Dónde ver a Antonio Corradini

Las esculturas y los modelos de Antonio Corradini se encuentran en varios lugares. En Florencia, Italia, se conservan obras suyas en la Galleria dell’Accademia, la Galleria degli Uffizi y el Museo Nazionale del Bargello. Otros lugares florentinos son Palazzo Bartolini-Salimbieni, Palazzo Pitti y S. Croce. Algunas obras pertenecen a la Colección Contini-Bonacossi, aunque el pasaje no indica dónde se encuentra esta colección. Estos lugares albergan esculturas, modelos y relieves diversos. Entre las obras figuran: St. Lawrence, David, Model for the Rape of the Sabines (arcilla), River God, St. Matthew, Anima Dannata (dibujos), The Dying Alexander (busto), Hercules overcoming a centaur, Medusa, Menelaus and Patroclus, Perseus, The Appenine, Cosimo I de’Medici (busto), Costanza Bonarelli (busto), Crucifixion of St. Peter, Resurrection, Shield with Head of Medusa, decoraciones al esgrafiado, relieves de cera: Purgatory, Hell, Prato Fiorentino (mapa), Allegory of Painting (Tomb of Michelangelo), escudo de armas de De Barberino, Confirmation of the Order of St. Francis y púlpito.

Antonio Corradini fue un escultor rococó italiano de Venecia, activo en el siglo 18. Aunque no es especialmente conocido por sus estampas, sus esculturas se documentaron en forma impresa, como ocurrió con muchas obras de artistas de la época. Un ejemplo destacado de esa documentación es la *Galleria Giustiniana*, uno de los primeros catálogos ilustrados de la colección de Vincenzo Giustiniani. El proyecto pretendía reproducir mediante grabados la extensa colección de esculturas antiguas de Giustiniani. La *Galleria* incluía estampas de estatuas y bajorrelieves. La *Galleria Giustiniana* fue una empresa importante, en cuya creación participaron varios artistas y grabadores. Es posible que se incluyeran estampas de las esculturas de Corradini en catálogos de este tipo o en otras colecciones de grabados que documentaban la escultura contemporánea, aunque no está confirmado. Las planchas de cobre de la *Galleria* se redescubrieron en Génova, lo que renovó el interés por el catálogo.

Antonio Corradini (1688^[1]-1752^[1]) fue un escultor veneciano del Barroco tardío o del Rococó. Hoy se le recuerda por su aportación al desarrollo de la escultura expresiva en mármol y por su influencia en generaciones posteriores de escultores. Es conocido sobre todo por sus estatuas veladas, en las que un velo fino se ciñe al cuerpo y crea una sensación de misterio y sensualidad. En su época se valoraba mucho su destreza para crear figuras realistas en mármol, y sus obras eran solicitadas por mecenas de toda Europa. Sus esculturas se encuentran en iglesias, museos y colecciones privadas de todo el mundo. Su obra representa un punto culminante de la tradición escultórica veneciana e influyó en escultores posteriores que intentaron emular su destreza y expresividad.

Antonio Corradini esculpía principalmente en mármol. Para crear una escultura de mármol, el artista comenzaba dibujando el contorno sobre un bloque rectangular. Después, los ayudantes usaban hachas para retirar la piedra sobrante. La forma básica de la figura se establecía con punzones golpeados con mazos. Los cinceles de uña y los taladros definían gradualmente la forma. Luego se lograban los detalles finos y las superficies lisas con cinceles planos. El equipo del taller utilizaba escofinas metálicas, esmeril (piedra triturada) y piedra pómez para continuar el lento proceso de alisado y pulido. El modelado en arcilla también servía de base para las esculturas fundidas en bronce, oro o plata. Las figuras se fundían en moldes de tierra cocidos previamente a alta temperatura para soportar el metal fundido. Durante el Renacimiento estas esculturas solían realizarse mediante el método de la «cera perdida». Primero, el escultor creaba una figura a tamaño real con una superficie de cera. Luego fijaba a esta una serie de varillas de cera, o «bebederos». A continuación encerraba toda la estructura en un molde, normalmente de arcilla. Al aplicar calor, el molde se cocía y la cera se derretía y salía. Por último, el equipo de fundición vertía bronce fundido en el molde.

