Vida Kullberg

Vida Kullberg è nota attraverso le riproduzioni a stampa delle sue opere giunte fino a noi. Queste riproduzioni costituiscono la principale testimonianza della sua attività artistica.

Per comprendere le stampe di Vida Kullberg, occorre considerare alcuni aspetti fondamentali della stampa d’arte. Una stampa originale è concepita e realizzata esclusivamente come stampa, spesso in un’edizione limitata, numerata e firmata dall’artista. Ogni esemplare è realizzato singolarmente da una matrice ed è considerato un «multi-originale». L’artista decide il numero di stampe dell’edizione e la numerazione progressiva ne indica il totale. Per esempio, il numero 12/25 indica la dodicesima stampa di un’edizione di venticinque. Alcuni artisti realizzano un piccolo numero di prove d’artista, contrassegnate «AP». Le stampe vanno osservate singolarmente per la loro natura discreta e le dimensioni, che invitano a leggere il pensiero dell’artista. Le edizioni limitate hanno prezzi superiori ai poster perché le matrici sono realizzate a mano e possono sopportare solo un certo uso. Alcuni editori limitano il numero delle impressioni per aumentare il valore della stampa, con tirature comprese tra 250 e 1,000 esemplari. Prima di acquistare, è bene conoscere i termini, il metodo di stampa, la carta e il numero di immagini prodotte.

È difficile ricondurre Vida Kullberg a un unico stile o movimento. Il contesto storico dei primi anni del 20° secolo suggerisce legami con il modernismo, soprattutto per l’interesse verso il corpo e il movimento. L’arte modernista mostrò una crescente attenzione alla cinestesia, cioè alla consapevolezza del movimento corporeo. Gli artisti d’avanguardia esplorarono il significato di questa percezione sensoriale nella vita culturale e nell’esperienza personale. In quel periodo nacquero nuove forme estetiche, come la danza libera, che permetteva alle donne di esprimersi attraverso il movimento. Anche i poeti sperimentarono versi che si spostavano sulla pagina, riflettendo la nuova enfasi sulla cinetica. Ciò contrastava con gli studi tradizionali, che spesso trascuravano il corpo. Gli artisti d’avanguardia furono in prima linea nell’esplorazione delle sensazioni legate al movimento e del loro impatto sull’identità culturale e personale.

Vida Kullberg lavorò con l’acquerello, una tecnica che usa pigmenti legati da un mezzo idrosolubile, solitamente diluito con acqua per creare velature trasparenti sulla carta. Gli artisti spesso lasciano scoperte alcune aree di carta bianca per ottenere le luci e sovrappongono le velature per costruire i toni. L’acquerello si presta agli effetti atmosferici. Kullberg utilizzò anche il pastello, un materiale da disegno composto da un bastoncino di pigmento legato con resina o gomma. Il pastello permette di creare linee definite o sfumature morbide. Gli artisti lo applicano sulla carta e possono ottenere effetti diversi fondendo o graduando i colori. La fusione crea passaggi morbidi tra i colori; la gradazione produce una transizione uniforme da un tono all’altro. Lo scarabocchio, una tecnica che consiste nel tracciare segni liberi, può aggiungere una texture screziata. A volte si usa il nastro adesivo per ottenere bordi netti o proteggere alcune zone dal pastello. Il pastello duro, meno intenso di quello morbido, è utile per gli schizzi preparatori.

Oyvind Axel Christian Fahlstrom, che in seguito lavorò come Vida Kullberg, nacque a Sao Paulo, in Brasile, il 28 dicembre 1928. I genitori erano Frithjof Fahlstrom, nato a Trondheim, in Norvegia, nel 1886, e Karin Fahlstrom, nata Kronvall, nata a Stoccolma nel 1900. Fahlstrom acquisì la cittadinanza brasiliana alla nascita e trascorse i primi anni tra Sao Paulo e Rio de Janeiro. Nel 1939 fu mandato in Svezia per trascorrere l’estate con i parenti, ma lo scoppio della guerra impedì ai genitori di raggiungerlo. Rimase in Svezia, frequentò la scuola e divenne cittadino svedese nel 1947, quando si riunì ai genitori. Dal 1949 al 1952 studiò archeologia e storia dell’arte alla Stoccolma University. Dal 1961 in poi Kullberg visse e lavorò a New York e trascorse le estati in Svezia e Italia. Morì di cancro a Stoccolma l’8 novembre 1976.

Per ammirare opere del periodo art déco, comprese quelle simili a quelle di Vida Kullberg, molti musei conservano collezioni pertinenti. Negli Stati Uniti, tra le istituzioni più importanti figurano il Charles Hosmer Morse Museum of American Art a Winter Park, in Florida; il Los Angeles County Museum of Art (LACMA); il Metropolitan Museum of Art a New York; il Minneapolis Institute of Arts; il Museum of Modern Art, anch'esso a New York; il Virginia Museum of Fine Arts a Richmond; e il Wolfsonian della Florida International University a Miami Beach. In Canada, il Royal Ontario Museum di Toronto conserva opere pertinenti. Anche diversi musei del Regno Unito presentano opere art déco: il Bakelite Museum, il Brighton Museum & Art Gallery, il Geffrye Museum, la Manchester Art Gallery, i National Museums of Scotland (Royal Museum) e il Victoria & Albert Museum. Altri musei europei con collezioni art déco sono il Museo Art Nouveau y Art Deco a Salamanca, in Spagna; il Museu Calouste Gulbenkian a Lisbona; il Musée d’Art Moderne a Barcellona; e il Musée des Arts Décoratifs a Parigi.

