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Crossing of the Red Sea de Agnolo Bronzino
Saint Martin and the Beggar de El Greco
Portrait of the Dwarf Nano Morgante de Agnolo Bronzino
Christ Driving the Money Changers from the Temple de El Greco
Summer (from The Four Seasons) de Giuseppe Arcimboldo
Autumn de Giuseppe Arcimboldo
Self-portrait de Sofonisba Anguissola
Portrait Group with the Artist’s Father, Brother and Sister de Sofonisba Anguissola
Icarus, from The Four Disgracers de Cornelis van Haarlem
Ixion, from The Four Disgracers de Cornelis van Haarlem
Battle of Salvore de Domenico Tintoretto
Allegory of Vigilance de Domenico Tintoretto

manierismo

30 artistas · 1520–1600

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El manierismo surgió en Italia hacia 1520, en la generación posterior a Leonardo, Raphael y Michelangelo, que parecían haber llevado la pintura a la perfección. Los artistas más jóvenes se enfrentaban a un reto imposible: cómo avanzar más allá de maestros que ya habían alcanzado la armonía ideal. Su respuesta fue romper las reglas deliberadamente. Las figuras se alargaban, se retorcían en poses helicoidales y se situaban en espacios comprimidos o ambiguos. El color pasó de los tonos naturalistas a combinaciones intensas y ácidas. Las composiciones evitaban la simetría estable del Alto Renacimiento y preferían la tensión, la complejidad y el ingenio visual. El movimiento se extendió desde Florencia y Roma hasta las cortes de toda Europa, y encontró mecenas receptivos en Praga, Fontainebleau y Toledo. Durante mucho tiempo, los críticos despreciaron el manierismo por decadente o afectado. Los estudiosos del siglo veinte lo rehabilitaron y reconocieron en su sofisticación autoconsciente un precursor de las inquietudes modernas sobre la originalidad y el agotamiento artístico.

Ideas principales

  • Crossing of the Red Sea — manierismo

    La ansiedad de la influencia

    El manierismo fue el primer movimiento artístico europeo definido por su relación con un predecesor. Artistas como Pontormo, Rosso Fiorentino y Parmigianino crecieron estudiando los logros de Leonardo, Raphael y Michelangelo. En vez de limitarse a imitarlos, exageraron, distorsionaron y combinaron elementos de esos maestros. Surgió un arte abiertamente referencial, que citaba obras anteriores y a la vez subvertía su equilibrio. Esta dinámica anticipó la condición moderna, en la que cada artista debe situarse respecto a una tradición existente.

  • Saint Martin and the Beggar — manierismo

    La distorsión elegante

    Las figuras manieristas se reconocen enseguida por sus proporciones alargadas, sus cabezas pequeñas y sus posturas serpenteantes. La Madonna of the Long Neck de Parmigianino lleva el cuerpo de la Virgen a proporciones imposibles. Los santos de El Greco parecen estirarse hacia arriba, como atraídos por una gravedad espiritual. Estas deformaciones no eran errores de dibujo, sino desviaciones deliberadas de la naturaleza en busca de una gracia ideal que trascendiera el realismo. El término italiano maniera, que significa estilo o elegancia, da nombre al movimiento e indica sus prioridades.

  • Portrait of the Dwarf Nano Morgante — manierismo

    Sofisticación cortesana

    El manierismo prosperó en las cortes. Bronzino sirvió a los Medici en Florencia y realizó retratos de elegancia glacial y complejas pinturas alegóricas para contemplación privada. Arcimboldo divertía a la corte de los Habsburgo en Praga con cabezas compuestas de frutas, flores y objetos. Los enigmas intelectuales, las referencias cifradas y la técnica virtuosa del movimiento convenían a un público aristocrático que apreciaba el ingenio, la erudición y la sorpresa. El manierismo cortesano se difundió mediante regalos diplomáticos y el movimiento de artistas entre casas reales.

  • Christ Driving the Money Changers from the Temple — manierismo

    El color como fuerza expresiva

    El color del Alto Renacimiento buscaba la armonía y el naturalismo. Los manieristas abandonaron esa contención. Pontormo utilizaba rosas, verdes pálidos y lavandas sin fuente atmosférica. El Greco aplicaba blancos y azules con tal intensidad que disolvía la forma sólida en una luz palpitante. Rosso Fiorentino combinaba naranjas ásperos con azules fríos. Este uso liberado del color separó la pintura de la representación y la acercó al efecto puramente emocional, anticipando desarrollos que no emergerían plenamente hasta el expresionismo, cuatro siglos más tarde.

