Ballet at the Paris Opéra

Degas' erstes Gemälde, das ausschließlich dem Ballett gewidmet war, entstand 1872. Es zeigt Musiker im Orchestergraben und Tänzerinnen, die hinter ihnen auf der Bühne zu sehen sind. Die Komposition stellte einen echten Bruch mit der früheren Darstellung von Aufführungen dar: Figuren wurden am Bildrand genau wie in einer Fotografie abgeschnitten, statt eine traditionelle, vollständig umschlossene Porträt- oder Bühnenszene zu bilden^[2]. Bald ließ Degas das Theater hinter sich und wandte sich den Probesälen und Übungsräumen der Oper zu, in denen die Tänzerinnen ohne Publikum arbeiteten. Dort fand er das Thema, das seine Laufbahn prägen sollte: Körper mitten in der Bewegung, jede Figur in die eigene Anstrengung vertieft statt für den Betrachter arrangiert^[3]. Eine solch anhaltende, eingehende Beobachtung erforderte eine außergewöhnliche Zahl vorbereitender Skizzen, denn jede Tänzerin unabhängig in einer zusammenhängenden Gruppe zu erfassen, erforderte viel mehr Studien als eine einzelne förmliche Komposition^[3].

Die Pariser Oper nahm im gesellschaftlichen Leben der Zeit eine ungewöhnlich zentrale Stellung ein: Fast jeder Mann von Rang hatte ein Abonnement. Abonnenten konnten sich nicht nur frei im Zuschauerraum bewegen, sondern auch auf der Bühne, in den Korridoren und in den Garderoben der Tänzerinnen aufhalten – ein Zugang hinter die Kulissen, der heute kaum vorstellbar ist^[1]. Degas’ Freundschaften mit Personen aus dieser Welt, darunter der Librettist Ludovic Halevy und der Fagottist der Oper Desire Dihau, sollen ihm den Weg in die Bühnen- und Probenräume eröffnet haben, die den meisten Künstlern von außen verschlossen blieben^[1]. Dort fand er weniger den mit der Bühne verbundenen Glanz als alltägliche Arbeit: Tänzerinnen beim Dehnen, beim Zurechtrücken ihrer Kostüme, beim Warten oder beim Korrigieren eines Schritts auf Anweisung eines Lehrers – die unspektakuläre Disziplin hinter einer Aufführung, die das Publikum nur als vollendetes Ereignis sah.

Degas zeichnete ein Modell nur selten während des Posierens. Am liebsten beobachtete er, wie eine Person einer alltäglichen Beschäftigung nachging, und wartete, bis sie fertig war, bevor er aus dem Gedächtnis zu zeichnen begann. Er vertrat die Ansicht, das unmittelbare Abzeichnen dessen, was vor Augen liegt, sei weit weniger wertvoll als die Rekonstruktion dessen, woran sich der Geist erinnert: Gedächtnis und Vorstellungskraft befreiten gemeinsam eine Zeichnung von der Tyrannei, die die Natur sonst über sie ausübe^[2]. Bei Tänzerinnen ermöglichte ihm diese Methode, Figuren zu entwickeln, die sich in echter Bewegung statt in einer künstlichen Pose zu befinden scheinen. Die natürliche, unbewachte Geste eines ruhenden Körpers steht dabei den hoch artifiziellen, trainierten Bewegungen der klassischen Balletttechnik gegenüber^[1]. Als Degas’ Sehvermögen im Alter nachließ, wandte er sich zunehmend der Bildhauerei zu und modellierte Tänzerinnen, Pferde und Akte aus Wachs. Dabei griff er auf dieselbe angesammelte Erinnerung an Bewegung zurück. Gegenüber seinem Kunsthändler Ambroise Vollard scherzte er, das nachlassende Sehvermögen habe ihm nur noch die Arbeit eines Blinden gelassen; zum Zeitpunkt seines Todes 1917 war Degas fast vollständig erblindet^[3].