El rococó surgió en París alrededor de 1720 como reacción a la pesada formalidad de la corte de Louis XIV. Mientras el barroco exigía obediencia mediante la escala y la severidad, el rococó proponía placer, ingenio y una deliberada ligereza de toque. El movimiento tomó su nombre de rocaille, la ornamentación de conchas y guijarros presente en las grutas de los jardines franceses. Sus temas tendían a lo íntimo y lo teatral. Los aristócratas se reunían en parques para celebrar fêtes galantes. Las escenas mitológicas cambiaban la solemnidad por el coqueteo. La paleta abandonó los tonos oscuros del barroco y adoptó rosas empolvados, azules pálidos y cremas dorados. El rococó nunca reivindicó seriedad moral. Sus críticos lo acusaban de frivolidad. Sin embargo, los mejores pintores rococó aportaron auténtica perspicacia psicológica a sus escenas de ocio y auténtico virtuosismo técnico al representar la luz, las telas y la piel. El movimiento dominó Francia, Italia, los estados alemanes e Inglaterra antes de que el neoclasicismo lo desplazara en la década de 1780.
Watteau inventó un género para el que la Academia francesa no tenía nombre. En 1717, sus cuadros de figuras elegantemente vestidas en parques de ensueño recibieron la nueva clasificación de fête galante. Se convirtieron en el tema emblemático de la pintura rococó.
El rococó trató la decoración como una postura filosófica. Las volutas asimétricas, los motivos de conchas y los tonos pastel sustituyeron la simetría rígida y la oscura grandiosidad de los interiores barrocos. Fue un rechazo consciente de la estética de Versalles de Louis XIV.
La pintura rococó devolvió el cuerpo humano al centro del arte europeo, aunque de forma distinta al idealismo renacentista. Los desnudos mitológicos de Boucher eran abiertamente eróticos. Las composiciones de Fragonard convertían el voyeurismo en un juego.
Los cuadros se hicieron más pequeños para salones y tocadores, no salas del trono. Madame de Pompadour encargó obras para sus apartamentos. Esta escala íntima exigía una mirada nueva, cercana y atenta.
En Venecia, Tiepolo tradujo la ligereza del rococó en grandes frescos de techo. En Inglaterra, Gainsborough suavizó el retrato formal con una pincelada vaporosa. En los estados alemanes, el rococó alcanzó su expresión más exuberante en interiores de iglesias como la Wieskirche, en Baviera.
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Obras fundamentales que dieron forma al movimiento.
La presentación de Watteau a la Academia impulsó la creación de la categoría fête galante. Parejas vestidas de seda se reúnen en una ladera boscosa. La composición fluye de derecha a izquierda con cualidad cinematográfica. El ambiente queda suspendido entre la alegría y la pérdida.
Una joven vestida de rosa vaporoso se quita la zapatilla de una patada mientras un admirador oculto la observa desde abajo. Fragonard convirtió la broma picante de un mecenas en una lección magistral de color, movimiento y luz. El follaje estalla en rápidas pinceladas que anticipan el impresionismo.
El fresco del techo de Tiepolo en la Residenz de Wurzburg cubre más de 600 metros cuadrados. Apollo cruza el cielo abierto en su carro mientras figuras alegóricas pueblan los bordes. La composición está concebida para que quienes suben la escalinata vean desplegarse en secuencia distintos grupos narrativos.
El retrato de cuerpo entero de Gainsborough fue en parte un homenaje a Van Dyck y en parte un desafío a Reynolds, quien había sostenido que el azul nunca debía dominar una composición. La pincelada vaporosa de Gainsborough aportó una sensibilidad claramente inglesa al retrato rococó.
El último gran retrato rococó de una figura reinante. Marie Antoinette lleva todo el atuendo de la corte. Vigee Le Brun suavizó los rasgos de la reina con un tono rosado que la favorecía sin falsearlos. Se terminó seis años antes de que la Revolución pusiera fin al mundo que había sostenido el movimiento.
Louis XIV murió en 1715, tras 72 años en el trono. La Regencia relajó rápidamente las costumbres. Los aristócratas parisinos dejaron Versalles por casas urbanas, decoradas con un estilo nuevo de líneas curvas, colores pálidos y cuadros de menor tamaño. Esta migración de lo público a lo privado creó las condiciones para el Rococó.
Antoine Watteau llegó a París desde Valenciennes hacia 1702. Sus cuadros de figuras disfrazadas en jardines imaginarios se inspiraban en el paisaje flamenco, el color veneciano y la comedia italiana. Cuando la Academia lo admitió en 1717, creó para sus obras la categoría de fête galante. Murió de tuberculosis en 1721, a los 36 años.
Madame de Pompadour destinó enormes sumas a las artes durante las dos décadas que fue amante de Louis XV. Los Salons de París, exposiciones bienales desde 1737, ofrecieron a los pintores rococó un escenario público. A mediados de siglo, el movimiento ya contaba con una infraestructura propia de marchantes, coleccionistas y comentaristas.
En la década de 1760, los críticos ilustrados atacaban el Rococó por considerarlo moralmente vacío. El Juramento de los Horacios de David, presentado en el Salon de 1785, introdujo una geometría austera que hacía parecer reliquia al Rococó. La Revolución francesa completó la ruptura. El mundo aristocrático que había financiado el Rococó fue barrido.
“Siempre buscaba algo en el mundo que no estaba presente en una medida satisfactoria, o que no estaba en absoluto.”
“Este hombre lo tiene todo, salvo la verdad.”
“La gracia le era tan natural que no podía distinguirla de la belleza.”
24 artistas.
La historia general de referencia sobre la pintura europea del siglo dieciocho.
Enfoque en la pintura de género, con sólidos ensayos contextuales sobre el mecenazgo y el gusto.
Examina la práctica del dibujo de Watteau y su influencia en el dibujo francés.
El contenido sobre rococó se basa en los siguientes estudios publicados.
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