Artistas principales

St Luke painting the Virgin — El Greco

El Greco

1541–1614 · Corona de Castilla

Portrait of Ugolino Martelli — Agnolo Bronzino

Agnolo Bronzino

1503–1572

Summer — Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo

1527–1593 · italiano

Nymph of Fontainebleau — Benvenuto Cellini

Benvenuto Cellini

1500–1571 · francés

Trinity Tryptych — Domenico Beccafumi

Domenico Beccafumi

1486–1551

Tantalus, from The Four Disgracers — Cornelis van Haarlem

Cornelis van Haarlem

1562–1638 · neerlandés

Isabella De' Medici Orsini with a Dog — Alessandro Allori

Alessandro Allori

1535–1607 · Ducado de Florencia

The Chess Game — Sofonisba Anguissola

Sofonisba Anguissola

1531–1625 · Cremona

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Evolución del arte

Obras fundamentales que dieron forma al movimiento.

Deposition from the Cross de Jacopo Pontormo

Deposition from the Cross

Jacopo Pontormo · 1528 · Óleo sobre tabla de madera

El retablo de Pontormo en la Capilla Capponi de Florencia es uno de los primeros cuadros plenamente manieristas. La composición elimina la cruz, el paisaje y cualquier plano de apoyo estable. Las figuras flotan en un espacio indeterminado de colores pastel y se pasan el cuerpo de Christ en una cadena espiral de extremidades entrelazadas. La paleta de rosas, azules pálidos y verdes ácidos no tiene precedentes en la pintura de retablos italiana. Pontormo estudió de cerca las figuras de Michelangelo, pero les quitó su peso muscular y lo sustituyó por una ligereza etérea. El registro emocional pasa de la gravedad renacentista a algo más cercano a la ansiedad, como si el dolor hubiera desanclado el propio mundo físico.

Madonna of the Long Neck de Parmigianino

Madonna of the Long Neck

Parmigianino · c. 1535-1540 · Óleo sobre tabla de madera

El título es moderno, pero exacto: el cuello de la Virgen está alargado hasta lo imposible, igual que sus dedos y el niño Christ, que yace sobre su regazo con una escala inquietante. Un grupo de ángeles llena el lado izquierdo, mientras una columna solitaria y un profeta diminuto ocupan el derecho y crean un desequilibrio deliberado. Parmigianino dejó el cuadro inacabado al morir, lo que acentúa su extraña atmósfera. La obra se encargó para una iglesia de Parma, de modo que sus deformaciones eran una declaración pública y no un experimento privado. Se convirtió en un ejemplo decisivo de la elegancia manierista llevada hasta el desasosiego.

The Chess Game de Sofonisba Anguissola

The Chess Game

Sofonisba Anguissola · 1555 · Óleo sobre lienzo

Anguissola pintó a sus tres hermanas jugando al ajedrez en el jardín, acompañadas por una sirvienta. La composición es informal e íntima: un momento doméstico observado con calidez y humor. Una hermana sonríe triunfante mientras la más joven contempla la escena con los ojos muy abiertos, emocionada. Como mujer en la Italia del siglo dieciséis, Anguissola tenía prohibido estudiar anatomía o el desnudo masculino, así que convirtió esa limitación en una fortaleza al especializarse en retratos y escenas de género. El propio Michelangelo examinó sus dibujos y la animó. Más tarde fue pintora de corte de Philip II de España. The Chess Game demuestra que la sofisticación manierista podía abarcar el naturalismo y la expresión emocional directa, y no solo la elongación y el artificio.

Summer (from The Four Seasons) de Giuseppe Arcimboldo

Summer (from The Four Seasons)

Giuseppe Arcimboldo · 1563 · Óleo sobre tabla de madera

Los retratos compuestos de Arcimboldo forman cabezas humanas con objetos: frutas, verduras, flores, peces y libros. Summer compone un perfil con melocotones, cerezas, espigas de trigo y una alcachofa. La imagen es a la vez un rostro y un bodegón, un juego visual que deleitaba a la corte de los Habsburgo en Viena y Praga. Arcimboldo fue pintor de corte de tres emperadores sucesivos. Sus cabezas compuestas se relacionaban con la cultura de la Wunderkammer (cámara de curiosidades), que valoraba por igual la sorpresa y la clasificación. Despreciada durante siglos como una simple novedad, su obra fue reivindicada por los surrealistas y hoy se reconoce como una auténtica exploración de la percepción y la representación.

