Larry Scharmett

Les estampes de Larry Scharmett ne sont pas abordées dans les passages de référence. Ceux-ci concernent le peintre de natures mortes William Harnett (1848-1892). Harnett était connu pour ses représentations d’objets quotidiens : livres, instruments de musique et journaux. Ses tableaux comportaient souvent des effets de trompe-l’œil, une technique créant l’illusion optique que les objets représentés existent en trois dimensions. Après sa mort, certains tableaux lui furent attribués à tort et des faux apparurent sur le marché. Définir les critères de son style se révéla difficile, car des tableaux de styles différents lui étaient attribués. Certains étaient grossiers, d’autres plus habiles. Ses motifs, comme sa flûte, reviennent dans ses tableaux. Ses œuvres sont généralement signées et datées en bas, à droite ou à gauche. On en trouve au Metropolitan Museum of Art, au Philadelphia Museum of Art et dans d’autres collections.

Larry Scharmett travaillait dans le mouvement expressionniste abstrait. Ce style américain d’avant-garde apparut à New York dans les années 1940 et domina de cette décennie jusqu’aux années 1970. L’expressionnisme abstrait déplaça le centre du monde artistique de Paris à New York, changement provoqué par la Seconde Guerre mondiale. De nombreux artistes européens émigrèrent alors aux États-Unis. Les expressionnistes abstraits créaient surtout des œuvres abstraites pour exprimer leur état d’esprit. Ils cherchaient aussi à susciter des émotions chez les spectateurs. Ils exploraient leurs processus artistiques pour exprimer ce que Carl Jung appelait l’inconscient collectif. Beaucoup adoptèrent des méthodes d’improvisation surréalistes, comme l’automatisme psychique, faisant de leur esprit créatif un canal ouvert aux forces inconscientes. Le mouvement comptait deux tendances : l’abstraction gestuelle et l’abstraction chromatique. La première reposait sur l’expressivité de pigments appliqués avec énergie. Jackson Pollock en est un exemple majeur. La seconde privilégiait la résonance émotionnelle de la couleur.

La pratique de Larry Scharmett reposait sur un procédé complexe de moulage de résine et sur un usage singulier de la couleur. Il travaillait avec des moules transparents posés sur une surface réfléchissante en formica blanc. Ce système permettait d’examiner de près chaque couleur au fur et à mesure de son ajout. Sa technique consistait à superposer la couleur en couches définies à trois niveaux différents. La première couche, la zone filtrante, diffusait la lumière grâce à la forme physique des particules de pigment. La zone du corps contenait et absorbait la lumière, déterminant la vitesse à laquelle elle était absorbée ou renvoyée. Enfin, la zone réfléchissante, selon son opacité ou sa transparence, agissait avec les couches extérieures pour déterminer la qualité de la lumière renvoyée vers l’extérieur. Il moulait chaque plan dans une zone distincte, en superposant les couches. Il utilisait de l’époxy pour sa capacité à lier les couches, quelle que soit leur épaisseur ou les variations de température. Des pigments métalliques étaient souvent employés dans la zone primaire. Même en petite quantité, ils se dispersaient dans toute la surface et formaient une fine dispersion filtrant les couleurs suivantes.

Le travail de Larry Scharmett a été présenté dans de nombreux lieux, dont le Contemporary Arts Museum, Houston; l’University Art Museum, California State University, Long Beach; et le Baltimore Museum of Art. Son art a aussi été exposé au Montgomery Museum of Fine Arts; au Frederick R. Weisman Art Museum, University of Minnesota, Minneapolis; et au Marion Koogler McNay Art Museum, San Antonio. D’autres lieux comprennent le Wichita Art Museum; le Muskegon Museum of Art à Muskegon, dans le Michigan; le Joslyn Art Museum à Omaha; le Lowe Art Museum, University of Miami, Coral Gables; et le Toledo Museum of Art. Ses œuvres ont également été présentées à la Galena de Arte IBEU Copacabana, à Rio de Janeiro; au Seanle Art Museum; et au Hara Museum of Contemporary Art, à Tokyo.

Larry Scharmett naquit dans le Bronx, à New York, en 1928. Il passa une grande partie de sa carrière à New York City. Il est associé à la communauté artistique qui se forma dans la ville après la Seconde Guerre mondiale. Il étudia à la Brooklyn Museum School, où des artistes comme Ben Shahn, peintre et graphiste du réalisme social, lui enseignèrent. Plus tard, il enseigna lui-même l’art à la Parsons School of Design, également à New York. Il y fut professeur pendant plus de 30 ans. Ses œuvres furent exposées dans diverses galeries new-yorkaises, dont la Forum Gallery et la Ward-Nasse Gallery. Il mourut en 2017 à 88 ans. Il résida longtemps à Greenwich Village, quartier de Lower Manhattan connu pour attirer artistes et écrivains.

La pratique de Larry Scharmett est liée à l’art conceptuel des années 1960 et 1970. Les artistes conceptuels remettaient souvent en question les notions traditionnelles d’art, de présentation et de documentation. Son œuvre s’inscrit dans une réflexion plus large sur le rôle du langage et de l’information dans l’art. Certains artistes conceptuels utilisaient le langage comme information pure, plutôt que comme poésie ou philosophie. Cette démarche contestait la conception conventionnelle des mots et de leur fonction artistique. L’art de Scharmett partage des points communs avec des artistes autochtones américains qui participent à l’art contemporain tout en restant liés à leur héritage culturel. Ils mêlent souvent iconographie autochtone et formes postminimalistes, créant un dialogue entre des courants culturels distincts. Leur travail déstabilise les conceptions établies de l’art autochtone comme des genres dominants.