Où voir les œuvres de l’artiste Andre Cadere

Les œuvres d’André Cadere ont été exposées dans de grands musées et galeries du monde entier. À Paris, on peut voir son art au Musée national d’Art moderne, situé au Centre national d’art et de culture Georges-Pompidou. Parmi les autres musées français qui ont exposé son travail figurent le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris et le Centre national des arts plastiques. Hors de France, la Neue Nationalgalerie de Berlin et la Kunsthalle de Tübingen, en Allemagne, ont également présenté ses œuvres. L’Art Gallery of New South Wales de Sydney, en Australie, a aussi intégré son art à ses collections. Ces institutions permettent de voir et d’étudier la production artistique de Cadere.

Si André Cadere est surtout connu pour ses installations conceptuelles et ses performances avec des barres de bois peintes, il a également réalisé des estampes. La possibilité de répéter une image a permis à de nombreux artistes d’explorer leurs idées. Certains se servent de l’estampe pour prolonger des concepts d’abord développés dans d’autres médiums ; d’autres y trouvent des possibilités propres à ce médium. L’expérimentation en est souvent à l’origine de nouvelles découvertes. S. W. Hayter, novateur de l’eau-forte et de la gravure au vingtième siècle, a beaucoup influencé les artistes d’Europe et d’Amérique. Il encourageait l’expérimentation et l’automatisme. L’estampe a aussi permis d’explorer les rapports entre formes visuelles et écrites ; certains artistes ont créé des estampes pour accompagner leurs propres textes. Comme les estampes peuvent être produites en plus grand nombre et diffusées à moindre coût que des œuvres uniques, elles permettent aux artistes d’atteindre un public plus large.

Au cours de sa carrière, André Cadere a employé divers matériaux et techniques. À ses débuts, il a créé de petites sculptures en plexiglas et en bois, qu’il perçait et gravait tout en préservant les surfaces d’origine, semblables à des blocs. Ces formes étaient géométriques : cubes, sphères, cylindres ou pyramides. En 1958^[1], Cadere a réalisé des sculptures en bois plus grandes, décrites comme des « sculptures négatives » à taille humaine, taillées à la main dans des pièces de charpente. Il s’est rendu compte que le bois était meilleur avant la coupe et s’est mis à l’utiliser comme une découpe dans l’espace plutôt qu’à le creuser. Dans ses œuvres ultérieures, André a utilisé des modules commerciaux standardisés, identiques et définis par des combinaisons arithmétiques. Il s’agissait notamment de briques silico-calcaires, de blocs de béton, de blocs de plastique, de plaques de polystyrène expansé et de plaques métalliques en aluminium, cuivre, acier, magnésium, plomb et zinc. Ces matériaux étaient souvent disposés directement sur le sol, parfois selon des motifs précis ou des configurations géométriques.

André Cadere est surtout connu pour ses sculptures en bois intitulées *Barres de bois rond*. Elles sont faites de bâtons cylindriques en bois, peints de plusieurs couleurs et disposés dans un ordre précis. Cadere a commencé à créer ces sculptures au début des années 1970^[1]. Chaque *Barre de bois rond* est unique, l’ordre des couleurs étant déterminé par un système mathématique que Cadere perturbait parfois en introduisant une erreur. Les sculptures étaient portatives ; il les transportait souvent et les exposait dans différents contextes, à l’intérieur des galeries comme dans des espaces publics. Les *Barres de bois rond* remettaient en question les idées conventionnelles de sculpture, d’auteur et de marché de l’art. Cadere cherchait à démocratiser l’art en le faisant sortir des galeries traditionnelles pour entrer directement en contact avec le public. Ces sculptures sont devenues le symbole de sa pratique nomade et de sa critique du monde de l’art établi.

Né en 1935^[1], André Cadere est le plus souvent associé au minimalisme. Certains critiques ont toutefois rapproché son œuvre du constructivisme, même si ces comparaisons sont souvent jugées superficielles. Sa pratique reposait sur l’emploi de matériaux dans leur forme élémentaire et leur mise en relation directe avec l’espace environnant. Ses sculptures reposaient souvent à même le sol, rendant perceptible la gravité comme condition de la sculpture. Lors d’une exposition, il a disposé des briques silico-calcaires directement sur le sol selon différentes configurations. Ses premières œuvres ont été influencées par Constantin Brancusi, notamment par l’absence de distinction entre sculpture et socle. Il a également passé du temps dans l’atelier de Frank Stella, dont les idées sur les matériaux l’ont influencé. Son œuvre est résolument abstraite, mais elle se rattache aussi à la nature en reconnaissant le sol comme un espace d’existence.

André Cadere (1934^[1]-1978^[1]) était un artiste conceptuel roumano-français connu pour ses « Barres de bois rond », ou barres de bois. Ces sculptures se composaient de segments cylindriques en bois, peints de différentes couleurs et disposés dans un ordre précis. Cadere a commencé à les créer au début des années 1970^[1]. Ces barres étaient destinées à contester les notions conventionnelles de sculpture et de présentation de l’art. Il les transportait souvent sans autorisation dans des galeries, des musées et des espaces publics. Cette intervention volontaire remettait en cause le monde de l’art établi et ses institutions. Sa pratique reposait sur une perturbation calculée. Bien que les séquences de couleurs des segments semblent aléatoires, elles suivent une logique précise et comportent toujours un élément délibérément déplacé. Cette « erreur » est intentionnelle : elle introduit l’imperfection et remet en question la perception de l’ordre par le spectateur. Son approche nomade et l’usage de formes simples et portatives lui permettaient de contourner les galeries traditionnelles, de dialoguer directement avec le public et de redéfinir les limites de l’art.

André Cadere est connu pour ses barres de bois taillées et peintes, qu’il appelait Barres de bois rond. De 1970^[1] jusqu’à sa mort, il les fabriquait à la main ; chacune était divisée en segments de couleur selon une suite mathématique, avec une erreur délibérée. Il les introduisait sans invitation dans les expositions et vernissages d’autres artistes et dans des institutions à travers l’Europe, dans le cadre d’une critique institutionnelle.