Robert Johnson

È difficile indicare una sola opera come la più famosa di Robert Johnson, poiché la sua produzione era varia. Tra il 1955 e il 1959 realizzò quelle che chiamava «combines», opere difficili da classificare e collocate tra pittura e scultura. Vi integrava oggetti quotidiani, come una capra impagliata, un letto o pneumatici. Queste opere mostrano il suo approccio sperimentale ai materiali. In precedenza, tra il 1949 e il 1951, aveva sperimentato con progetti fotografici. Nel 1951 tenne la prima mostra personale alla Betty Parsons Gallery di New York. Nello stesso periodo, nel 1951-52, realizzò dipinti interamente neri o bianchi. Nel 1953 iniziò una serie di dipinti completamente rossi. Uno di questi, Red Painting (1953), presenta una superficie stratificata di giornale e tessuto ricoperta da diverse tonalità di rosso. Nel 1953 cancellò anche un disegno di de Kooning, gesto diventato celebre. Progettò scenografie e costumi per la compagnia di danza di Merce Cunningham e per Paul Taylor.

Le stampe di Robert Johnson sono solitamente vendute in edizioni limitate. È l'artista a stabilire il numero di stampe di un'edizione, non la tecnica. La maggior parte degli incisori limita le proprie edizioni. Il numero dell'edizione è scritto a matita sul margine inferiore sinistro della stampa, come frazione: il numero dell'esemplare sopra il totale (per esempio, 12/25 indica la dodicesima stampa di 25). Il titolo è scritto al centro e la firma dell'artista a destra. Alcuni artisti realizzano anche una serie separata di «prove d'artista», in genere pari al dieci per cento dell'edizione, contrassegnate con «AP» dopo la numerazione. La Professional Art Dealers Association of Canada definisce una stampa originale come concepita ed eseguita esclusivamente come stampa, di solito in un'edizione numerata e firmata dall'artista. Ogni esemplare viene inchiostrato e stampato singolarmente; è un mezzo a originali multipli. La numerazione indica il numero di stampe dell'edizione.

Robert Johnson usa colori a olio di qualità professionale. Per le superfici pittoriche usa MDF trattato con gesso, tela preparata applicata a pannelli MDF e tela preparata. Preferisce una tela di cotone a trama fine, preparata con tre mani di primer acrilico al gesso. Johnson trova gratificante preparare e tendere da sé le tele, perché così garantisce la qualità desiderata e concentra i pensieri prima di dipingere. Usa pennelli a lingua di gatto e piatti, da piccoli a grandi, con setole di maiale. Evita i pennelli sintetici perché non hanno la resistenza elastica delle setole naturali sulla tela. Preferisce pennelli di setole ben consumati: la loro punta smussata consente un uso più ampio del colore a olio ed evita segni eccessivamente spigolosi.

Per vedere opere simili a quelle di Robert Johnson si possono visitare musei con importanti collezioni Art Déco. Negli Stati Uniti, tra le istituzioni che conservano opere pertinenti figurano il Charles Hosmer Morse Museum of American Art a Winter Park, in Florida; il Los Angeles County Museum of Art (LACMA); il Metropolitan Museum of Art di New York; il Minneapolis Institute of Arts; il Museum of Modern Art, anch'esso a New York; il Virginia Museum of Fine Arts a Richmond; e il Wolfsonian della Florida International University a Miami Beach. In Canada, il Royal Ontario Museum di Toronto potrebbe custodire opere pertinenti. Nel Regno Unito si possono prendere in considerazione il Bakelite Museum di Williton, il Brighton Museum & Art Gallery, il Geffrye Museum di Londra, la Manchester Art Gallery, i National Museums of Scotland, Royal Museum, a Edimburgo e il Victoria & Albert Museum di Londra.

Robert Johnson era un musicista blues. È difficile isolare l’influenza di singoli artisti quando si considerano i rapporti formativi tra diverse arti, poiché spesso coinvolgono interi gruppi e generazioni che lavorano in mezzi differenti. Gli effetti del jazz e del blues sono legati a estetiche specifiche. Gli artisti interessati all’arte africana mettevano in relazione queste forme artistiche con la musica jazz per gli impulsi che cercavano. Altri, attenti al modernismo e alla vita urbana, interpretavano i suoni del jazz come analoghi alla propria esperienza della città moderna. La pittrice Joan Mitchell affermò di aver «cercato di prendere da tutti». Le immagini che le si formavano nella mente rispondevano alle esigenze della sua arte. Per esempio, Ingres ebbe brevemente importanza per lei perché de Kooning aveva attinto alla sua opera e lei, a sua volta, a quella di de Kooning. Furono più importanti i dipinti di Kandinsky, Matisse, Mondrian, Gorky e dello stesso de Kooning. La ispirarono anche Bach e il musicista blues Snooky Pryor. Jackson Pollock amava il jazz e lo ascoltava mentre lavorava. Sono stati tracciati parallelismi tra colore, motivi e spontaneità dei suoi dipinti e l’improvvisazione jazz.

William H. Johnson (1901-1970) fu un artista afroamericano. Nato a Florence, nella Carolina del Sud, mostrò presto interesse per l’arte. Johnson si trasferì a New York e successivamente in Europa per sviluppare le proprie capacità di pittore. Negli anni 1930, Johnson lavorò in uno stile espressionista. Questi dipinti utilizzavano linee curve per deformare l’immagine. Questo approccio non trovò un pubblico in Europa, così tornò negli Stati Uniti, ma il successo gli sfuggì anche lì. Johnson tornò in Europa e sviluppò un nuovo stile cosiddetto «primitivo». Queste opere utilizzavano colori più vivaci e apparivano più piatte, con meno profondità tridimensionale rispetto ai dipinti precedenti. Potrebbe essere stato influenzato dall’arte popolare, in particolare dalle trapunte colorate realizzate dalle donne afroamericane. Dopo un altro trasferimento a New York e poi brevemente nella Carolina del Sud, Johnson adottò questo stile per raffigurare la storia e la cultura degli afroamericani. Molti suoi dipinti ritraggono la vita del Sud. Nonostante la qualità della sua produzione, Johnson non ricevette molto riconoscimento pubblico durante la vita. Il riconoscimento giunse poco prima della morte quando, nel 1966, la Smithsonian Institution di Washington, D.C., accettò di accogliere l’intera opera della sua vita.