Corrado Cagli

Corrado Cagli est connu pour sa participation au débarquement de Normandie en juin 1944^[1] et pour avoir fait partie des soldats entrés à Buchenwald. Il créa des œuvres documentaires directes à partir de ce qu’il y vit.

La production artistique de Corrado Cagli couvre plusieurs médiums et styles, ce qui rend difficile le choix d’une œuvre unique qui serait « la plus célèbre ». Il est peut-être surtout connu pour son association à l’École romaine (Scuola Romana), mouvement qui rejeta le style dominant du Novecento Italiano au profit d’une approche plus expressionniste et colorée. Dans les années 1930^[1], Cagli développa un style singulier qu’il nomma « réalisme magique », caractérisé par des images oniriques et un contenu symbolique. Ses fresques et tableaux à thèmes classiques en sont des exemples. Après son émigration aux États-Unis en 1939, son travail prit de nouvelles dimensions. Il expérimenta l’expressionnisme abstrait et incorpora des éléments de son expérience de guerre. Ses décors pour le ballet The Seasons (1947), sur une musique de John Cage, le firent connaître dans les milieux artistiques new-yorkais. Plus tard, il revint en Italie ; ses œuvres tardives explorent souvent la mémoire et l’identité. Compte tenu de la diversité de sa carrière, sa notoriété tient à plusieurs ensembles d’œuvres plutôt qu’à une pièce précise.

Pour parler des estampes de Corrado Cagli, il est utile de connaître quelques termes et pratiques de base. Une « estampe originale » est conçue et exécutée uniquement comme estampe, généralement tirée en édition numérotée et signée par l’artiste. Chaque épreuve de l’édition est originale, imprimée à partir d’une plaque, d’une pierre, d’un écran, d’un bloc ou d’une autre matrice créée à cette fin. Il n’existe pas d’épreuve originale unique dont les autres seraient des copies. Les estampes sont souvent tirées en édition limitée, dont l’artiste fixe le nombre d’épreuves. Elles sont numérotées (par exemple, 35/100 signifie la 35e épreuve sur 100). Certains artistes réalisent aussi des épreuves d’artiste marquées « AP ». Le numéro d’édition constitue une indication donnée par l’artiste et ajoute de la valeur à l’œuvre. Les estampes peuvent être des gravures sur bois, des gravures, des linogravures, des mezzotintes, des eaux-fortes, des lithographies ou des sérigraphies. Les reproductions offset, aussi appelées affiches, sont reproduites par procédé photochimique. Les tirages giclée sont des impressions jet d’encre d’art. Les transferts sur toile consistent à transférer l’image sur une toile pour lui donner l’apparence d’un tableau.

Les affiliations artistiques de Corrado Cagli sont complexes. Il s’intéressa à plusieurs styles et résistait aux catégories faciles. À la fin des années 1930^[1], il se rapprocha du groupe Corrente, à Milan, ce qui le plaça parmi les artistes qui rejetaient les politiques culturelles fascistes et recherchaient un lien renouvelé avec l’art européen, contre le classicisme nationaliste. Le groupe privilégiait un expressionnisme sans école précise. Après la Seconde Guerre mondiale, Cagli fut associé au Fronte Nuovo delle Arti en 1947. Ce groupe cherchait à synthétiser des tendances opposées et privilégiait une dialectique des formes plutôt qu’une esthétique fixe. Le Fronte fut toutefois éphémère, et l’orientation ultérieure de Cagli est moins claire. Plus tard, son travail évolua vers l’abstraction. Certains critiques le rattachent à des mouvements comme l’Arte Informel, caractérisés par le rejet des formes traditionnelles et l’accent mis sur le geste de l’artiste et les matériaux. Sa place dans ces mouvements ultérieurs demande toutefois des recherches supplémentaires.

Corrado Cagli expérimenta divers matériaux et procédés. Comme de nombreux artistes, il comprenait que les propriétés physiques d’un médium influent sur l’œuvre finale. Il est connu pour avoir mis au point un « nouveau type de tableau en verre ». Il ne s’agissait pas de vitraux transparents, mais d’œuvres en verre opaque destinées à être accrochées au mur ou intégrées à un bâtiment, à l’intérieur comme à l’extérieur. Il employait le sablage et du verre plaqué, généralement composé d’un corps en verre opalin recouvert d’une fine couche de verre coloré, souvent noir ou rouge. Pour sabler, il recouvrait le verre d’un pochoir, découpait le motif, puis utilisait du sable sous haute pression pour creuser un relief dans les zones découvertes. Un sablage plus court pouvait produire une finition mate plutôt qu’un relief. Cagli utilisait aussi des couleurs pour peintres sur verre, fixées par cuisson au four.

Corrado Cagli (1910^[1]–1981) était un peintre et sculpteur italien, également connu pour ses décors et costumes de scène. Dans les années 1930^[1], il appartint à l’École romaine, qui s’écartait du style dominant du Novecento Italiano en faveur d’une approche plus expressionniste. Il développa alors un style personnel intégrant des éléments du cubisme et du futurisme. On le connaît pour ses fresques et son engagement dans la résistance antifasciste pendant la Seconde Guerre mondiale, après laquelle il émigra aux États-Unis. Son style évolua ensuite vers l’abstraction. Il expérimenta différents médiums, notamment l’art graphique et les décors de scène, et s’intéressa à la théorie des couleurs. Il retourna en Italie dans les années 1960 et continua à travailler jusqu’à sa mort.

