Still life with fruits
Städel Museum, Frankfurt
Nature morte aux fruits appartient à la série de tableaux de table — coupes de fruits, pichets et tissus à motifs — sur laquelle Georges Braque a bâti sa carrière mûre après la Première Guerre mondiale. Il a d’abord été formé comme peintre en bâtiment et décorateur au Havre avant d’étudier officiellement à Paris. À partir de 1909, il a travaillé en étroite collaboration avec Pablo Picasso à l’invention du cubisme ; Braque a décrit plus tard ce partenariat comme deux alpinistes attachés à la même corde[1]. Il a été grièvement blessé pendant la guerre : atteint d’une balle à la tête en 1915, il a subi une trépanation. Sa longue convalescence l’a éloigné de l’avant-garde parisienne pendant plusieurs années[1]. Lorsqu’il a repris la peinture en 1917 et 1918, il avait décidé que le cubisme ne devait pas évoluer davantage vers l’abstraction pure. Dans les années 1920 et 1930, il a construit des natures mortes à partir de larges plans distincts, souvent richement colorés, en mélangeant fréquemment du sable à la peinture pour donner à la surface une texture plus lourde et résistante, plus proche de la fresque que de l’huile lisse[1]. Cette toile a été accrochée à la Städtische Galerie du Städel de Francfort de 1926 à 1937, année où les autorités allemandes l’ont saisie comme art dégénéré. Cette saisie s’inscrivait dans une campagne plus vaste qui a conduit à brûler à Berlin, en mars 1939, plus de mille peintures et sculptures d’artistes tels que Braque, Picasso et Léger, et à vendre des centaines d’autres œuvres lors d’une vente aux enchères très médiatisée à Lucerne, la même année[2]. Ce tableau a échappé au bûcher en passant par la vente. Il est entré dans la collection d’Emil Bührle, fabricant d’armes suisse dont la fortune, tirée de la vente d’armes pendant les années de guerre, a financé l’une des collections privées les plus importantes et les plus contestées d’Europe[3].
Provenance
Autres versions
Foundation E.G. Bührle Collection
Zurich, Suisse
Une formation de peintre en bâtiment réorientée
Braque a été formé comme décorateur et a obtenu son certificat d’artisan en 1901 après avoir suivi des cours du soir à l’École des Beaux-Arts du Havre. Ce métier a laissé une empreinte durable sur sa peinture : le faux bois en trompe-l’œil et le lettrage qu’il a intégrés au cubisme dérivent directement de techniques qu’un décorateur aurait utilisées sur de vrais meubles et de vrais murs[2]. Cette expérience artisanale est également sous-jacente aux natures mortes de sa période intermédiaire. Mélanger du sable à la peinture, technique visible dans des œuvres comme celle-ci, revient à appliquer à l’art la sensibilité d’un décorateur aux surfaces et aux textures, et non à emprunter une tradition picturale.
Un partenariat, puis la guerre, puis un autre Braque
À partir de 1909, Braque a travaillé au quotidien en étroit contact avec Picasso. Ils échangeaient leurs idées si étroitement que Braque a décrit plus tard leur collaboration comme deux alpinistes attachés à la même corde[1]. La guerre a mis fin à ce partenariat. Braque s’est engagé, a été blessé à la tête par balle en 1915 et a subi une trépanation. Il n’en a pas gardé de séquelles cérébrales durables, mais sa convalescence l’a éloigné de Paris et des débats cubistes qu’il avait menés avec Picasso pendant des années[1]. Lorsqu’il a repris la peinture en 1917 et 1918, il avait acquis la conviction que le cubisme était allé aussi loin qu’il le devait vers l’abstraction. Au cours de la décennie suivante, il a, selon ses propres mots, remis de la chair sur ses os au moyen de natures mortes composées d’objets ordinaires : coupes de fruits, pichets, tissus à motifs et guitares[1].
Du sable dans la peinture
Dans les années 1920 et jusque dans les années 1930, Braque a réalisé des séries de natures mortes centrées sur des tables rondes à piédestal et des manteaux de cheminée. Elles sont composées de larges plans frontaux, souvent vivement colorés, qui restent distincts plutôt que de se fondre les uns dans les autres[4]. Il mélangeait régulièrement du sable à ses pigments, ce qui épaississait la surface et ralentissait le regard, invitant à une observation progressive et délibérée plutôt qu’à un coup d’œil rapide[1]. Les plans inclinés, les contours appuyés et le volume des objets rappellent les natures mortes tardives de Cézanne, une influence que Braque avait assimilée après avoir vu l’exposition commémorative de Cézanne en 1907, plusieurs années avant le début du cubisme[4].
Questions courantes
Pourquoi ce tableau a-t-il une surface si rugueuse et sableuse ?
Dans les années 1920 et 1930, Braque mélangeait régulièrement du sable à sa peinture pour en épaissir la texture, plus proche de la fresque que de l’huile lisse. Il voulait ralentir le regard du spectateur et l’inciter à une observation attentive plutôt qu’à un coup d’œil rapide.
Pourquoi ce tableau a-t-il quitté un musée allemand ?
Les autorités allemandes l’ont saisi au Städel de Francfort en 1937 comme art dégénéré. Il a été vendu aux enchères à Lucerne en 1939 plutôt que détruit, puis a fini par rejoindre la collection de l’industriel suisse Emil Bührle.
Qui était Emil Bührle ?
Un fabricant d’armes suisse qui a fait fortune grâce à la vente d’armes pendant la Seconde Guerre mondiale et utilisé ses bénéfices pour constituer une importante collection d’art privée. Celle-ci est aujourd’hui conservée à la Foundation E.G. Bührle Collection, à Zurich, et a fait l’objet d’un examen critique en raison d’œuvres à la provenance controversée pendant la période nazie.
Quel lien Braque avait-il avec Picasso ?
À partir de 1909, tous deux ont travaillé en étroite collaboration au quotidien et développé ensemble le cubisme. Braque a décrit plus tard leur partenariat comme deux alpinistes attachés à la même corde.
Des reproductions des œuvres de Georges Braque sont disponibles. Voir la collection →
Sources
Le texte éditorial s’appuie sur les références suivantes, vérifiées auprès du musée et dans les données relatives à l’image de cette œuvre dans le domaine public.
- [1] livre Robert Hughes, The Shock of the New, 1980 Utilisée pour : cette œuvre.
- [2] livre Susie Hodge, Art Utilisée pour : cette œuvre.
- [3] livre Susie Hodge, Art Heist Utilisée pour : cette œuvre.
- [4] livre Solomon R. Guggenheim Museum, Guggenheim Museum Handbook Utilisée pour : cette œuvre.
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