The Burial of the Count of Orgaz de El Greco

The Burial of the Count of Orgaz

El Greco · 1586 · Óleo sobre lienzo

La obra maestra de El Greco se divide en dos zonas nítidas. La mitad inferior muestra a Saints Stephen y Augustine depositando milagrosamente en su tumba al conde difunto, ante una fila de nobles contemporáneos de Toledo pintados con precisión de retrato. La mitad superior estalla en un cielo arremolinado de ángeles alargados, ropajes ondulantes y color extático. Christ preside la parte superior. La separación entre realismo terrenal y visión celestial es absoluta, pero la pintura se mantiene unida por el tratamiento uniforme de la luz de El Greco, que parece emanar de las figuras y no de una fuente externa. Desde Toledo, lejos de los centros italianos donde se había formado, El Greco llevó la distorsión manierista más lejos que cualquiera de sus contemporáneos y creó un estilo tan personal que no tuvo seguidores directos.

Orígenes

Tras la perfección: la crisis de 1520

Raphael murió en 1520 a los treinta y siete años. Su muerte coincidió con el Saqueo de Roma de 1527 y con una crisis cultural más amplia en Italia. Los tres grandes maestros del Alto Renacimiento habían establecido estándares de armonía, proporción y belleza idealizada que parecían insuperables. Los pintores más jóvenes de Florencia y Roma respondieron alejándose del equilibrio y acercándose a la complejidad. Ya a mediados de la década de 1520, Pontormo y Rosso Fiorentino producían obras de sorprendente intensidad emocional y ambigüedad espacial. El término manierismo deriva de maniera, la palabra italiana para estilo refinado, y refleja el énfasis del movimiento en la manera artística personal por encima de la adhesión a la naturaleza.

La corte de los Medici y la Florencia de Bronzino

El duque Cosimo I de' Medici convirtió Florencia en un centro de la cultura manierista durante los años 1540 y 1550. Bronzino fue pintor de la corte y realizó retratos oficiales de una perfección glacial y complejas pinturas alegóricas para los aposentos privados del duque. Giorgio Vasari, autor de la primera historia general del arte (Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, 1550), también ejerció como pintor y arquitecto manierista. La corte de los Medici valoraba el virtuosismo artístico como expresión del poder político, y la dificultad y exclusividad del arte manierista servían a ese propósito.

Manierismo internacional

En los años 1550, el manierismo se había extendido más allá de Italia gracias a artistas viajeros y reproducciones impresas. La escuela de Fontainebleau llevó las ideas manieristas italianas a Francia bajo Francis I. La corte de Rudolf II en Praga atrajo a Arcimboldo, Bartholomaeus Spranger y otros artistas que crearon un estilo cortesano refinado y, a veces, extravagante. El Greco llevó el movimiento a España, donde su interpretación intensamente personal perduró mucho después de que el manierismo desapareciera en otros lugares. En los Países Bajos, artistas como Joachim Wtewael adoptaron figuras manieristas para escenas mitológicas. La difusión internacional del movimiento demostró que las ideas artísticas podían atravesar fronteras políticas mediante grabados, diplomacia y ambición personal.

En sus propias palabras

“Considero que imitar el color es la mayor dificultad del arte.”
El Greco, Annotations on Vasari's Lives, c. 1568
“Un artista debe estudiar a los maestros, pero preservar el estilo original que late en su alma.”
El Greco, Attributed, widely cited in art-historical literature
“El juicio del ojo es lo más importante.”
Giorgio Vasari, Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects, 1550

Todos los artistas del movimiento manierismo

30 artistas.

Lecturas recomendadas

  • Mannerism: The Crisis of the Renaissance and the Origin of Modern Art

    Mannerism: The Crisis of the Renaissance and the Origin of Modern Art

    Arnold Hauser · 1965

    Estudio influyente que relaciona la inquietud manierista con las convulsiones políticas y religiosas de la Europa del siglo dieciséis.

  • Pontormo, Bronzino, and the Medici: The Transformation of the Renaissance Portrait in Florence

    Carl Brandon Strehlke · 2004

    Estudio del retrato manierista florentino en el contexto de la cultura y el mecenazgo de la corte de los Medici.

  • El Greco

    El Greco

    Michael Scholz-Hansel · 2004

    Breve monografía sobre la formación de El Greco en Creta, Venecia y Roma y su obra de madurez en Toledo.

