Où voir les œuvres de l’artiste Mark Wallinger

Les œuvres de Mark Wallinger sont visibles dans plusieurs lieux importants. Au Royaume-Uni, on peut en voir à la Tate Modern (Bankside, Londres, SE1 9TG) et au Victoria and Albert Museum (Cromwell Road, South Kensington, Londres SW7 2RL). À l’étranger, plusieurs musées possèdent également ses œuvres : le Los Angeles County Museum of Art (5905 Wilshire Boulevard, Los Angeles, CA 90036), le Metropolitan Museum of Art (1000 Fifth Avenue, New York, NY 10028), le Minneapolis Institute of Arts (2400 Third Avenue South, Minneapolis, MN 55404), le Museum of Modern Art (11 West 53rd Street, New York, NY 10019), le Royal Ontario Museum (100 Queens Park, Toronto, Ontario M5S 2C6) et le Virginia Museum of Fine Arts (200 N. Boulevard, Richmond, VA 23220). Avant de prévoir une visite pour voir une œuvre précise, il est conseillé de contacter directement le musée, car les collections et les expositions peuvent changer.

Mark Wallinger est un artiste britannique qui travaille avec divers médiums. Né à Chigwell, dans l’Essex, en 1959, il remporta le prix Turner en 2007 et représenta la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise en 2001. Ses estampes sont souvent liées à ses projets de sculpture et d’installation. Sa série de sérigraphies uniques *Oxymoron* se rattache, par exemple, à sa commande de 2009 pour le quatrième socle, *The Fourth Plinth*. La sculpture représente un grand cheval de course déformé et marbré. Les estampes reprennent directement les images de la sculpture. Une autre série, *Self Portrait as a Worried Man*, se rattache également à un projet plus vaste. En 2017, Wallinger créa une sculpture grandeur nature de Sigmund Freud pour l’ancienne demeure londonienne de celui-ci. La lithographie montre Wallinger adoptant la pose de Freud ; c’est une exploration de l’identité à la fois humoristique et réfléchie. Ses estampes superposent souvent plusieurs niveaux de sens. Elles récompensent une observation attentive et invitent à réfléchir aux liens entre l’image, l’artiste et le monde. Elles ne représentent pas toujours directement ses sculptures, mais proposent un autre regard sur ses préoccupations artistiques.

Mark Wallinger se fit connaître comme membre de la génération des Young British Artists. Il est connu pour ses œuvres conceptuelles, souvent consacrées aux classes sociales, à la société et à la religion. Son art invite fréquemment à remettre en question les normes établies et les structures de pouvoir. A Real Work of Art (1994), l’une de ses œuvres connues, consistait à acheter un cheval de course et à lui donner ce titre ironique, explorant ainsi la marchandisation de l’art et les mécanismes du monde de l’art. State Britain (2007), autre œuvre importante, reconstituait à l’intérieur de la Tate Britain la manifestation pacifiste de Brian Haw sur Parliament Square. Cette installation confrontait directement la liberté d’expression et la politique gouvernementale. Ecce Homo (1999), première œuvre installée sur le quatrième socle vide de Trafalgar Square, est une sculpture du Christ grandeur nature qui remet en question la statuaire héroïque traditionnelle. Wallinger représenta la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise en 2001 et remporta le prix Turner en 2007. Son exploration continue des questions sociales et politiques nourrit sa pertinence dans les débats contemporains.

Mark Wallinger travaille avec de nombreux médiums : sculpture, peinture, vidéo, installation et estampe. Il représenta la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise en 2001, où il présenta notamment *Ecce Homo* (1999), sculpture en marbre du Christ à taille humaine. Celle-ci fut d’abord installée sur le socle vide de Trafalgar Square. L’artiste intègre souvent des thèmes religieux et des commentaires sociaux à ses œuvres. Son installation *State Britain* (2007), à la Tate Britain, reconstituait la manifestation pacifiste de Brian Haw sur Parliament Square, avec ses banderoles, ses photographies et ses effets personnels. La série *Oxymoron* (2009) présente des peintures de chevaux, motif récurrent chez Wallinger, associant techniques traditionnelles de peinture à l’huile et sujets contemporains. Plus récemment, il créa *Labyrinth* (2013), ensemble de 270 plaques émaillées pour Transport for London. Chaque œuvre unique est installée dans une station différente du métro londonien. Les motifs s’inspirent du labyrinthe du palais de Hampton Court.

