Bill Mayer

Bill Mayer ist für seine Briefmarkenserie „Bright Eyes“ für den US Postal Service bekannt. Sie zeigte Nahansichten von Tieren in seinem charakteristischen Gouache- und Airbrush-Stil. Der Auftrag führte 1998 zu etwa 180 Millionen Drucken und verschaffte seinem Werk eine ungewöhnlich weite Verbreitung.

Ohne weitere Informationen lässt sich Bill Mayers berühmtestes Einzelwerk nur schwer benennen. Einige seiner Arbeiten haben jedoch Aufmerksamkeit erhalten. Roy Lichtensteins Gemälde *Masterpiece* von 1962 ist ein Beispiel. Ein weiteres bekanntes Werk ist *Girl with Ball*, ebenfalls von 1961. Diese Arbeit übernimmt ein Werbebild des Mount Airy Lodge, eines Ferienorts in der Region Poconos in Pennsylvania. Das Bild, das in der *New York Times* und den *Daily News* erschien, zeigt eine Frau im Badeanzug, ein beliebtes Motiv der 1950er-Jahre. Lichtenstein verwandelte diese gängige Werbefigur in eine Darstellung der neuen amerikanischen Frau innerhalb der Pop-Art-Bewegung. Weitere Werke von Mayer sind *Stepping Out* (1978) und *Still Life with Goldfish Bowl* (1972).

Bei der Betrachtung von Bill Mayers Druckgrafiken sollten einige grundlegende Aspekte künstlerischer Druckverfahren berücksichtigt werden. Originalgrafiken wie Holzschnitte, Linolschnitte, Radierungen oder Siebdrucke entstehen durch die Hand des Künstlers. Das Werk wird eigens als Druckgrafik geschaffen; der Künstler gestaltet es unmittelbar auf der Platte, dem Holzstock, dem Stein oder dem Sieb. Jeder Abzug gilt daher als Original. Solche Druckgrafiken werden häufig über spezialisierte Grafikgalerien, Rahmengeschäfte und Kunstgalerien verkauft. Reproduktionen, bisweilen als Poster oder Bilddrucke bezeichnet, werden auf fotochemischem Weg hergestellt. Der Verlag kann die Auflage begrenzen, um ihren Wert zu erhöhen. Auch Giclée-Drucke, im Tintenstrahlverfahren hergestellte Kunstdrucke, werden beliebter. Leinwandtransfers, bei denen das Bild auf Leinwand übertragen wird, vermitteln das Aussehen eines Gemäldes. Beim Kauf limitierter Auflagen sollte geprüft werden, wie die Drucke signiert und nummeriert sind. Üblicherweise werden sie fortlaufend nummeriert, etwa 35/100: Die erste Zahl bezeichnet den Platz des Abzugs innerhalb der Auflage, die zweite die Gesamtzahl der Drucke.

Ohne weitere Informationen lässt sich Bill Mayer nur schwer einer bestimmten Kunstbewegung zuordnen. Einige Passagen behandeln jedoch ähnliche Künstler und Bewegungen, die einen Zusammenhang bieten können. Die abstrakten Mobiles von Alexander Calder nutzen tatsächliche Bewegung als zentrales Element. Calders frühere Mobiles waren von Mondrians klassischer Reinheit inspiriert. Seine Freundschaft mit Miró führte ihn zu freien, organischen Formen, die er mit geometrischen Formen verband. Seine Mobiles und Stabiles umfassen Raum und gestalten Bewegung mit Drähten und flachen Formen in Schwarz oder leuchtenden Farben. Experimente mit mechanischer Bewegung sind zu einem zentralen Interesse von Künstlern in Europa und Amerika geworden. José de Rivera verwendet Bewegung als Rahmen statt als zentralen Teil der Struktur und schafft eine Folge miteinander verbundener Ansichten, während sich seine Skulpturen drehen.

