Douglas Huebler

Huebler est connu pour son art conceptuel, qui rejetait les objets d’art traditionnels. Ses séries photographiques, Duration, Location et Variable Pieces, documentent souvent le quotidien et impliquent le spectateur.

Il est difficile de désigner une œuvre unique comme sa plus célèbre. Huebler est surtout connu pour sa photographie conceptuelle, qui utilise souvent le texte et remet en cause les notions traditionnelles de l’art. En 1968^[1], il commença la photographie, qu’il qualifia de moyen « le plus neutre » de restituer l’apparence. Ses Duration, Location et Variable Pieces obéissent à des règles strictes avec peu d’intervention subjective : elles documentent le temps, des sites précis ou font participer le public. Location Piece #14, Global Proposal (1969), demande au propriétaire de prendre vingt-quatre photos depuis un hublot à intervalles précis. Variable Piece #44, Global (1971–80), suit la transformation d’une personne et demande aux futurs propriétaires d’ajouter des photos. Son langage courant et ses énoncés déclaratifs mettent notre perception à l’épreuve. Il contestait l’expérience esthétique privilégiée au profit d’un accès et d’une interaction égaux.

Huebler commença à photographier en 1968^[1], tout en disant qu’il n’était pas photographe ; il voyait ce médium comme un enregistrement neutre de l’apparence. Ses Duration, Location et Variable Pieces suivaient des règles strictes. *Duration Piece #4, New York City, February, 1969* comporte dix photos, la première prise à un endroit choisi au hasard à 8 h 45, puis à intervalles doublés pendant sa marche dans la ville. Dans *Location Piece #17, Turin, Italy (1973)*, il cherchait son « double artiste ». *Variable Piece #4, New York City, November, 1968* réunit dix photos de passants à Manhattan et une directive signée : les yeux fermés, le photographe s’assit au coin de Vanderbilt Avenue et prit chaque photo quand le bruit de la circulation vers 42nd Street diminuait assez pour suggérer que les piétons pouvaient traverser.

Douglas Huebler est associé à l’art conceptuel. Il commença comme peintre, puis s’orienta vers la peinture à contours nets et la réduction des formes. Vers 1968^[1], il abandonna les objets d’art traditionnels. En 1969, il déclara préférer « simplement énoncer l’existence des choses en termes de temps et/ou de lieu ». Huebler recourait à des procédures données pour documenter des événements non scénarisés, souvent dans des périodes et des lieux déterminés. Il empruntait aux mathématiques, recueillant des « données » avec une précision pseudo-scientifique. La photographie lui servait de moyen neutre pour documenter les apparences. Son œuvre se divise en pièces de durée, de lieu et variables, toutes régies par des règles strictes qui réduisaient au minimum son intervention subjective. Huebler fut parmi les premiers artistes conceptuels à associer texte et photographie. Le texte, en langage courant, remet en question notre perception de l’image. Il ne la décrit pas : il constitue une directive linguistique qui produit la documentation et oriente le spectateur. Il rejetait la photographie de rue artistique en abandonnant la composition picturale au hasard. Son œuvre invite le spectateur à contribuer à la création du sens.

Huebler commença comme dessinateur et peintre traditionnel ; à la fin des années 1960^[1], il adopta des styles réductifs et créa des sculptures de contreplaqué recouvert de Formica, dans des tons neutres. Ces Minimal ou Primary Structures offraient plusieurs positions, sans point de vue privilégié. En 1968, il abandonna les objets traditionnels et utilisa photo et texte pour énoncer l’existence en temps ou lieu. Ses séries suivaient des règles strictes et des cadres de prise de vue préétablis. Les déclarations dactylographiées mettent la perception à l’épreuve, documentent la procédure et guident le spectateur ; il confiait parfois les photos à des gens ordinaires.

Douglas Huebler (né en 1924^[1], mort en 1997^[1]) était un artiste conceptuel américain connu pour son usage de la photographie et du texte afin de documenter des événements régis par des règles. Il abandonna les objets d’art traditionnels en 1968^[1]. L’année suivante, il déclara : « Le monde est plein d’objets, plus ou moins intéressants ; je ne souhaite pas en ajouter. Je préfère simplement énoncer l’existence des choses en termes de temps et/ou de lieu. » Huebler employait des procédures données pour consigner des événements non scénarisés, souvent dans des durées et des lieux déterminés. Ses œuvres, soigneusement numérotées, documentaient ces expériences fondées sur des règles et liées au temps et au lieu. Il utilisa la photographie à partir de 1968, la considérant comme un moyen neutre de saisir les apparences. Son travail photographique relevait de trois catégories : pièces de durée, de lieu et variables, toutes guidées par des règles strictes exécutées sans intervention subjective de sa part. Parmi ses œuvres figure Variable Piece #4, New York City, November, 1968, composée de photographies de passants accompagnées d’un texte décrivant la procédure. Duration Piece #7, New York City, 1969 consiste en quinze photographies d’oies de Central Park prises à intervalles d’une minute. Huebler faisait souvent participer le spectateur, comme dans Variable Piece #135, Edinboro State College, Edinboro, Pennsylvania, January 1974, où des étudiants devaient trouver leur sosie et le photographier.

