, eller genom att använda det ursprungliga negativet, med underlag och framkallning så nära originalet som möjligt. Ett trycks värde påverkas av vem som framställde det och när. Ett fotografi av Imogen Cunningham, framkallat av henne själv, var till exempel värt mer än ett framkallat av ett laboratorium men signerat av henne, och båda var värda mer än ett framkallat efter hennes död. Marknaden utgår i allmänhet från att ett tryck är original när konstnären signerar det och därmed bekräftar att det överensstämmer med dennes avsikt.

Émilie Charmys konstnärskap är betydelsefullt för sitt bidrag till det tidiga 1900^[1]-talets modernism, och för hur det korsar diskussioner om genus och konstnärlig identitet. Charmy, verksam i Frankrike, blev erkänd under en period då kvinnliga konstnärer mötte betydande hinder. Hennes karriär ger insikt i de utmaningar och möjligheter som fanns tillgängliga för kvinnor som ville göra konstnärskarriär vid den tiden. Till skillnad från några av sina samtida föddes hon inte in i en konstnärsfamilj, och fick därför själv hitta sin väg in i gemenskapen. Kritikens mottagande av kvinnliga konstnärer fokuserade ofta på deras upplevda kvinnlighet, vilket ibland överskuggade deras konstnärliga bedrifter. Genom att undersöka Charmys karriär kan vi analysera hur könsbestämda förväntningar formade mottagandet och tolkningen av hennes verk. Hennes val av konstnärlig praktik, utbildning och utställningsplatser återspeglar de begränsningar som lades på kvinnor. Genom att studera Charmy kan vi bättre förstå dynamiken mellan samhälleliga normer och konstnärligt uttryck under en omvälvande period i konsthistorien.

Émilie Charmy var en fransk målare som utbildade sig i Lyon och var verksam i Paris i början av 1900^[1]-talet.

Det är svårt att säga exakt vem Émilie Charmy påverkade, eftersom inflytande inte alltid är ett direkt eller lätt spårbart fenomen. Konsthistorisk forskning antyder att inflytande inte enbart är en fråga om likhet; det innefattar studiet av citat, spår och omformningar. Harold Bloom föreslår i *The Anxiety of Influence* att konstnärer med kraftfull fantasi svarar på sina föregångares konst genom en sorts tillägnelse. Nederländska konstnärer som Dou, Mieris och Metsu skapade ömsinta, intima scener ur det borgerliga familjelivet som senare imiterades av andra konstnärer. Målare som Nicolas-Bernard Lépicié, Louis Léopold Boilly, Martin Drolling, Margueritte Gérard och till och med Jacques-Louis David kände till denna tradition. Enligt en kritiker ville varje konstälskare pryda sitt arbetsrum med ”charmants et gracieux interieurs hollandais”.

Det är svårt att peka ut Émilie Charmys enskilt mest berömda verk, eftersom olika källor kan lyfta fram olika verk. En genomgång av tillgängliga titlar antyder dock flera återkommande teman och motiv i hennes konstnärskap. Charmy skapade ett antal självporträtt, bland annat ett som identifierats som Self-Portrait with a White Hat. Hon skapade också porträtt av andra personer, som Portrait of a Woman. Stillebenkompositioner var ett annat fokusområde, med titlar som Sugar Bowl som återkommer mer än en gång. Charmy utforskade också hemmiljöer, vilket syns i After Bathing och Girl looking into a mirror. Dessa verk, tillsammans med hennes porträtt, ger inblick i hennes konstnärliga intressen och de motiv hon valde att skildra.

Émilie Charmy förknippas med fauvismen, en avantgardistisk rörelse i början av 1900^[1]-talet som väckte uppmärksamhet i Paris från omkring 1905. Fauvisterna (franska för ”vilda djur”) omfattade konstnärer som Henri Matisse, André Derain och Kees van Dongen. De bröt med den akademiska traditionen genom att använda starka, ofta onaturliga färger och förenklade former. Namnet ”fauver” uppstod vid Salon d’Automne 1905, som en reaktion på konstnärernas energiska, lösa penseldrag och djärva färgbruk. Fauvisterna ville frigöra färgen och använda den för att uttrycka känslor i stället för att realistiskt återge föremål. Själva rörelsen blev kortvarig, men många av dess medlemmar utforskade nya sätt att använda färg. Matisse fortsatte till exempel att använda klara färger och collageinslag i sina senare verk.

Émilie Charmy förknippas med fauvismen, en konstnärlig rörelse som uppstod i Frankrike i början av 1900^[1]-talet. Fauvismen, med konstnärer som Henri Matisse, André Derain och Maurice de Vlaminck, gjorde en omstridd debut 1905 på Salon d'Automne i Paris. Fauvisterna (”vilda djur”) bröt mot traditionella konventioner. De använde färgen som sitt främsta uttrycksmedel och lade ofta på den djärvt och icke-naturalistiskt. Detta skilde sig från École des Beaux-Arts mer rigida tekniker. Fauvisterna sökte ett nytt kromatiskt språk och använde färg utanför dess invanda sammanhang. De föredrog plana färgfält och mättade kulörer i sina målningar. Rörelsen var kortlivad men fick stor betydelse för den moderna konstens utveckling. Vissa forskare menar att den fauvistiska stilen förblev inflytelserik i europeiskt måleri under många år.