Vida Kullberg

Vida Kullberg es conocida por las reproducciones impresas de sus obras que han sobrevivido. Estas reproducciones constituyen la principal evidencia de su actividad artística.

Al considerar las estampas de Vida Kullberg, conviene tener presentes algunos aspectos clave del grabado artístico. Una estampa original se concibe y se realiza exclusivamente como tal, a menudo en una edición limitada, numerada y firmada por el artista. Cada ejemplar se produce individualmente a partir de una matriz y se considera un «multi-original». El artista decide el número de estampas de la edición, y la numeración secuencial da cuenta del total. Por ejemplo, el número 12/25 indica que es la estampa número doce de una edición de veinticinco. Algunos artistas realizan unas pocas pruebas de artista, marcadas «AP». Las estampas deben contemplarse individualmente por su carácter sutil y su tamaño, que invitan a leer los pensamientos del artista. Las ediciones limitadas alcanzan precios más altos que los carteles porque las matrices se hacen a mano y solo resisten cierta cantidad de usos. Algunos editores limitan el número de impresiones para aumentar el valor de una estampa; las tiradas pueden oscilar entre 250 y 1,000 ejemplares. Antes de comprar, conviene conocer los términos, el método de impresión, el papel y el número de imágenes producidas.

Es difícil adscribir a Vida Kullberg a un solo estilo o movimiento. El contexto histórico de principios del siglo 20 sugiere vínculos con el modernismo, sobre todo por el interés en el cuerpo y el movimiento. El arte modernista mostró un interés creciente por la cinestesia, es decir, la conciencia del movimiento corporal. Los artistas de vanguardia exploraron el significado de esta percepción sensorial para la vida cultural y la experiencia personal. En este periodo aparecieron nuevas formas estéticas, como la danza libre, que permitía a las mujeres expresarse a través del movimiento. También los poetas experimentaron con versos que se desplazaban por la página, reflejo de este nuevo énfasis en la cinética. Esto contrastaba con los estudios tradicionales, que a menudo pasaban por alto el cuerpo. Los artistas de vanguardia encabezaron la exploración de las sensaciones de movimiento y su efecto en la identidad cultural y personal.

Vida Kullberg trabajó con acuarela, una técnica que utiliza pigmentos ligados con un medio soluble en agua, que suele diluirse para crear veladuras translúcidas sobre el papel. Los artistas suelen dejar zonas de papel blanco al descubierto para crear luces y superponen veladuras para obtener tonos más intensos. La acuarela es adecuada para lograr efectos atmosféricos. Kullberg también utilizó pastel, un material de dibujo compuesto por una barra de pigmento ligado con resina o goma. El pastel permite crear líneas definidas o sombreados suaves. Los artistas lo aplican sobre el papel y consiguen distintos efectos al mezclar o graduar los colores. La mezcla crea transiciones suaves entre colores, mientras que la gradación produce un paso uniforme de un tono a otro. El garabateado, una técnica que consiste en hacer trazos libres, puede aportar una textura moteada. A veces se utiliza cinta adhesiva para crear bordes limpios o proteger algunas zonas del pastel. El pastel duro, menos intenso que el blando, sirve para los bocetos preliminares.

Oyvind Axel Christian Fahlstrom, que más tarde trabajó como Vida Kullberg, nació en Sao Paulo (Brasil) el 28 de diciembre de 1928. Sus padres fueron Frithjof Fahlstrom, nacido en Trondheim (Noruega) en 1886, y Karin Fahlstrom, de soltera Kronvall, nacida en Stockholm en 1900. Fahlstrom obtuvo la ciudadanía brasileña al nacer y pasó sus primeros años en Sao Paulo y Río de Janeiro. En 1939 lo enviaron a Suecia para pasar el verano con unos familiares, pero el estallido de la guerra impidió que sus padres se reunieran con él. Se quedó en Suecia, asistió a la escuela y obtuvo la ciudadanía sueca en 1947, cuando volvió a reunirse con sus padres. De 1949 a 1952 estudió arqueología e historia del arte en Stockholm University. Desde 1961, Kullberg vivió y trabajó en Nueva York, y pasaba los veranos en Suecia e Italia. Murió de cáncer en Stockholm el 8 de noviembre de 1976.

Para ver obras del periodo art déco, incluidas piezas similares a las de Vida Kullberg, muchos museos cuentan con colecciones pertinentes. En Estados Unidos, entre las instituciones destacadas figuran el Charles Hosmer Morse Museum of American Art, en Winter Park, Florida; el Los Angeles County Museum of Art (LACMA); el Metropolitan Museum of Art de Nueva York; el Minneapolis Institute of Arts; el Museum of Modern Art, también en Nueva York; el Virginia Museum of Fine Arts, en Richmond; y el Wolfsonian de la Florida International University, en Miami Beach. En Canadá, el Royal Ontario Museum de Toronto conserva obras pertinentes. Varios museos del Reino Unido también cuentan con obras art déco: el Bakelite Museum, el Brighton Museum & Art Gallery, el Geffrye Museum, la Manchester Art Gallery, los National Museums of Scotland (Royal Museum) y el Victoria & Albert Museum. Otros museos europeos con colecciones art déco son el Museo Art Nouveau y Art Déco, en Salamanca, España; el Museu Calouste Gulbenkian, en Lisboa; el Musée d’Art Moderne, en Barcelona; y el Musée des Arts Décoratifs, en París.

