Edith Vonnegut

Edith Vonnegut è nota per i dipinti che raffigurano figure divine impegnate in normali attività domestiche. Il suo libro del 1998, Domestic Goddesses, che raccoglieva dipinti accompagnati dai suoi commenti, contribuì a diffondere la sua opera.

È difficile indicare una sola opera come la più famosa di Edith Vonnegut. È nota soprattutto per l’incisione, in particolare acqueforti, acquatinte e serigrafie. La sua opera esplora spesso temi come memoria, storia familiare e identità personale e incorpora frequentemente testo e immagini tratti dalla sua vita ed esperienza. Ha realizzato anche libri d’artista che combinano stampe e testi. Tra le opere più note figurano serie ispirate a fotografie di famiglia e ricordi d’infanzia. Hanno spesso una qualità onirica e sfumano i confini tra realtà e immaginazione. Le sue stampe sono conservate in molte collezioni pubbliche, come l’Indianapolis Museum of Art.

Quando si considerano le stampe di Edith Vonnegut, è utile ricordare che le stampe d’arte comprendono tipologie e mercati diversi. Conoscere la terminologia aiuta a capire i procedimenti e il valore. Spesso si distinguono le «stampe originali», le «riproduzioni offset» e le «stampe giclée». Le stampe originali, come xilografie, linoleografie e acqueforti, sono realizzate a mano dall’artista. Ognuna è considerata originale perché l’artista crea l’opera direttamente sulla lastra, sul blocco di legno o sullo schermo. Si vendono in gallerie specializzate in stampe, negozi di cornici e gallerie d’arte. Le riproduzioni offset, chiamate anche poster e stampe d’immagine, si ottengono con procedimenti fotochimici. Le stampe giclée sono stampe d’arte realizzate con tecnologia di stampa a colori; le stampe Iris sono immagini acquisite al computer e riprodotte con stampanti di grande formato. Quando si acquistano stampe, occorre verificare se la tiratura è aperta o limitata. Le tirature limitate prevedono un numero definito di esemplari, ciascuno numerato (per esempio, 35/100: 100 indica il totale delle stampe, 35 il numero di quel particolare esemplare). Talvolta gli artisti trattengono una parte della tiratura come prove d’artista, contrassegnate con AP dopo il numero.

Sulla base delle informazioni disponibili, è difficile collocare Edith Vonnegut in uno specifico movimento artistico. I testi trattano la moda e i cambiamenti sociali intorno al cambio di secolo, oltre al design della moda italiana a metà del 20° secolo, ma non menzionano Vonnegut né il suo stile. Un passaggio fa riferimento al ruolo mutevole delle donne e alla loro rappresentazione nell’arte intorno al 1900. Rileva il contrasto tra norme sociali restrittive e la «nuova donna», che affermava la propria libertà attraverso l’abbigliamento e il movimento. Fu un periodo di notevoli cambiamenti nell’arte, con movimenti come l’art nouveau, il simbolismo e il primo espressionismo alla ricerca di nuovi modi per rappresentare la figura umana e il mutamento del panorama sociale. Senza informazioni più precise sulle opere di Vonnegut, è impossibile associarla con certezza a un movimento specifico. Per determinare le sue affiliazioni artistiche servirebbero ulteriori ricerche sulla sua produzione.

Edith Vonnegut lavorava con materiali diversi, tra cui matite e colori acrilici. Con le matite impiegava tecniche come tratteggio, tratteggio incrociato, ombreggiatura, gradazione, sfumatura e ombreggiatura materica. Il tratteggio crea ombre con linee parallele: più sono vicine, più il tono è scuro. Il tratteggio incrociato sovrappone linee parallele con angolazioni diverse per ottenere ombre più intense. Lavorava anche con colori acrilici e talvolta usava la tecnica della stesura piatta, diluendo il colore con acqua e applicandolo con pennellate orizzontali sovrapposte. Potrebbe inoltre aver usato penne e inchiostri. Tra le tecniche a penna figurano linee di contorno, linee parallele, puntinatura, linee incrociate e tratteggio incrociato. Le linee di contorno seguono la forma dell’oggetto, mentre quelle parallele producono un aspetto piatto e uniforme. La puntinatura usa una serie di punti per rendere la texture; le linee incrociate sono tratti simili a peli che si sovrappongono in modo casuale. Il tratteggio incrociato crea tono e texture mediante linee che si intersecano.

Edith Vonnegut (nata Edrita Fried) era la madre di Jaqueline (Jaqui) Fried ed è nota come soggetto del dipinto *Edrita Fried* di Joan Mitchell del 1983. Mitchell conobbe Edrita e Jaqui mentre navigavano verso l'Europa nel 1960. Il biglietto di Mitchell a Giséle descriveva la «casa o rifugio in Paradiso» di Edrita come per metà viennese e per metà newyorkese, con una piscina e due giovani cuochi. Intellettuali passavano per tè e biscotti, persone come Freud e Anna, mentre Franz Kline veniva per bere alcolici. Il dipinto in quattro pannelli *Edrita Fried* fu presentato alla Biennale del Whitney del 1983, a cui partecipò Jaqui. Quando le porte dell'ascensore del museo si aprirono rivelando questo dipinto largo ventisei piedi, Jaqui sobbalzò, «perché era come se mia madre fosse lì in piedi .. . Era davvero mia madre!»