La influencia de Antonio Corradini es compleja. Aunque no siempre están claras las conexiones directas, algunas obras muestran su impacto. Los dibujos de Flaxman influyeron en Corneille, quien trasladó ese estilo a su propia obra. Más adelante, los escultores copiaron cuidadosamente las composiciones de Flaxman y las trasladaron a la escultura. La presencia de Canova en el mercado artístico internacional de finales del siglo dieciocho fue formidable. Ningún artista podía escapar a ella. La prensa documentó cada etapa de su carrera, desde la creación de *Theseus and the Dead Minotaur* (1781-83) hasta su final. Todos los coleccionistas aspiraban a poseer una obra hecha por su mano; los monarcas intentaban atraerlo a sus cortes. Canova exploró la importancia del contorno y la transparencia con más constancia que cualquier otro escultor europeo. Por eso, su obra sigue siendo el punto de partida para examinar los conceptos artísticos dominantes en relación con la escultura.

Antonio Corradini (1668-1752^[1]) fue un escultor italiano del rococó, conocido por su destreza con el mármol. Pasó buena parte de su carrera en Venecia, Viena y Nápoles. Sus primeras influencias no están del todo claras, pero los estudiosos sugieren que al principio siguió la tradición veneciana, incluido el estudio de escultores anteriores como Alessandro Vittoria (1525-1608). La influencia de Vittoria se aprecia en el estilo inicial, más clásico, de Corradini. Más adelante, su estilo evolucionó y desarrolló una manera distintiva de representar figuras veladas. Algunos estudiosos sugieren que este cambio recibió la influencia de la escultura francesa, en particular de la obra de Antoine Coysevox (1640-1720^[1]). Coysevox era conocido por sus bustos retratísticos y por su habilidad para plasmar en el mármol la textura y la emoción. Corradini pudo conocer su obra mediante grabados o dibujos, o quizá durante sus viajes. El tratamiento delicado de los ropajes en la escultura francesa parece haber inspirado las figuras veladas de Corradini, que se convirtieron en un sello de su estilo maduro.

Antonio Corradini (1668-1752^[1]) fue un escultor veneciano activo durante el Barroco tardío. Es conocido sobre todo por su participación en programas escultóricos en Viena, Nápoles y Venecia. Su fama se debe principalmente a sus figuras femeninas veladas. Estas esculturas crean una ilusión de transparencia mediante la talla del mármol. Una de sus obras más célebres es *Veiled Woman* (c. 1717^[1]-1722), creada originalmente como parte de un encargo para la capilla de la familia Ponte en la iglesia de San Vitale, en Venecia. Otro ejemplo importante de sus esculturas veladas es *La Purità* (c. 1720-1725), en la Cappella Sansevero, en Nápoles. Sin embargo, su obra más famosa es probablemente *Veiled Christ* (1751-1753), también en la Cappella Sansevero. Corradini recibió el encargo y realizó un modelo en terracota, pero murió antes de poder ejecutar la escultura en mármol. Giuseppe Sanmartino terminó la estatua siguiendo el modelo de Corradini. *Veiled Christ* destaca por la virtuosa representación del sudario y el impacto emocional de la figura.

Antonio Corradini (1668-1752^[1]) fue un escultor italiano rococó de Venecia. Es conocido sobre todo por sus virtuosas esculturas de mármol, en particular sus figuras femeninas veladas. Su obra temprana estuvo influida por el estilo barroco, visible en las composiciones dramáticas y las formas dinámicas. Sin embargo, a medida que avanzó su carrera, adoptó el estilo rococó, más ligero y decorativo. El cambio se aprecia en su creciente atención a la elegancia, la gracia y el refinamiento de los detalles. A menudo empleaba el efecto del «velo», por el que el rostro de la figura parece cubierto por una fina capa de tela. Esta técnica le permitía demostrar su destreza y crear una sensación de misterio y sensualidad. Algunos ejemplos son *Vestal Virgin Tuccia* (1743^[1]) y *Woman with a Veil*. Sus obras se encuentran en iglesias, museos y colecciones privadas de toda Europa. En vida fue un escultor muy solicitado y sus esculturas siguen admirándose por su belleza y brillantez técnica. Su transición del barroco al rococó lo convierte en una figura destacada de la historia de la escultura europea.