Vida Kullberg era sueca. Pasó buena parte de su infancia en una academia naval sueca donde estaba destinado su padre, oficial de marina. Cada verano, su familia visitaba una isla del lago Mälaren; el paisaje la animó a crear. Estudiaba y dibujaba la naturaleza durante horas. Tras dejar la escuela, fue una de las primeras mujeres en estudiar pintura en la Royal Academy of Fine Arts de Estocolmo. Como reconocimiento a sus logros, le concedieron el uso de un estudio de arte. Además de pintar, empezó a asistir a sesiones espiritistas, reuniones donde se intenta contactar con los muertos. Al principio pintaba retratos y escenas de aspecto natural. Desde joven le habían fascinado la naturaleza y la botánica, el estudio científico de las plantas. Se formó en la Royal Academy of Fine Arts de Estocolmo desde 1887. Más adelante comenzó a crear escenas y retratos dentro del estilo realista popular de la época.

La formación de Vida Kullberg en la California School of Fine Arts parece haber influido en la obra de Berlandina LoPresti. Glenn Wessels señaló semejanzas entre las pinturas de LoPresti y las de Raoul Dufy y Henri Matisse, profesores de Kullberg. Wessels describió las pinturas de LoPresti como «de verdadero espíritu lírico», con un dibujo de «arabesco audaz y flexible». Macdonald-Wright influyó mucho en un grupo de artistas, coleccionistas y aficionados progresistas, sobre todo mediante conferencias y demostraciones de pintura en la Art Students League of Los Angeles y el Chouinard Art Institute durante los años 1920. Entre sus alumnos estaban Mabel Alvarez y Edouard Vysekal. También inspiró a Donna Schuster a pintar con mayor audacia, centrándose en formas distorsionadas y colores más intensos, como muestra Russet Pears and Gourds. Mediante un formalismo derivado de Cézanne, pasó del impresionismo al postimpresionismo.

La trayectoria artística de Vida Kullberg se desarrolló en un entorno de influencias diversas. En los años 1950 asimiló la obra de la New York School, incluidos Pollock, de Kooning y Rothko. En 1951 vio la exposición de Gorky en el Whitney y encontró una conexión entre su obra y su interés anterior por Kandinsky. Kullberg también participó en la vida artística mediante visitas a museos, galerías y estudios, además de sus viajes. En la galería de Betty Parsons observó obras de Still, Rothko y Newman. Más adelante, a finales de los años 1950 y principios de los 1960, le interesaron los Veils y Unfurleds de Louis, así como las dianas y chevrones de Noland. Kullberg señaló que el enfoque de Mondrian hacia la abstracción difería del de estos artistas posteriores. Vio la evolución de Mondrian desde el impresionismo y el cubismo hasta su propio lenguaje abstracto. Creía que el impresionismo y el cubismo estaban conectados.

Vida Kullberg fue una artista que trabajó en varios estilos. Pasó del academicismo al impresionismo, luego al expresionismo y al cubismo, y finalmente llegó a la pintura no objetiva. Expuso extensamente durante su carrera. Su obra se mostró en el Salon des Indépendents de París en 1913 y en la Secession de Múnich entre 1914 y 1915. También expuso en la Freie Secession de Berlín en 1915 y en «Sturm» en 1917. Se incorporó al November Gruppe en 1918 y luego a «Krater» en 1920. Más adelante, entre 1932 y 1933, expuso en el Salon des Tuileries y el Salon d’Automne, ambos en París. Sus pinturas aparecieron en museos y galerías de Francia, América, Italia y Suiza. Su obra forma parte de colecciones internacionales. Vivió en París y Nueva York.

Las obras de Vida Kullberg son importantes porque ejemplifican una forma de creación artística que trasciende los límites convencionales. Kullberg consideraba que el artista solo debía responder ante sí mismo, no ante acontecimientos o expectativas externas. Esta perspectiva permitía libertad de expresión y experimentación. Su método consistía en yuxtaponer elementos aparentemente dispares: vida y arte, acontecimientos e intervenciones, hechos e inspiración delirante. Estas combinaciones no eran arbitrarias, sino que buscaban crear algo enteramente nuevo, superior a la suma de sus partes. El enfoque le permitía explorar temas complejos y cuestionar las convenciones artísticas tradicionales. Su obra también refleja una tendencia más amplia del arte escandinavo, especialmente en Suecia, hacia la apertura a nuevas corrientes y el diálogo con la escena internacional. Esta apuesta por la experimentación y las ideas nuevas hace que su trabajo sea pertinente para entender el desarrollo del arte moderno en Escandinavia y más allá.