Actif des années 1960^[1] jusqu’à sa mort, Huebler passa de la peinture aux styles hard-edge et réductifs. Au milieu des années 1960, il créa des sculptures de contreplaqué couvertes de Formica, sans point de vue privilégié et soulignant le rapport œuvre-spectateur-espace. En 1968, il abandonna les objets traditionnels. En janvier 1969, il déclara vouloir énoncer l’existence des choses en temps ou lieu. Dès 1968, la photographie lui servit à documenter neutralement des événements non scénarisés ; il employait aussi des systèmes mathématiques pour recueillir des données. Ses trois séries obéissaient à des règles strictes limitant son apport subjectif. *Rochester Trip* (1968) utilisait une carte routière produite en série pour guider le spectateur.

Les textes disponibles ne précisent pas le lieu de naissance ni l’origine de Douglas Huebler. Ils renseignent toutefois sur sa pratique artistique et son approche conceptuelle. Huebler commença à utiliser la photographie en 1968^[1], la considérant comme un moyen neutre de documenter les apparences. Son travail reposait souvent sur des procédures données et des systèmes documentaires pour consigner des événements et des rencontres, souvent liés au temps et au lieu. Il répartissait son œuvre photographique en pièces de durée, de lieu et variables, toutes régies par des règles strictes et une intervention subjective minimale. Parmi ses œuvres figurent Rochester Trip (1968), qui présentait une carte routière indiquant un itinéraire et des instructions pour le spectateur, et Duration Piece #7, New York City, 1969 (1969), une série de photographies d’oies de Central Park prises à intervalles d’une minute. Huebler associait souvent du texte à ses images ; celui-ci agissait comme une directive linguistique, produisant la documentation et guidant le spectateur. Il cherchait à vider la photographie de son contenu conventionnel et à énoncer l’existence des choses en termes de temps et de lieu.

L’œuvre de Huebler influença les artistes ultérieurs, surtout après son abandon des objets traditionnels en 1968^[1]. Sa priorité donnée aux idées et systèmes plutôt qu’à l’esthétique marqua ceux qui contestaient les conventions. Sa photographie comme dispositif de copie « idiot » dialogua avec le photoconceptualisme d’Ed Ruscha et Robert Smithson, dont les méthodes évitaient aussi le pictorialisme. Sa participation du spectateur rejoint Marcel Duchamp. Les critiques ont relevé ses systèmes de règles et de documentation autour du temps et du lieu. Il contestait l’expérience esthétique privilégiée au profit d’un accès égal et de l’interaction. Cette ambition démocratique et son intérêt pour mouvement et voyage ouvrirent l’art à davantage de personnes.

La trajectoire artistique de Douglas Huebler l’a éloigné des objets d’art traditionnels. En 1968^[1], il réorienta son travail et choisit de documenter l’existence des choses en fonction du temps ou du lieu. Son art conceptuel témoigne d’une démarche autocritique et fait appel à des systèmes documentaires pour enregistrer des événements non scénarisés. Son travail présente des traits communs avec celui d’Ed Ruscha et de Robert Smithson, dont les méthodes évitaient le pictorialisme. Il s’intéressait aussi à la philosophie asiatique. Comme d’autres artistes, Huebler cherchait à déconstruire l’idée d’une expérience esthétique privilégiée. Il commença à utiliser la photographie en 1968, la considérant comme un moyen neutre de saisir les apparences. Son œuvre photographique se divise en pièces de durée, de lieu et variables. Ces catégories obéissent à des règles exécutées sans grande intervention subjective de Huebler. Il prit ses distances avec l’impressionnisme, l’expressionnisme et le cubisme. L’écrivain Frédéric Paul a relevé l’intérêt de Huebler pour Alain Robbe-Grillet.

Douglas Huebler (1924^[1], Ann Arbor, Michigan–1997^[1], Truro, Massachusetts) était un artiste conceptuel américain travaillant avec photographie, texte et cartes. D’abord sculpteur, il abandonna les objets d’art en 1969^[1], préférant énoncer l’existence en temps et/ou lieu. Il documentait des événements selon des règles dans un temps et un lieu définis et recueillait des « données » avec précision pseudo-scientifique. Dès 1968, il considérait la photographie comme un moyen neutre de restituer l’apparence. Ses séries Duration, Location et Variable suivaient des règles arbitraires, sans apport subjectif. Il associait souvent photo et texte courant, énoncés mettant la perception à l’épreuve et guidant le spectateur par la procédure.

L’art de Douglas Huebler reste important en raison de son approche conceptuelle de la photographie. Il cherchait à dépouiller les photographies de leur contenu conventionnel et utilisait l’appareil comme un dispositif de copie « idiot » pour documenter des phénomènes selon des systèmes prédéfinis. Renonçant aux choix esthétiques, il confiait souvent la prise de vue à d’autres et traitait toutes choses sur un pied d’égalité. Son travail reflète un intérêt pour le minimalisme, la philosophie asiatique et le désir d’amener le spectateur à regarder attentivement. Huebler voulait démanteler l’idée d’une expérience esthétique privilégiée et prônait plutôt l’accès et l’interaction pour tous. Il affirmait que ses photographies étaient sans importance, « redondantes par rapport à l’idée ». Il commença à utiliser la photographie en 1968^[1], la considérant comme le moyen le plus neutre de saisir les apparences. Son œuvre se divise en pièces de durée, de lieu et variables, toutes régies par des règles strictes qui réduisent au minimum son intervention subjective. Dans Variable Piece #4, New York City, November, 1968, par exemple, il photographiait les passants les yeux fermés et prenait des clichés au moment où les bruits de la circulation lui indiquaient qu’il était possible de traverser sans danger. Ses textes sont des énoncés qui remettent en question notre perception et agissent comme des directives linguistiques produisant la documentation et guidant le spectateur.