Preguntas frecuentes

  • ¿Qué es el manierismo?
    El manierismo fue un estilo del Renacimiento tardío, desarrollado aproximadamente entre 1520 y 1600, que se apartó deliberadamente del equilibrio y la claridad de Raphael y Michelangelo para favorecer figuras alargadas, espacios comprimidos o ilógicos, colores ácidos y composiciones tensas. El nombre procede del italiano maniera, que significa «estilo» o «manera». Sus primeros representantes tomaron la obra tardía de Michelangelo como punto de partida, no como cumbre.
  • ¿Cuándo comenzó el manierismo?
    El movimiento surgió en Florencia y Roma inmediatamente después de la muerte de Raphael en 1520; entre sus lienzos fundacionales figuran la Deposición de la cruz de Pontormo (de 1525 a 1528) y la Deposición de Rosso Fiorentino (1521). El saqueo de Roma de 1527 dispersó a sus artistas por Italia y Francia, donde Rosso decoró el Château de Fontainebleau. El estilo perduró hasta que Caravaggio dio paso al barroco, hacia 1600.
  • ¿Quiénes son los artistas manieristas más famosos?
    Jacopo Pontormo, Rosso Fiorentino y Parmigianino son los fundadores italianos. Agnolo Bronzino sirvió a la corte de los Medici como retratista refinado dentro del manierismo maduro. El Greco, formado en Venecia y Roma, llevó el estilo a Toledo, donde sus figuras alargadas alcanzaron una nueva intensidad emocional. Entre los escultores se encontraban Benvenuto Cellini[11] y Giambologna, cuyo Rape of the Sabine Women (1583) es una obra maestra del manierismo.
  • ¿Qué caracteriza el estilo manierista?
    Los cuadros manieristas muestran cuerpos con cuellos exageradamente largos, cabezas pequeñas y poses serpenteantes (la llamada figura serpentinata); composiciones que abarrotan la superficie o se prolongan en una profundidad inestable; gamas de rosas ácidos, amarillos limón y azules helados; y temas que presentan escenas bíblicas conocidas con una extrañeza deliberada. Madonna with the Long Neck, de Parmigianino (1535), es el ejemplo canónico.
  • ¿Cuál es la diferencia entre manierismo y arte del Alto Renacimiento?
    El arte del Alto Renacimiento (c. 1495 a 1520) buscó composiciones equilibradas, proporciones naturalistas, una lógica espacial clara y un color medido, como ejemplifica la Escuela de Atenas de Raphael. El manierismo (c. 1520 a 1600) tomó esos elementos ya resueltos y los desestabilizó deliberadamente, como si sus soluciones fueran un punto de partida que había que complicar. Mientras Raphael buscaba una resolución, Pontormo y Parmigianino buscaban una tensión productiva.
  • ¿Por qué fue importante el manierismo?
    El manierismo fue la primera ruptura consciente con el ideal clásico de la pintura occidental y estableció que el estilo mismo podía ser un tema, en vez de un vehículo neutral del contenido. Su elaboración decorativa dio forma a la pintura de las cortes europeas durante ochenta años. El movimiento también produjo la primera teoría moderna del arte: las Vidas de los más excelentes pintores de Giorgio Vasari (1550), que establecieron la biografía del pintor como género literario.
  • ¿Dónde puedo ver los mejores cuadros manieristas?
    La Galería Uffizi de Florencia alberga obras de Pontormo, Bronzino y Parmigianino. El Prado de Madrid posee la colección más extensa de El Greco fuera de Toledo. El Louvre conserva los frescos de Rosso en Fontainebleau y pinturas de la Escuela de Fontainebleau. El Palazzo del Te de Mantua conserva el programa decorativo de Giulio Romano. Santa Felicita, en Florencia, aún expone la Deposición de Pontormo en la capilla para la que fue pintada.

Fuentes

El contenido sobre manierismo se basa en los siguientes estudios publicados.

  1. [1] libro Arnold Hauser, Mannerism: The Crisis of the Renaissance and the Origin of Modern Art, 1965 Utilizada para: opiniones políticas, análisis estilístico.
  2. [2] libro Carl Brandon Strehlke, Pontormo, Bronzino, and the Medici: The Transformation of the Renaissance Portrait in Florence, 2004 Utilizada para: biografía, historial de exposiciones, influencias, análisis estilístico.
  3. [3] libro Michael Scholz-Hansel, El Greco, 2004 Utilizada para: biografía, historial de exposiciones, análisis estilístico.
  4. [4] Wikipedia Wikipedia: Mannerism Utilizada para: biografía.
  5. [5] libro Gardner, Helen, 1878-1946, Gardner's art through the ages Utilizada para: biografía.
  6. [6] libro Hodge, Susie, 1960- author, The short story of women artists : a pocket guide to movements, works, breakthroughs, & themes Utilizada para: biografía.
  7. [7] libro Beckett, Wendy, The story of painting Utilizada para: biografía.
  8. [8] Wikipedia Wikipedia: Cristofano dell'Altissimo Utilizada para: biografía.
  9. [9] Wikipedia Wikipedia: Bartolomeo Passerotti Utilizada para: biografía.
  10. [10] Wikipedia Wikipedia: Alessandro Allori Utilizada para: biografía.
  11. [11] Wikipedia Wikipedia: Benvenuto Cellini Utilizada para: biografía.
  12. [12] Wikipedia Wikipedia: Claude Deruet Utilizada para: biografía.

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