Corrado Cagli naquit à Ancône, en Italie, en 1910^[1] et mourut à Rome en 1976^[1]. En 1937^[1], il créa une fresque pour le pavillon italien à l’Exposition internationale de Paris. Il participa à la résistance antifasciste pendant la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, il séjourna aux États-Unis et peignit une fresque pour le département de géologie de Kansas City, dans le Missouri. Il retourna en Italie l’année suivante. Cagli participa en 1948 à l’Exposition internationale d’art abstrait et concret de Milan, puis à l’exposition Abstract and Concrete Art in Italy, organisée à Rome en 1951. En 1952, il participa à l’exposition Omaggio a Leonardo à la Fondazione Origine de Rome.

Les œuvres de Corrado Cagli se trouvent dans de nombreuses collections publiques : au Los Angeles County Museum of Art (LACMA), au Metropolitan Museum of Art de New York, au Minneapolis Institute of Arts et au Museum of Modern Art, également à New York. On en trouve aussi au Royal Ontario Museum de Toronto, au Virginia Museum of Fine Arts de Richmond et au Wolfsonian de la Florida International University, à Miami Beach. Au Royaume-Uni, elles sont visibles au Brighton Museum & Art Gallery, au Geffrye Museum de Londres, au Manchester Art Gallery, aux National Museums of Scotland d’Édimbourg et au Victoria & Albert Museum de Londres. Diverses collections universitaires conservent également des œuvres, notamment l’Ackland Art Museum, l’Allen Memorial Art Museum, le Princeton University Art Museum, le Fogg Art Museum, le University Art Museum de Santa Barbara, le University of Michigan Museum of Art et le Yale University Art Gallery.

Il est difficile d’identifier les artistes directement influencés par Corrado Cagli. On peut toutefois formuler quelques observations générales sur son milieu et ses influences possibles. Après la Seconde Guerre mondiale, l’art italien était partagé entre l’adoption du modernisme international et la recherche d’une identité indépendante. Certains artistes adoptèrent le « picassisme », style postcubiste. D’autres, comme Giuseppe Marchiori, cherchèrent à renouer avec l’originalité du futurisme et de l’art métaphysique. À cette époque, l’art abstrait gagna du terrain à Rome avec le groupe Forma, auquel appartenaient Giulio Turcato, Pietro Consagra et Achille Perilli. Turcato associait le postcubisme aux abstractions de Balla et évoquait, par la couleur, un espace chargé d’émotion. Dorazio, autre membre du groupe, analysait la forme et s’inspirait des grilles iridescentes de Balla. Le critique Germano Celant a relevé un changement culturel à Milan vers 1956^[1]–1958^[1], marqué par des expositions et des discussions qui repoussaient les limites artistiques. Lucio Fontana et Piero Manzoni exploraient de nouveaux langages visuels qui influencèrent l’art conceptuel et la performance.

Le développement artistique de Corrado Cagli s’inscrivait dans un milieu marqué par des figures et des mouvements variés. Le futurisme occupait une place importante dans l’art italien durant ses années de formation. Certains chercheurs ont décrit Giulio Evola, proche du futurisme, comme pratiquement un élève de Giacomo Balla. Evola visitait régulièrement l’atelier de Balla avec Enrico Prampolini et les frères Corradini. L’abstraction théosophique des débuts d’Evola fut fortement influencée par Balla. Cagli aurait été exposé au contexte plus large du futurisme, qui s’inspirait de diverses sources. Filippo Marinetti, figure centrale du mouvement, en défendait les idées. Umberto Boccioni, Carlo Carrà et Gino Severini, tous figures majeures du futurisme, contribuèrent à ses théories et à ses pratiques. Le futurisme fut lui-même influencé par des artistes comme Picasso, Michelangelo et Henri Matisse.

Corrado Cagli (1910^[1]–1976^[1]) était un artiste italien aux activités variées, de la peinture à la sculpture en passant par la scénographie. Né à Ancône, il partit pour Rome, où il rejoignit l’École romaine. Ses premières œuvres témoignaient d’un intérêt pour les thèmes sociaux, avant qu’il ne développe un style plus abstrait. À l’époque fasciste, son art fut considéré comme dégénéré et il quitta l’Italie pour Paris, puis les États-Unis. Il servit dans l’armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale. Après la guerre, il retourna en Italie et rejoignit l’Art Club de Rome. Son style continua d’évoluer, intégrant abstraction et expressionnisme. Il explora aussi la scénographie pour le théâtre et le ballet. Son œuvre se caractérise par l’expérimentation des formes et des matériaux ; sa carrière reflète les bouleversements artistiques et politiques du 20e siècle.

Corrado Cagli (1910^[1]–1981) était un artiste italo-américain dont la carrière traversa plusieurs mouvements ; son œuvre fait le lien culturel entre l’Europe et les États-Unis. Ses premières œuvres étaient associées à l’École romaine. Il développa un style personnel et son travail fut présenté à la Biennale de Venise en 1942^[1]. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Cagli servit dans l’armée américaine et obtint la citoyenneté américaine après la guerre. Dans l’après-guerre, il contribua à faire connaître l’art italien au public américain. Il eut une exposition personnelle à la Catherine Viviano Gallery de New York en 1950, galerie importante pour la promotion de l’art italien moderne aux États-Unis. Son rôle d’ambassadeur culturel est notable : il contribua au dialogue entre artistes italiens et américains pendant la guerre froide. Son œuvre éclaire les échanges artistiques de cette période.