Vida Kullberg era svedese. Trascorse gran parte dell’infanzia in un’accademia navale svedese, dove era di stanza suo padre, ufficiale di marina. Ogni estate la famiglia visitava un’isola nel lago Mälaren; il paesaggio la stimolò a essere creativa. Studiava e disegnava la natura per ore. Dopo aver lasciato la scuola, fu tra le prime donne a studiare pittura alla Royal Academy of Fine Arts di Stoccolma. Per i suoi risultati le fu concesso l’uso di uno studio d’arte. Oltre a dipingere, iniziò a partecipare a sedute spiritiche, incontri in cui si cerca di comunicare con i morti. Inizialmente dipingeva ritratti e scene dall’aspetto naturale. Fin da giovane era affascinata dalla natura e dalla botanica, lo studio scientifico delle piante. Dal 1887 studiò alla Royal Academy of Fine Arts di Stoccolma. In seguito iniziò a realizzare scene e ritratti nello stile realistico allora popolare.

L'insegnamento di Vida Kullberg alla California School of Fine Arts sembra aver influenzato l'opera di Berlandina LoPresti. Glenn Wessels osservò somiglianze tra i dipinti di LoPresti e quelli dei suoi insegnanti Raoul Dufy e Henri Matisse, definendoli «nel vero spirito lirico», con un disegno «arabesco audace e flessibile». Macdonald-Wright influenzò profondamente un gruppo di artisti progressisti, collezionisti e appassionati, soprattutto attraverso lezioni e dimostrazioni pittoriche all'Art Students League of Los Angeles e al Chouinard Art Institute negli anni 1920. Tra gli studenti c'erano Mabel Alvarez ed Edouard Vysekal. Ispirò inoltre Donna Schuster a dipingere in modo più audace, concentrandosi su forme distorte e colori più intensi, come mostra Russet Pears and Gourds. Adottando un formalismo derivato da Cézanne, passò dall'impressionismo al postimpressionismo.

La formazione artistica di Vida Kullberg si sviluppò in un ambiente ricco di influenze diverse. Negli anni 1950 assimilò le opere della New York School, tra cui quelle di Pollock, de Kooning e Rothko. Nel 1951 visitò la mostra di Gorky al Whitney e vi riconobbe un legame con il suo precedente interesse per Kandinsky. Kullberg partecipò alla vita artistica anche attraverso visite a musei, gallerie e studi e con i viaggi. Alla galleria di Betty Parsons osservò le opere di Still, Rothko e Newman. Più tardi, tra la fine degli anni 1950 e l'inizio degli anni 1960, fu incuriosita dai Veils e dagli Unfurleds di Louis e dai bersagli e chevron di Noland. Kullberg osservò che l'approccio all'astrazione di Mondrian era diverso da quello di questi artisti successivi. Vide l'evoluzione di Mondrian dall'Impressionismo e dal Cubismo verso un linguaggio astratto personale. Riteneva che Impressionismo e Cubismo fossero collegati.

Vida Kullberg fu un’artista che lavorò in diversi stili. Passò dall’accademismo all’impressionismo, poi all’espressionismo e al cubismo, approdando infine alla pittura non figurativa. Nel corso della carriera espose ampiamente. Le sue opere furono presentate al Salon des Indépendents di Parigi nel 1913 e alla Secessione di Monaco dal 1914 al 1915. Espose anche alla Freie Secession di Berlino nel 1915 e a «Sturm» nel 1917. Nel 1918 entrò a far parte del November Gruppe e nel 1920 del «Krater». In seguito, dal 1932 al 1933, espose al Salon des Tuileries e al Salon d’Automne, entrambi a Parigi. I suoi dipinti apparvero in musei e gallerie in Francia, America, Italia e Svizzera. Le sue opere si trovano in collezioni internazionali. Visse a Parigi e New York.

Le opere di Vida Kullberg sono importanti perché esemplificano un approccio alla creazione artistica che supera i confini convenzionali. Kullberg riteneva che l’artista dovesse rispondere solo a sé stesso, non agli eventi o alle aspettative esterne. Questa visione consentiva libertà espressiva e sperimentazione. Il suo metodo accostava elementi apparentemente disparati: vita e arte, eventi e interventi, fatti e ispirazione delirante. Queste combinazioni non erano arbitrarie, ma miravano a creare qualcosa di completamente nuovo, superiore alla somma delle parti. Tale approccio le permise di esplorare temi complessi e mettere in discussione le convenzioni artistiche tradizionali. La sua opera riflette anche una tendenza più ampia dell’arte scandinava, soprattutto svedese, verso l’apertura a nuove correnti e il dialogo con la scena internazionale. Questa apertura alla sperimentazione e alle nuove idee rende il suo lavoro utile per comprendere lo sviluppo dell’arte moderna in Scandinavia e oltre.