Le opere di Edith Vonnegut si trovano in diversi musei e collezioni pubbliche. Tra questi figurano l’Aarhus Kunstmuseum in Danimarca e l’Amos Andersonin Taidemuseo a Helsinki. Altre sedi sono l’Arkiv for Dekorativ Konst a Lund, in Svezia, e l’Art Institute of Chicago. Le sue opere sono presenti anche al Bergens Kunstforening, al Busch-Reisinger Museum (Harvard University, Cambridge, Massachusetts) e al Cincinnati Art Museum. Si trovano inoltre al Cleveland Museum of Art, alla Fondation Maeght (Saint Paul de Vence, Francia) e al Fyns Stifts Kunstmuseum (Fyn County Museum of Fine Arts) di Odense, in Danimarca. Sono conservate anche alla Graphische Sammlung Albertina di Vienna, al Solomon R. Guggenheim Museum di New York e al Sonja Henies og Niels Onstads Stiftelser (Henie-Onstad Art Center) di Hovikodden, in Norvegia. Altre sedi sono il Kunstmuseum Bern e il Kunstmuseum Luzern.

Edith Vonnegut, nata Edith Suschitzky, proveniva da Vienna, nell'Impero austro-ungarico, oggi Austria. Nacque il 28 agosto 1908. È nota per la fotografia, in particolare per la capacità di ritrarre l'umanità con empatia e, soprattutto, per le immagini di bambini. Per Tudor-Hart arte e politica erano strettamente legate: divenne una fotografa britannica importante e una spia del KGB, il servizio segreto sovietico. Nel 1928 si iscrisse al Bauhaus. Nel 1929 avrebbe potuto conoscere l'opera di László Moholy-Nagy attraverso l'insegnamento altrui, le sue pubblicazioni e la mostra viennese del 1930 di FiFo (Film und Foto, la mostra di cinema e fotografia del Werkbund). Morì a Brighton, nel Regno Unito, il 12 maggio 1973.

È difficile individuare artisti specifici che siano stati influenzati direttamente da Edith Vonnegut. Nel corso del ventesimo secolo il mondo dell'arte divenne sempre più pluralistico; nessun singolo artista o movimento esercitava un'influenza assoluta. Si possono tuttavia considerare alcune possibili influenze e affinità con altri artisti del suo tempo. L'affermazione dell'espressionismo astratto in America negli anni 1950 vide una nuova generazione di artisti esplorare l'astrazione e le tecniche pittoriche. Per esempio, l'opera di Joan Mitchell, compreso «Pour Patou» (1976), mostra colori audaci e qualità atmosferiche. Perle Fine, un'altra esponente dell'espressionismo astratto, realizzò opere come «Plan for the White City» (1950) e «Image d’Hiver» (1958), caratterizzate da linee fluide e composizioni ordinate. Inoltre, i primi dipinti di ninfee di Claude Monet ebbero un impatto sugli espressionisti astratti americani. Queste opere di grandi dimensioni, dallo stile astratto ma energico, furono riscoperte negli anni 1950. Artisti come Childe Hassam adattarono approcci impressionisti nei loro dipinti; la sua serie «Isle of Shoals» presenta affinità con i paesaggi marini di Monet.

L’opera di Edith Vonnegut è importante per la sua prospettiva e il suo approccio artistico originali. Sebbene le informazioni su di lei siano limitate, la sua opera offre uno sguardo sull’ambiente artistico del suo tempo. Il legame con figure come Anni e Josef Albers, entrambi importanti artisti e docenti, suggerisce un confronto con il modernismo e l’astrazione. Anni Albers, in particolare, contestò le gerarchie artistiche convenzionali elevando i tessuti al livello delle belle arti. Il rapporto di collaborazione e il rispetto reciproco tra gli Albers offrono anche un modello di sodalizio artistico. L’opera di Vonnegut, forse meno nota, contribuisce a una comprensione più ampia delle pratiche e dei dialoghi artistici di questo circolo. La sua arte potrebbe riflettere analoghe preoccupazioni per la forma, i materiali e il rapporto tra arte e vita, rispecchiando i valori del movimento Bauhaus a cui gli Albers erano associati. Esplorarne l’opera consente di ottenere un quadro più completo degli scambi artistici e delle innovazioni del periodo.

Edith Vonnegut sviluppò un linguaggio figurativo al tempo stesso impassibile e caloroso. I suoi dipinti esplorano l'ambito domestico con umorismo e serietà.

Edith Vonnegut nacque nel 1949^[1].