Il est difficile d’identifier l’influence directe de Mark Wallinger sur des artistes ultérieurs. On peut toutefois observer l’influence de la sculpture sur la céramique britannique en comparant les œuvres d’Edmund de Waal et de Donald Judd. De Waal prit les œuvres en piles de Judd comme modèles, utilisant des étagères empilées et des boîtes horizontales fixées au mur qui citent directement certaines des œuvres les plus connues de Judd. Il n’hésite pas à reprendre des œuvres très reconnaissables de cette période, comme lorsqu’il rend hommage au peintre abstrait Agnes Martin avec de longues rangées de pots qui évoquent ses bandes de peinture caractéristiques. Dans l’ensemble de son œuvre, de Waal dialogue avec des œuvres majeures de la sculpture du vingtième siècle, par la forme, la couleur ou le détachement du sol et du socle. La sculpture contemporaine entreprit alors de recevoir de façon critique et d’amplifier, déconstruire ou isoler l’héritage du modernisme américain. Ce processus conduisit finalement à redéfinir la matière même de la sculpture et sa relation à son environnement, qu’il s’agisse du spectateur ou du contexte sociopolitique.

L’œuvre de Mark Wallinger dialogue avec diverses traditions artistiques et intellectuelles. L’art conceptuel l’a clairement influencé, notamment les artistes qui utilisent objets et situations quotidiens pour explorer des sens plus profonds. Marcel Duchamp, avec ses ready-mades et son intérêt pour le hasard, est un prédécesseur important. Wallinger partage son intérêt pour la remise en question de la valeur artistique et des notions conventionnelles de l’art. Il puise aussi dans l’histoire de l’art britannique. Son intérêt pour les questions sociales et son recours au réalisme le rapprochent d’artistes comme William Hogarth. Les estampes satiriques de Hogarth, qui commentaient les enjeux sociaux et politiques de son époque, constituent un précédent historique à l’art engagé de Wallinger. L’artiste a également reconnu l’influence de la littérature et de la philosophie. Son intérêt pour la psychanalyse, par exemple, éclaire certaines œuvres. La diversité de ses influences témoigne de sa curiosité intellectuelle et de son désir de créer un art visuellement captivant et stimulant sur le plan conceptuel.

Il est difficile de désigner avec certitude l’œuvre la plus célèbre de Mark Wallinger, car la célébrité est subjective et variable. Plusieurs œuvres ont toutefois attiré beaucoup d’attention. Wallinger représenta la Grande-Bretagne à la Biennale de Venise de 2007, ce qui lui apporta une reconnaissance internationale. Parmi ses œuvres connues figurent A Real Work of Art (1994), où il proposa comme œuvre d’art des parts de sa propre lignée sanguine ; Angel (1997), reconstitution de l’Ange du Nord d’Antony Gormley ; et State Britain (2007), reconstitution de l’installation de protestation du militant pacifiste Brian Haw devant le Parlement, qui remporta le prix Turner. Cette installation recréait l’exposition de Haw à l’intérieur de la Tate Britain et soulevait des questions de liberté d’expression et de manifestation. Autre œuvre importante, Ecce Homo (1999), sculpture du Christ grandeur nature installée sur le quatrième socle vide de Trafalgar Square. Ces œuvres ont contribué à faire de Wallinger un artiste contemporain important.

Mark Wallinger est associé aux Young British Artists (YBA), phénomène artistique aux contours flous qui se fit connaître dans les années 1990. Les YBA, parmi lesquels Damien Hirst, réagirent à ce qu’ils considéraient comme une impasse du monde de l’art. Ils prônaient un « retour du réel » en réactivant des stratégies du pop art, du minimalisme et de l’art conceptuel. Le commissaire Andrew Renton observait qu’« une certaine forme d’irresponsabilité » réunissait ces artistes sur le plan esthétique. Angela McRobbie remarquait que cette attitude les libérait des classifications faciles. Les YBA attirèrent l’attention des médias par des œuvres et des événements controversés, comme House (1993) de Rachel Whiteread et l’exposition Sensation de la Royal Academy en 1997. Leurs œuvres recouraient souvent à l’ironie et aux jeux de mots, et s’intéressaient à la culture populaire, à la jeunesse et à la mode. Bien que l’étiquette YBA soit aujourd’hui quelque peu datée, elle désigne un moment précis de l’histoire de l’art britannique, caractérisé par une approche postconceptuelle et une attitude provocatrice.