Mario Simon

Mario Simon es conocido por varias pinturas, pero consideraba que la mejor era *Lute Player*. Esta obra evolucionó a partir de su pintura anterior, *Musicians*, y se aparta del estilo alegórico de *Musicians* y del carácter lúdico de *Mario as Bacchus*. *Lute Player* presenta una bella figura de Mario sentado ante una mesa con tablero de mármol. Lleva una camisa blanca holgada y sostiene un laúd. La composición incluye un bodegón con un violín, música de madrigales, flores y frutas; todos los elementos están cuidadosamente dispuestos. La música representada incluye cuatro madrigales, todos ellos expresiones de amor. Los labios entreabiertos y la lengua visible de la figura sugieren que canta, mientras que sobre la mesa hay una parte de bajo cerrada para otro cantante. Sus ojos parecen velados por lágrimas. Según Simon, *Lute Player* invitaba al espectador a entrar en el espacio, manteniendo cierta distancia, mientras la figura cantaba en silencio.

Al analizar las estampas de Mario Simon, conviene tener presentes algunos principios básicos del grabado artístico. La indicación de tirada consta de dos números en la esquina inferior izquierda de la estampa: el número de la estampa y el número total de ejemplares, separados por una línea corta. El número de la estampa aparece arriba o a la izquierda; el tamaño de la tirada, debajo o a la derecha. El título se escribe en el centro del margen inferior. La firma, o marca de sello, va a la derecha de ese margen. Las indicaciones de tirada se escriben siempre a lápiz. Las ediciones limitadas comprenden un número determinado de estampas, que se numeran, por ejemplo, 35/100. El número mayor indica el total de ejemplares de la edición y el menor, el orden de esa estampa. Algunos artistas reservan un diez por ciento para pruebas de artista y las numeran aparte, añadiendo AP después del número, por ejemplo, 5/100 AP.

Es difícil adscribir a Mario Simon a un único movimiento, aunque la New York School es una posibilidad. El término describe de forma amplia el desplazamiento a Nueva York del mundo artístico occidental después de la Segunda Guerra Mundial, un proceso que continuó durante los años 1960. El nombre se utilizó por primera vez en una exposición de 1965, con obras de Willem de Kooning, Philip Guston, Robert Motherwell, Jackson Pollock y Mark Rothko. Las pinturas de los artistas de la New York School eran grandes y abstractas. Destacaban las pinceladas enérgicas; el crítico Harold Rosenberg llamó a estas obras «action painting». Subjetivas y gestuales, abordaban los impulsos y deseos humanos. Algunos artistas desarrollaron un simbolismo abstracto y emplearon formas no figurativas para sugerir apariencias del mundo real. La obra de Mark Tobey, influida por el cubismo y la fe bahá’í, utilizaba líneas blancas sobre fondos oscuros para simbolizar la unidad y el movimiento. Rothko, Still y Newman trabajaban en grandes formatos y usaban bloques abstractos de color para evocar el espacio.

Debido a la falta de información específica sobre las técnicas de Mario Simon, solo puedo ofrecer información general sobre las técnicas artísticas. A lo largo de la historia del arte, los artistas han empleado materiales y métodos diversos. El fresco, por ejemplo, consiste en aplicar pigmentos sobre yeso húmedo, a veces con metales fundidos de colores. La pintura sobre tabla se benefició de técnicas refinadas: artistas como Simone Martini incluso usaron herramientas de orfebre para crear discos en relieve y rayos grabados sobre superficies doradas. En el trabajo con vidrio, el arenado puede crear relieves en vidrio laminado, retirando una fina capa de color para dejar al descubierto el vidrio de debajo. El vidrio opaco sirve para crear cuadros murales. Las técnicas de pintura al óleo varían mucho: algunos artistas prefieren pinceles suaves y medios fluidos para lograr superficies lisas, mientras que otros usan brochas ásperas de cerdas de cerdo y espátulas para conseguir efectos distintos. El vertido de resina permite superponer colores y manipular la luz mediante distintos grados de opacidad y transparencia. El proceso requiere un marco transparente y un análisis cuidadoso del equilibrio cromático.

