Alevtyna Kakhidze

Alevtyna Kakhidze est connue pour dessiner les lieux que d’autres évitent, notamment les zones de conflit du Donbas. Des critiques ont décrit ses dessins-journaux comme humanisant la zone de conflit plutôt que de la rendre simplement lisible.

Sans référence précise au corpus d’Alevtyna Kakhidze, il est difficile de désigner son œuvre la plus célèbre. Les catalogues d’exposition et les bases de données des collections peuvent apporter quelques éléments. Par exemple, le Musée national d’art d’Ukraine à Kyiv conserve l’huile sur toile d’Alexandra Exter de 1912, *The Bridge (Sevres)*. Le Museum Ludwig de Cologne possède *Composition (Genoa)*, datant de 1912–1914^[1]. *City* (1913) d’Exter se trouve à la Galerie régionale de peinture de Vologda. Le Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid conserve *Still Life*, collage et huile sur toile datant d’environ 1913. Enfin, le Rostov Kremlin State Museum Preserve possède l’huile sur toile *Still Life. Bowl of Cherries*, réalisée par Exter en 1914. L’examen de l’historique d’exposition et des fonds muséaux de Kakhidze pourrait révéler son œuvre la plus connue.

Pour examiner les estampes d’Alevtyna Kakhidze, gardez à l’esprit quelques notions de base sur l’estampe d’art. La numérotation des estampes est une convention récente ; les premières estampes étaient souvent non signées. La signature de l’artiste atteste l’authenticité d’une estampe et son approbation d’une épreuve particulière. Les estampes originales sont souvent vendues en éditions limitées, plus chères que les affiches, qui ne sont pas numérotées. Le nombre de tirages est limité par le nombre d’impressions possibles avant que la plaque ne s’use. Certains éditeurs fixent leurs propres limites pour augmenter la valeur de l’estampe ; elles peuvent atteindre 700 à 1 000 tirages, tandis que d’autres éditions sont limitées à 250 à 500. L’indication de l’édition est inscrite sous la forme d’une paire de nombres en bas à gauche de l’estampe : le numéro de l’exemplaire et le nombre total de l’édition, séparés par un court trait. Le numéro de l’exemplaire est écrit au-dessus ou à gauche et le tirage total au-dessous ou à droite. Le titre est inscrit au milieu de la marge inférieure et la signature à droite. Les indications d’édition sont toujours signées au crayon.

Il est difficile d’associer Alevtyna Kakhidze à un seul mouvement. Son travail engage plusieurs idées liées à l’avant-garde du début du vingtième siècle, notamment le dynamisme et le rythme. Certains ont rapproché ses idées esthétiques du futurisme italien, relevant un intérêt commun pour l’expression du mouvement et de la force intérieure. Comme les futuristes, elle explorait le rythme comme composante première du mouvement, mais s’intéressait moins à la technologie et aux véhicules rapides, sujets courants du futurisme. D’autres ont souligné l’importance des constructions architectoniques, des formes volumétriques et de la lumière et de la couleur dans la création de décors scéniques dynamiques. Ces techniques visaient à manifester le rythme intérieur d’un drame par le mouvement sur scène. Il s’agissait de dépasser les décors peints statiques pour créer un ensemble plastique harmonieux où les figures se déplacent librement.

Sans détails précis sur les méthodes d’Alevtyna Kakhidze, nous pouvons évoquer quelques techniques et matériaux artistiques en général. Les artistes emploient diverses matières, du bois, du marbre, du bronze et de la peinture traditionnels au carton, au plastique et aux objets ménagers plus modernes. En peinture, ils peuvent utiliser la fresque, la tempera à l’œuf, l’aquarelle, l’huile, l’acrylique et les techniques mixtes. Chacune a ses propriétés : l’huile peut être appliquée en épais empâtements ou en glacis fins. Le geste varie lui aussi, du trait fin et dissimulé aux applications épaisses au couteau à palette ou au pochoir. Les sculpteurs taillent, modèlent, moulent ou assemblent leurs œuvres. La taille est un processus soustractif, tandis que le modelage est additif. L’assemblage utilise des objets trouvés. Les techniques regroupent les méthodes employées dans le processus créatif. Au crayon, elles comprennent les hachures parallèles, le hachurage croisé, l’ombrage, les dégradés obtenus en variant la pression, l’estompage et les traits irréguliers créant des textures. Ces méthodes produisent différents effets, définissent les formes et ajoutent des valeurs pour représenter lumière et ombre.

Alevtyna Kakhidze est une artiste ukrainienne contemporaine. Son travail a été exposé en Ukraine et à l’international. Voici quelques lieux où voir les œuvres d’artistes associés, même s’il est difficile de dresser une liste complète des musées et galeries qui ont présenté son art. Les œuvres d’Ivan Kliun sont conservées à la State Tretyakov Gallery de Moscou, au Museum Ludwig de Cologne, à l’Astrakhan Kustodiev Picture Gallery, au State Art Museum de Iaroslavl et au Regional Art Museum de Kirov. Celles de Gustav Klutsis se trouvent à la State Tretyakov Gallery de Moscou, au State Art Museum of Latvia à Riga, au Museum für Gestaltung de Bâle et à la Lenin Library de Moscou. L’art de Liubov’ Popova est visible à la State Tretyakov Gallery de Moscou, au State Russian Museum de Saint-Pétersbourg, au State Lunacharskii Museum of Fine Arts de Krasnodar, au State Surikov Art Museum de Krasnoiarsk et au Irkutsk Regional Art Museum.

Alevtyna Kakhidze est ukrainienne et semble plus précisément associée à la ville de Kyiv, également appelée Kiev. Kyiv fut un centre important des mouvements d’avant-garde au début du 20e siècle. Artistes et intellectuels y participèrent à des courants comme le néoprimitivisme et le cubisme. Alexandra Exter contribua, par exemple, à organiser des expositions d’avant-garde à Kyiv, notamment The Link (1908) et The Ring (1914). Ces expositions firent découvrir au public ukrainien de nouvelles évolutions de l’art français, allemand, russe et ukrainien. La ville resta un motif important dans ses tableaux ; dans ses conversations et sa correspondance d’émigrée vers la fin de sa vie, elle continua à évoquer le souvenir de la ville de sa jeunesse.

Il est difficile d’identifier des personnes précises directement influencées par Alevtyna Kakhidze, dont l’impact se fait sentir plus largement dans les cercles de l’art contemporain et de la performance en Ukraine. Son travail aborde souvent des questions politiques et sociales et a influencé de jeunes artistes traitant de thèmes similaires. Sa pratique, qui comprend performance, dessin et installation, a ouvert des espaces de dialogue et d’engagement critique. En associant l’attention à la vie quotidienne à des observations aiguës des réalités politiques, elle offre un modèle aux artistes intéressés par l’art engagé. Cette approche encourage à s’éloigner des formes et des sujets plus traditionnels. Sans être une enseignante officielle, elle participe à des ateliers, des expositions et des discussions publiques, jouant ainsi un rôle important auprès des artistes émergents. Son travail donne à voir comment l’art peut explorer les expériences personnelles et les préoccupations sociales plus larges.

La pratique d’Alevtyna Kakhidze traverse performance, dessin, médias temporels et projets collaboratifs. Ses sujets récurrents comprennent le consumérisme, la culture végétale, le féminisme et les textures de la vie dans les zones de conflit.

Alevtyna Kakhidze voit le jour en 1973^[1].