Da die Referenztexte keine bestimmte Person namens „Bill Mayer“ nennen, beschreiben die Passagen Leben und Laufbahnen mehrerer mit dem Guggenheim Museum verbundener Künstler. Alexander Calder wurde 1898 in Philadelphia geboren. Er absolvierte eine Ausbildung zum Maschinenbauingenieur und studierte dann von 1923 bis 1926 an der Art Students League in New York. Bis 1926 war er nach Paris gezogen. 1933 kehrte Calder in die Vereinigten Staaten zurück und kaufte eine Farm in Roxbury in Connecticut. Bis Mitte der 1960er-Jahre stellte er weiterhin umfangreich in Europa und den USA aus. Jack Youngerman wurde 1926 in St. Louis geboren. Er studierte an der University of Missouri und anschließend 1947 an der École des Beaux-Arts in Paris. Philip Guston wurde 1913 in Montreal in Kanada geboren und zog 1919 nach Los Angeles. Kenneth Noland wurde 1924 in Asheville in North Carolina geboren. Er besuchte das Black Mountain College, bevor er 1948 nach Paris reiste.

Bill Mayers Werk wurde seit 1970 in zahlreichen Ausstellungen gezeigt. Diese fanden in Museen und Galerien in den Vereinigten Staaten und Europa statt. Zu den Ausstellungsorten gehören das Contemporary Arts Center in Cincinnati, die Emily Lowe Gallery an der Hofstra University in Hempstead in New York und die Whitechapel Art Gallery in London. Seine Kunst wurde auch in der Mayfair Fine Art Gallery in London, im Nelson-Atkins Museum of Art in Kansas City, im Philadelphia Museum of Art und im Palais des Beaux-Arts in Brüssel gezeigt. Weitere Orte sind das Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam, die Nationalgalerie in Berlin, der Palazzo Reale in Mailand, die Kunsthalle Basel und das Musée des Arts Decoratifs in Paris. Sein Werk findet sich außerdem im Whitney Museum of American^[1] Art in New York, im San Francisco Museum of Art und in der Yale University Art Gallery in New Haven.

Bestimmte Personen zu benennen, die direkt von Bill Mayer beeinflusst wurden, ist schwierig. Einige Quellen geben jedoch Einblick in seine künstlerischen Einflüsse und sein Umfeld. Während seiner Zeit in Los Angeles stand Mayer mit einer Gemeinschaft kreativer Menschen in Kontakt, darunter Richard Neutra, Rudolph Schindler, Arnold Schoenberg, Lorser Feitelson, Helen Lundeberg, Peter Krasnow, Harry Bertoia und Knud Merrild. Unter ihnen führte Stanton Macdonald-Wright, Mitbegründer des Synchromismus, mit Mayer Gespräche über die Möglichkeiten der Farbabstraktion. Persönlichkeiten wie die Whitney-Brüder, Maya Deren, Alexander Hammid, Curtis Harrington und Kenneth Anger besuchten Mayer, während Harry Smith sich von ihm dazu inspirieren ließ, direkt auf Film zu malen. Harry Bertoia könnte zudem durch seine Freundschaft mit Mayer Anregungen für bewegliche Metallskulpturen erhalten haben. John Cage wurde von Mayers Vorstellung inspiriert, dass Gegenstände einen Geist enthalten, der die Form von Klang annehmen kann.

Bill Mayer belegte Überblickskurse zur Kunstgeschichte an der Columbia University. Außerdem besuchte er zwei Semester lang Ralph Mayers Programm „Tools and Materials“. Diese Kurse brachten ihn mit verschiedenen alten künstlerischen Verfahren der „dauerhaften Malerei“ in Berührung. Mayer sagte, er sei anfangs allein mit den Arbeiten aller anderen gewesen, etwa von Guston, Motherwell, Kline, Gorky, Pollock, Rothko und Jasper Johns. Sein Freund Ward Jackson schickte ihm inspirierende Postkarten mit Reproduktionen zehn Jahre alter Gemälde von Motherwell. Ein Jahr oder länger feierte Mayer beinahe alles: die grobe Maske von Cezannes Selbstporträt, in einem Kohlewirbel veredelt; triste Mietshäuser am Wasser, in Öl, Siena, Umbra, Ocker, Schwarz und Weiß umrissen; Güterzüge im Regen, mit fingerverschmierter Tusche dargestellt; vergeudete Ausbrüche von Aquarellfarbe und Tusche für sich allein; das „Song of Songs“ in seiner eigenen Schrift, umfangen von zarten Lasuren, die von spendenden Brüsten auf dem Feld im Morgenlicht sprachen; eine im Rinnstein plattgedrückt gefundene Luis Lozano Olive Oil-Dose, die als sie selbst an einer goldenen, mit „mira, mira.“ beschrifteten Schachtel befestigt sichtbar wurde.