Es difícil señalar lugares concretos donde ver la obra de Mario Simon, ya que las referencias disponibles de historia del arte no lo mencionan. Sin embargo, numerosos museos importantes de todo el mundo conservan colecciones de art déco y arte bizantino; pueden ser un punto de partida. En Estados Unidos, cuentan con colecciones pertinentes el Metropolitan Museum of Art (Nueva York), el Los Angeles County Museum of Art, el Minneapolis Institute of Arts, el Museum of Modern Art (Nueva York), el Charles Hosmer Morse Museum of American Art (Winter Park, Florida), el Virginia Museum of Fine Arts (Richmond) y el Wolfsonian (Miami Beach, Florida). En el Reino Unido se pueden consultar el Victoria & Albert Museum (Londres), los National Museums of Scotland (Edimburgo), la Manchester Art Gallery, el Geffrye Museum (Londres), el Brighton Museum & Art Gallery y el Bakelite Museum. Otros museos con colecciones pertinentes son el Royal Ontario Museum (Toronto) y el Israel Museum (Jerusalén).

Lucien Simon nació en París en 1861. Empezó a exponer su obra en el Salon en 1885. Visitó Bretaña por primera vez en 1890, y las interpretaciones de la región realizadas por Charles Cottet influyeron en su trabajo. En 1895, Simon conoció a Cottet en la galería de Petit. Junto con Dauchez, Menard, Lobre, Meunier, Gay Milcendea y Prinet, Simon formó parte de un grupo que en los años 1890 fue conocido como la nueva escuela «oscura» de pintura. Simon se casó con la hermana del artista bretón Dauchez, lo que lo animó a viajar a Bretaña. En 1893, en la Societe Nationale, presentó un cuadro bretón, Mass at Pergue (Finistere), junto con dos escenas de interiores parisinos. Con ello estableció una pauta para la década siguiente: alternar temas bretones con asuntos parisinos. A lo largo de su carrera, además de sus escenas bretonas, Simon también pintó escenas de género parisinas de moda.

Hay información sobre un artista llamado Mario Merz, pero no sobre uno llamado Mario Simon. Mario Merz (1925-2003) fue un artista italiano asociado al movimiento Arte Povera. Su obra incorporaba a menudo luces de neón, materiales orgánicos y la sucesión de Fibonacci. Merz creó instalaciones con materiales como arcilla, vidrio y ramas. Un motivo recurrente en su obra era el iglú, que veía como símbolo de un espacio habitable básico. Estos iglús solían construirse con armazones metálicos cubiertos de diversos materiales. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1954 en la Galleria La Bussola de Turín. Sus obras se expusieron posteriormente en diversos países, incluso en el Kunsthaus Zurich en 1985, el Musée d'Art Contemporain de Montréal en 1987 y la Anthony d'Offay Gallery de Londres en 1988.

Las obras de Mario Simon son importantes por su relación con el conceptualismo latinoamericano, que buscaba unir el arte con el activismo político y social. Su arte refleja el deseo de influir en la sociedad y superar las preocupaciones formalistas. La práctica de Simon está vinculada a Simón Rodríguez, quien creía en el poder de la comunicación visual para aclarar ideas y promover el cambio social. Rodríguez, que se consideraba predicador más que artista, empleaba formas de escritura y composición poco convencionales para transmitir sus mensajes con eficacia. La obra de Simon, como la de otros conceptualistas latinoamericanos, puede considerarse parte de una tradición en la que los artistas actúan como educadores, abordan problemas sociales y contribuyen a construir la cultura. Este enfoque contrasta con el arte dominante, que suele centrarse en las cualidades estéticas del objeto. Al dar prioridad a la claridad y al impacto social por encima del estatus artístico, la obra de Simon cuestiona la idea del arte como una actividad estética autónoma.

Mario Simon estuvo vinculado al expresionismo abstracto y al arte contemporáneo.

Los movimientos artísticos de Mario Simon incluyeron el expresionismo abstracto y los estilos contemporáneos.

Mario Simon nació en 1959 en Austria.