Bill Mayer

Bill Mayer es conocido por su serie de sellos «Bright Eyes» para el US Postal Service, que representaba primeros planos de animales con su característico estilo de gouache y aerógrafo. Este encargo dio lugar a aproximadamente 180 millones de impresiones en 1998, lo que otorgó a su obra una difusión excepcionalmente amplia.

Sin más información, es difícil señalar la obra más famosa de Bill Mayer. Sin embargo, algunas de sus piezas han recibido atención. Un ejemplo es la pintura de Roy Lichtenstein de 1962, *Masterpiece*. Otra obra conocida es *Girl with Ball*, también de 1961. Esta pieza se apropia de una imagen publicitaria de Mount Airy Lodge, un complejo turístico de la región de los Poconos, en Pensilvania. La imagen, publicada en el *New York Times* y el *Daily News*, muestra a una mujer en traje de baño, una imagen popular en los años 1950. Lichtenstein transformó esta figura publicitaria estereotipada en una representación de la nueva mujer estadounidense dentro del movimiento Pop art. Otras obras de Mayer son *Stepping Out* (1978) y *Still Life with Goldfish Bowl* (1972).

Al considerar las estampas de Bill Mayer, conviene tener presentes algunos aspectos del grabado artístico. Las estampas originales, como xilografías, linograbados, aguafuertes o serigrafías, se realizan a mano por el artista. La obra se crea expresamente como estampa y el artista la realiza directamente sobre la plancha, el bloque de madera, la piedra o la pantalla. Por ello, cada estampa se considera un original. A menudo se venden en galerías especializadas en grabado, tiendas de enmarcado y galerías de arte. Las reproducciones, a veces llamadas carteles o estampas de imagen, se producen mediante procedimientos fotoquímicos. La editorial puede limitar el número de ejemplares para aumentar el valor de la edición. También están ganando popularidad las estampas giclée, impresiones artísticas producidas con tecnología de inyección de tinta. Las transferencias sobre lienzo, en las que la imagen se transfiere a la tela, ofrecen el aspecto de una pintura. Al comprar ediciones limitadas, conviene comprobar cómo están firmadas y numeradas. Por lo general, se numeran consecutivamente (por ejemplo, 35/100): el primer número indica la posición de la estampa en la edición y el segundo, el total de ejemplares.

Sin más información, es difícil situar a Bill Mayer en un movimiento artístico concreto. Sin embargo, algunos pasajes hablan de artistas y movimientos similares que pueden aportar contexto. Los móviles abstractos de Alexander Calder incorporan el movimiento real como elemento central. Sus primeros móviles se inspiraron en la pureza clásica de Mondrian. Su amistad con Miró lo llevó hacia formas libres y orgánicas, que combinó con otras geométricas. Los móviles y stabiles de Calder abarcan el espacio y el movimiento de las formas mediante alambres y figuras planas, negras o de colores vivos. Los experimentos con el movimiento mecánico se han convertido en un interés central para artistas de Europa y América. José de Rivera usa el movimiento como marco, en lugar de elemento central de la estructura, y crea una sucesión de vistas integradas mientras sus esculturas giran.

Al no haber una persona concreta llamada «Bill Mayer» en los textos de referencia, los pasajes detallan la vida y la carrera de varios artistas vinculados al Guggenheim Museum. Alexander Calder nació en Filadelfia en 1898. Se formó como ingeniero mecánico y luego estudió en la Art Students League de Nueva York entre 1923 y 1926. En 1926 se trasladó a París. Regresó a Estados Unidos en 1933 y compró una granja en Roxbury, Connecticut. Siguió exponiendo ampliamente en Europa y Estados Unidos hasta mediados de la década de 1960. Jack Youngerman nació en St. Louis en 1926. Estudió en la University of Missouri y después en la École des Beaux-Arts de París en 1947. Philip Guston nació en Montreal, Canadá, en 1913 y se trasladó a Los Ángeles en 1919. Kenneth Noland nació en Asheville, Carolina del Norte, en 1924. Asistió al Black Mountain College antes de viajar a París en 1948.

La obra de Bill Mayer se ha incluido en numerosas exposiciones desde 1970. Estas exposiciones se han celebrado en museos y galerías de Estados Unidos y Europa. Entre los espacios que han acogido la obra de Mayer figuran el Contemporary Arts Center de Cincinnati; la Emily Lowe Gallery de la Hofstra University, en Hempstead, Nueva York; y la Whitechapel Art Gallery de Londres. Su obra también se ha expuesto en la Mayfair Fine Art Gallery de Londres; el Nelson-Atkins Museum of Art de Kansas City; el Philadelphia Museum of Art; y el Palais des Beaux-Arts de Bruselas. Otros espacios expositivos incluyen el Museum Boijmans Van Beuningen de Róterdam; la Nationalgalerie de Berlín; el Palazzo Reale de Milán; la Kunsthalle Basel; y el Musée des Arts Décoratifs de París. También se pueden encontrar obras suyas en el Whitney Museum of American^[1] Art de Nueva York; el San Francisco Museum of Art; y la Yale University Art Gallery de New Haven.