Es scheint mehrere Künstler namens Bill Mayer/Mayer zu geben, und die Frage ist für eine hilfreiche Antwort nicht genau genug. Hier folgen Zusammenfassungen zu mehreren Künstlern namens Bill aus den Referenztexten: Max Bill (1908, Winterthur) studierte an der Kunstgewerbeschule in Zürich (1924-27) und am Bauhaus in Dessau bei Kandinsky, Klee und Albers (1927-29). Er gründete die Hochschule für Gestaltung in Ulm mit und war von 1951^[1]-56 ihr Direktor. Luigi Boille (1926, Rom) erhielt einen Abschluss in Malerei an der Academia di Belle Arti in Rom und einen Architekturabschluss an der University of Rome. Bis 1951 war er nach Paris gezogen, wo er 1955 eine Einzelausstellung in der Galerie Lucien Durand hatte. Bill Richards (geboren 1936 in Grantsville in West Virginia) studierte an der Ohio University in Athens (BFA, 1954-58) und an der Indiana University in Bloomington (MFA, 1958-60). Seine Werke der frühen 1970er-Jahre erinnern an Schultafeln, mit flüchtigen weißen Linien und schnellen Zeichen, die an die von einem Footballtrainer hingeworfenen Diagramme denken lassen. Bill Viola (geboren 1951 in New York City) studierte am College of Visual and Performing Arts der Syracuse University und schloss 1973 ab. In den 1970er-Jahren unterstützte Viola Nam June Paik und Peter Campus bei verschiedenen Projekten.

Bill Mayers Werk erhält seine Bedeutung durch seinen Platz innerhalb der Pop Art, einer Stilrichtung, die Ende der 1950er-Jahre entstand. Die Pop Art stellte etablierte künstlerische Werte infrage, indem sie Bilder aus der Massenkultur und aus kommerziellen Quellen aufgriff. Künstler wie Andy Warhol und Roy Lichtenstein verwendeten bewusst alltägliche Motive wie Werbung und Supermarktprodukte. Sie stellten sich damit der mit dem abstrakten Expressionismus verbundenen Einzigartigkeit entgegen. Die Pop Art hinterfragte die traditionelle Rolle der Museen. Die Institutionen mussten sich mit ihrer Stellung als kulturelle Deutungsinstanzen auseinandersetzen. Die frühe Hinwendung des Guggenheim zur Pop Art und die spätere Neubewertung durch das MoMA zeigen, wie institutionelle Anerkennung das Kunstverständnis prägt. Die Pop Art verschob Grenzen, indem sie sich kommerzieller Bildsprache bediente. Sie stellte Fragen zum Konsumismus und zum Verhältnis zwischen Kunst und Markt. Mayers Werk gehört somit zu einem umfassenderen kritischen Vorhaben, das den kulturellen Wandel hin zum Spätkapitalismus aufgriff.

Bill Mayer arbeitete mit Gouache, Ölfarbe, Airbrush, Schabkarton sowie Feder und Tusche. Sein Stil umfasste unverwechselbare Tierfiguren, insbesondere Frösche, die in Werbeaufträgen sowie redaktionellen und kulturellen Aufträgen wiedererkennbar waren.

Bill Mayer wurde 1951^[1] geboren.