Es difícil identificar personas concretas que recibieran directamente la influencia de Bill Mayer. Sin embargo, algunas fuentes aportan contexto sobre las influencias y comunidades artísticas con las que estuvo relacionado. Durante su estancia en Los Ángeles, Mayer trató con un grupo de personas creativas, entre ellas Richard Neutra, Rudolph Schindler, Arnold Schoenberg, Lorser Feitelson, Helen Lundeberg, Peter Krasnow, Harry Bertoia y Knud Merrild. Stanton Macdonald-Wright, cocreador del sincronicismo, conversaba con Mayer sobre las posibilidades de la abstracción del color. Visitaban a Mayer los hermanos Whitney, Maya Deren, Alexander Hammid, Curtis Harrington y Kenneth Anger; Harry Smith se inspiró en él para pintar directamente sobre película. Además, Harry Bertoia quizá obtuvo ideas para sus esculturas móviles de metal de su amistad con Mayer, y John Cage recibió la influencia de su concepto de que los objetos contienen un espíritu capaz de adoptar la forma del sonido.

Bill Mayer cursó asignaturas generales de historia del arte en Columbia University. También asistió durante dos semestres al programa «Tools and Materials» de Ralph Mayer. Estas clases lo pusieron en contacto con diversos modos artísticos antiguos de «pintura permanente». Mayer contó que, al principio, estaba por su cuenta, mientras observaba las obras de otros, como Guston, Motherwell, Kline, Gorky, Pollock, Rothko y Jasper Johns. Su amigo Ward Jackson solía enviarle postales inspiradoras con reproducciones de pinturas de Motherwell de diez años atrás. Durante un año o más, Mayer celebró casi cualquier cosa: la máscara de un autorretrato tosco de Cezanne, ennoblecida por un torbellino de carboncillo; casas de vecindad grises junto al puerto, perfiladas al óleo en siena, sombra tostada, ocre, blanco y negro; trenes de mercancías bajo la lluvia, representados con manchas de tinta extendidas con los dedos; efusiones de acuarela y tinta abandonadas a su suerte; el «Song of Songs» escrito con su propia caligrafía y rodeado de delicadas aguadas que evocaban pechos ofrecidos en el campo a la luz de la mañana; una lata de aceite de oliva Luis Lozano, encontrada aplastada en la cuneta, que se revelaba tal cual, pegada a una caja dorada con la inscripción «mira, mira».

Parece haber varios artistas llamados Bill Mayer/Mayer, y la pregunta no es lo bastante específica como para ofrecer una respuesta útil. Estos son resúmenes de varios artistas llamados Bill según los textos de referencia. Max Bill (1908, Winterthur) estudió en la Kunstgewerbeschule de Zúrich (1924-27) y en la Bauhaus de Dessau con Kandinsky, Klee y Albers (1927-29). Cofundó la Hochschule für Gestaltung de Ulm y fue su director entre 1951^[1] y 56. Luigi Boille (1926, Roma) obtuvo un título de pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma y otro de arquitectura en la Universidad de Roma. En 1951 se había trasladado a París, donde realizó una exposición individual en la Galerie Lucien Durand en 1955. Bill Richards (nacido en 1936 en Grantsville, Virginia Occidental) estudió en Ohio University, Athens (BFA, 1954-58), y en Indiana University, Bloomington (MFA, 1958-60). Sus primeras obras de los años 1970 evocan imágenes de pizarras, con líneas blancas rápidas y signos breves que recuerdan a los esquemas que un entrenador de fútbol dibuja a toda prisa. Bill Viola (nacido en Nueva York en 1951) estudió en el College of Visual and Performing Arts de Syracuse University y se graduó en 1973. Durante los años 1970 colaboró en varios proyectos con Nam June Paik y Peter Campus.

La importancia de la obra de Bill Mayer radica en su lugar dentro del movimiento de la Pop art, un estilo surgido a finales de los años 1950. La Pop art cuestionó los valores artísticos establecidos al incorporar imágenes de la cultura de masas y de fuentes comerciales. Artistas como Andy Warhol y Roy Lichtenstein utilizaron deliberadamente temas corrientes, como la publicidad y los productos de supermercado, y se opusieron así a la singularidad asociada al expresionismo abstracto. La Pop art puso en duda el papel tradicional de los museos y obligó a las instituciones a enfrentarse a su función como intérpretes culturales. La temprana aceptación de la Pop art por parte del Guggenheim y la posterior revisión del MoMA muestran cómo el respaldo institucional influye en la interpretación del arte. La Pop art amplió los límites al adoptar el vocabulario comercial. Planteó preguntas sobre el consumismo y la relación entre arte y mercado. Por eso, la obra de Mayer forma parte de una iniciativa crítica más amplia que aprovechó el cambio cultural hacia el capitalismo tardío.

Bill Mayer trabajó con gouache, óleos, aerógrafo, scratchboard, pluma y tinta. Su estilo se caracterizaba por personajes animales distintivos, en especial ranas, reconocibles en encargos publicitarios, editoriales y culturales.

Bill Mayer nació en 1951^[1].